Label: Manticore
Erscheinungsdatum: 19.11.1973
Albumlänge: 45.02 min
Produzent: Greg Lake
Genre: Progressive Rock
Wertung: 10 / 10
Brain Salad Surgery ist der letzte, aber umso süßere Triumph des berühmtesten Trios der Rock-Geschichte. Ob „Brain Salad Surgery“ ihr künstlerischer Alpha-und-Omega-Höhepunkt ist – darüber sind die Meinungen bis heute gespalten (manche bevorzugen „Tarkus“ oder sogar „Trilogy“) –, doch zweifellos zählt es zu ihren besten Werken und zur erlesenen Gesellschaft der besten Rock-Alben aller Zeiten, auch wenn es immer noch oft unverstanden bleibt und nicht die Anerkennung bekommt, die es verdient hätte. Mit ihm erreichte die goldene Ära des symphonischen Progressive Rock ihren Höhepunkt.
Das Album enthält eine Reihe von immergrünen ELP-Klassikern – quasi alle Stücke darauf –, und lässt sich zugleich als quasi-konzeptuelles Projekt bezeichnen, da sein zentrales Werk die knapp halbstündige Suite „Karn Evil 9“ ist, die ambitionierteste Schöpfung in ihrer Geschichte. Bevor die Details dieses Meisterwerks des Progressive Rock näher beleuchtet werden, sind zunächst ein paar Worte zum Hintergrund angebracht, der zu seiner Entstehung und der Gestaltung seines Erscheinungsbildes geführt hat.
ELP standen damals auf dem Höhepunkt ihrer Popularität und genossen den Status einiger der bekanntesten Rock-Stars überhaupt – als einzige in der Geschichte des Progressive Rock, die diesen Status in großem Stil ausnutzten und die Klatschspalten mit allerlei Exzessen auf und hinter der Bühne füllten. Nach dem Abschluss der „Trilogy“-Tournee gründeten sie zunächst ihr eigenes Label Manticore (benannt nach dem mythologischen Wesen und einer der Hauptfiguren des Albums und der Suite „Tarkus“), dann verbarrikadierten sie sich in ihrem Studio, wo die musikalischen Ideen nur so flogen. So viel kreativen Schwung wie während der Entstehung von „Brain Salad Surgery“ zeigten ELP in ihrer Geschichte nie wieder.
Eine große Veränderung im Bereich des Texte-Schreibens – das bis dahin ausschließlich in Lakes und gelegentlich Emersons Domäne lag – bedeutete das Hinzukommen von Peter Sinfield als externem Mitarbeiter. Sinfield war Lakes alter Kumpel noch aus den Zeiten der originalen King Crimson, wo er das fünfte Mitglied der Gruppe war und schon damals den Ruf eines der originellsten Verbraucher der dichterischen Feder im Rock genoss. Sinfield spielte auf dem Album eine kleine, aber wichtige Rolle: Er steuerte seinen poetischen Anteil am ersten Teil der Suite „Karn Evil 9“ sowie den gesamten Text zur Burleske „Benny The Bouncer“ bei. Lake revanchierte sich mit einem Gastauftritt auf dessen Soloalbum, das im selben Jahr beim ELP-Label Manticore erschien.
Wie auf allen früheren ELP-Alben, die sich unter anderem durch instrumentale Innovativität auszeichneten, spielte auch auf diesem fortschrittliche elektronische Technologie eine zentrale Rolle – für jene musikalischen Zeiten bahnbrechend und in der Regel ausschließlich Emersons Domäne. Der Keyboard-Zauberer erweiterte sein bisheriges Arsenal, das bis dahin ausschließlich aus Hammond-Orgeln, Klavier und einem monophonen Mini-Moog-Synthesizer bestand, um einen Mehrzweck-Moog-Modular – damals eine Revolution auf dem Gebiet der polyphonen Nutzung elektronischer Keyboards –, und spielte gelegentlich auch Mundharmonika. Dank des Erfinders Dr. Robert Moog, der in jenem Jahr neue Technologie auf den Markt brachte, konnte Keith seine musikalischen Orgasmen nun auch über den Einsatz polyphoner Synthesizer ausleben, die ihm die Aufnahme- und Kompositionsarbeit in vielerlei Hinsicht erleichterten. Eine weitere wichtige Innovation war Palmers elektronisches Schlagzeug. Der Schlagzeug-Großmeister konnte nun gleichzeitig auf elektronischen Drums spielen und Perkussion wie Pauken und Röhrenglocken einsetzen. Heutzutage hat die moderne MIDI-Aufnahmetechnologie die meisten dieser Techniken ersetzt, doch die einzelnen musikalischen Passagen, die mit den damaligen Innovationen aufgenommen wurden, klingen auf diesem Album alles andere als archaisch.
Natürlich ist es der musikalische Inhalt des Albums, der am meisten zählt und dem es seinen Ruf als Verkörperung der Perfektion im symphonischen Progressive Rock verdankt. Die großartige und bombastische Eröffnung kündigt „Jerusalem“ an – Emersons Adaption einer populären britischen Kirchenhymne, die in Originalversionen meist in Form von Kammermusik aufgeführt wird. ELP machten daraus eine bombastische und epische Rock-Hymne, in der Emerson an den Keyboards einen majestätischen Klang von Kirchenorgeln aufrechterhält, während Lake mit seinem ausgezeichneten Gesangsvortrag brilliert. Seine einfühlsame Interpretation des Originaltexts – verfasst vom legendären britischen Universalkünstler William Blake – hebt die Stimmung des Albums auf die höchste Ebene der Grandiosität. Interessant: Die BBC verweigerte die Ausstrahlung im Radio, nachdem das Stück als Single erschienen war – was beweist, dass die liberalen 60er-Jahre minimalen Einfluss auf so konservativ versteinerte Organisationen wie die BBC hatten.
Emerson wäre aber nicht Emerson, wenn er sich nicht mindestens einer eigenen Interpretation einer klassischen Komposition angenommen hätte. Diesmal wählte er für seine verrückten klassizistischen Eskapaden ein Werk namens „Toccata“, das ursprünglich vom argentinischen Komponisten Alberto Ginastera geschaffen wurde – ein Werk der modernen klassischen Musik. Im Gegensatz zu den Schwierigkeiten, die Emerson in den frühen ELP-Jahren hatte – vor allem mit Urheberrechten und der Missbilligung seiner Kollegen aus der Klassikwelt –, erwies sich Ginastera als verständnisvoller und aufgeschlossener Komponist, der Keiths Interpretation bei sich zuhause mit Freude lauschte und sie unterstützte. Keith schuf darauf einen regelrechten Übungsplatz für seine Experimente mit polyphonen Moog-Synthesizern, während Palmer ihn überzeugend mit seinen Attacken auf den elektronischen Drums begleitet. Von der ersten Sekunde an dominiert eine schaurige Atmosphäre, geformt durch Emersons rasende Keyboard-Improvisationen und Palmers wilde Schlagzeug-Märsche sowie allerlei Perkussion. Damit gehört es zu ihren avantgardistischeren Schöpfungen.
Für einen großen stilistischen Kontrast und Stimmungswechsel sorgt „Still You Turn Me On“ – wieder eine jener schönen, romantischen akustischen Folk-Balladen von Lake, wie geschaffen für alle Arten von Verliebten. Wenn Lake – vor allem dank seines alten King Crimson-„Freundes“ Robert Fripp – nie wirklich ein großer Virtuose auf der E-Gitarre oder dem Bass wurde, beweist er hier erneut, dass er als akustischer Gitarrist oft sehr überzeugend war. Seine Kombination aus pastoralen Akkorden auf der Westerngitarre bildet eine außergewöhnlich schöne Melodie, die hin und wieder von witzigen und geschliffenen Wah-Wah-Passagen auf Emersons Mundharmonika durchbrochen wird – das erste Mal, dass er sich an so etwas gewagt hat. Der Gesang gehört zum Besten in Lakes Karriere, was ohnehin für das gesamte Album gilt. Wer dem Text genau zuhört, wird feststellen, dass er im Grunde alles andere als romantisch ist, wie es zunächst scheinen mag, und zahlreiche sarkastisch eingefärbte sexuelle Anspielungen enthält.
Darauf folgt ein weiteres kürzeres Werk: die burleske „Benny The Bouncer“, ein weiteres unernstenes und witziges Stückchen in der Tradition ihrer früheren frechen Schöpfungen wie „Jeremy Bender“, „Are You Ready Eddy“ und „The Sheriff“. Diese freche Attacke schafft es, die vergnügliche Atmosphäre von Saaltanzlokalen der 50er-Jahre einzufangen, in denen Gewalt und Zynismus herrschen. Emersons wilde Klavier-Passagen und Lakes verzerrter Gesang erschaffen die Atmosphäre einer massenhaften Saal-Schlägerei. Das alles verkörpert am besten der groteske Text, der damit endet, dass jemand dem Türsteher eine Axt in den Kopf schlägt.
All diese Stücke waren jedoch nur die Vorbereitung auf das große Finale und den Kern von „Brain Salad Surgery“ – ohne den man nicht von einem zeitlosen Meisterwerk sprechen könnte. Die Rede ist von dem bereits erwähnten, knapp 30-minütigen Super-Epos „Karn Evil 9“, der ambitioniertesten Schöpfung in ihrer Karriere, mit der sie bewiesen, dass sie immer noch der Inbegriff von Innovativität und die Könige majestätischer epischer Suiten waren. (In ihrer Karriere schufen sie freilich nur zwei solcher Werke – neben „Karn Evil 9“ genießt „Tarkus“ die größte Wertschätzung unter ELP-Fans –, doch beide gelten nach wie vor als ihre größten Errungenschaften.)
Was auf „Karn Evil 9″ neben seiner außergewöhnlichen kompositorischen Qualität und Ausführung zusätzlich zur seltsamen Aura gleichzeitiger Rätselhaftigkeit und Grandiosität beiträgt, ist sein apokalyptisches Science-Fiction-Konzept, das dramatisch mit Gigers Cover-Artwork verbunden ist. Die Geschichte schöpft ihre Inspiration vor allem aus Klassikern wie Huxleys „Schöne neue Welt“ und Orwells „1984″.
In der Zukunft wurden aus der Welt für immer alle Verbrechen getilgt und mit ihnen alle weltliche Dekadenz, und eine „reine“ Gesellschaft erschaffen. Für ihre Überwachung sorgen Computer, die jeden Schritt des menschlichen Lebens kontrollieren. Alle Formen der Unterhaltung und alles, was Menschen zu individuellem Denken und rebellischem Geist führen könnte, sind verboten – Musik ist besonders streng untersagt. All das mit dem Ziel, aus den Menschen möglichst unpersönliche und roboterhafte Wesen zu machen, die den Computern geistig ähnlich sind. Trotzdem existiert tief unter der Erde eine Unterwelt, in der noch einige Menschen frei leben und dabei eine Revolution und den Aufstand gegen die Herrschaft der Computer vorbereiten. Kommt dir das bekannt vor? Klar – etwas sehr Ähnliches konntest du viel später in der Film-Trilogie Matrix oder in Filmen wie etwa Equilibrium sehen.
„Karn Evil 9“ – sein ungewöhnlicher Name entstammt Emersons Wortschöpfung, mit der er die karnevalistische Atmosphäre beschreiben wollte – ist in der Tradition aller großen epischen Suiten in mehrere Abschnitte unterteilt. In diesem Fall in drei: Der erste Abschnitt (zusammen mit seinem Intro) stellt eine anfängliche Aufwärmphase mit Lakes Gesang im Vordergrund dar; der zweite bringt die majestätische Wende mit längeren instrumentalen Improvisationen Emersons (vor allem am Klavier); und der dritte ist in erster Linie Emersons finaler Orgasmus auf polyphonen Moog-Synthesizern, die eine vollständig kybernetische Atmosphäre erzeugen. Der bekannteste und beliebteste Abschnitt ist mit Sicherheit das Intro, das Lakes berühmte Worte enthält: „Welcome back my friends to the show that never ends“ – was später auch zum Titel ihres ersten Livealbums wurde. Neben Emersons Eskapaden auf seinem reichen Arsenal verschiedener Keyboards – Hammond-Orgeln wie Moog-Synthesizer – und Palmers Attacken auf den elektronischen Drums steht eine majestätische Melodie im Vordergrund, die ihren Höhepunkt mit einem dramatischen zentralen Refrain findet. Mit der Zeit bildet sich ein karnevalistisches Motiv und eine Atmosphäre heraus, die dann die gesamte Suite dominiert.
Im zweiten Abschnitt dominieren Emersons atemberaubende solistische Eskapaden – vor allem am Klavier – sowie Palmers eigenwillige Schlagzeug-Übergänge. Auch die verschiedensten witzigen Improvisationen seitens eines der größten Keyboarder aller Zeiten kommen nicht zu kurz. Den besten Teil der Suite stellt jedoch ihr epischer letzter Abschnitt dar: ein sehr überzeugender Abschluss, in dem ein dramatischer Dialog/epischer Kampf zwischen Mensch und Computer stattfindet. Lake bewältigt diesen Gesangsdialog mit Bravour und erschafft eine außergewöhnliche Atmosphäre, wenn zwei entgegengesetzte Kräfte um die Vorherrschaft kämpfen – eine organische und eine elektronisch-kybernetische. Letztere verkörpert das Böse und ist deshalb absichtlich durch Emersons Vocoder-Effekt verzerrt, der einen elektronischen Klang verleiht. Beide entscheiden über die Zukunft der Menschheit: Kehren wir zur Natur und zur Menschlichkeit zurück, oder werden wir Sklaven der Maschinen und der künstlichen Intelligenz? Dabei sollte man bedenken, dass es zum Zeitpunkt der Veröffentlichung des Albums noch keine Personal Computer gab, und sich das alles damals – im Gegensatz zu heute, wo Computer unseren Alltag schon fast vollständig beherrschen – wie reine Science-Fiction anfühlte.
Mindestens ebenso berühmt wie der musikalische Inhalt des Albums ist auch eines der ungewöhnlichsten Cover-Artworks der Musikgeschichte: das Werk des Schweizer surrealistischen Künstlers H.R. Giger. Letzterer erlangte später vor allem als Schöpfer des Science-Fiction-Wesens Xenomorph unsterblichen Ruhm, das in den gleichnamigen Filmen besser als „Alien“ bekannt ist. Das Cover zeigt ein weibliches Gesicht (nur der Mund ist sichtbar), gefangen in einem virtuell-kybernetischen Kerker in Form eines Totenschädels. Gigers ursprüngliche Idee sorgte für nicht wenig Kontroverse, da er zunächst vor dem Gesicht einen Penis gezeichnet hatte. Aufgrund heftiger Reaktionen und Drucks retuschierte er das Bild später so, dass dort eine Art Licht erscheint – doch der Umriss des Penis ist, wer genau hinsieht, immer noch erkennbar. Auf der Rückseite des Covers, die sich auf das Cover bezieht, sieht man das weibliche Gesicht, befreit von der künstlichen Wand. Man erkennt, dass ihr Haar der Hautstruktur des berühmten Science-Fiction-Monsters verblüffend ähnelt. Das Konzept des Covers wurde aufgrund des ursprünglichen Albumtitels gewählt, der „Whip Some Skull On Ya“ lauten sollte – ein Ausdruck für Oralsex. Nun, auch „Brain Salad Surgery“ ist ein solcher Ausdruck, wenn auch ein etwas weniger offensichtlicher. Die Bilder gelten bis heute als verschollen, da sie bei einer Ausstellung von Gigers Werken in Prag gestohlen wurden. Auch nach der Wahl des Rolling Stone-Magazins – das traditionell schon seit geraumer Zeit alles verachtet, was nicht nach dem Geschmack von Plattenfirmenkonzernen, MTV und ähnlichem Schund riecht – wurde es als eines der besten Musik-Covers aller Zeiten gekürt.
Die drei heiligen Könige des Progressive Rock haben mit „Brain Salad Surgery“ einen zeitlosen Klassiker des Genres und ihr letztes Studio-Meisterwerk geschaffen, mit dem sie zusammen mit dem Doppel-Live-Album, das im folgenden Jahr erschien, ihre künstlerisch und kommerziell erfolgreichste Phase besiegelten. „Brain Salad Surgery“ ist das Album, das neben „Tarkus“ als Hauptkandidat gilt, wenn über ihr bestes Album abgestimmt wird, und ist zugleich ihr schönstes Denkmal für den symphonischen Progressive Rock, der damals in Großbritannien und Italien den Höhepunkt seiner Popularität erreichte. Leider gönnten sich ELP nach der „Brain Salad Surgery“-Tournee und dem ausgezeichneten Live-Album als ihrem Abschlussprodukt eine längere Pause. Wie sich später herausstellte, erholten sie sich davon nie wieder wirklich, und ihre goldenen Zeiten waren unweigerlich vorbei. „Brain Salad Surgery“ ist das Kronjuwel des großen Trios auf dem Höhepunkt ihrer künstlerischen Kräfte und muss in der Sammlung jedes aufrechten Rock-Musikfans stehen.
Autor: Peter Podbrežnik
Tracklist:
1. Jerusalem
2. Toccata
3. Still…You Turn Me On
4. Benny the Bouncer
5. Karn Evil 9
Karn Evil 9: 1st Impression, Pt. 1
Karn Evil 9: 1st Impression, Pt. 2
Karn Evil 9: 2nd Impression
Karn Evil 9: 3rd Impression
Besetzung:
Keith Emerson – Hammond-Orgeln, Klavier, Mundharmonika, Moog-Synthesizer, polyphoner Moog-Modular, Computerstimme auf Karn Evil 9: 3rd Impression
Greg Lake – Gesang, Akustikgitarre, E-Gitarre, Bassgitarre
Carl Palmer – Schlagzeug, Perkussion, elektronisches Schlagzeug
