Autor: Peter Podbrežnik
Interpret: Pink Floyd
Label: EMI Records
Veröffentlichung: 1968
Bewertung: 4/5
Pink Floyd waren vor der Veröffentlichung ihres zweiten Albums „A Saucerful Of Secrets“ ohne Zweifel der erste Name der britischen Psychedelic-Rock-Szene und einer der führenden Pioniere des aufkeimenden Progressive Rock. Ihr Vorgängeralbum „The Piper At The Gates Of Dawn“ (1967), heute eines der Kultalben des psychedelischen und frühen Progressive Rock, katapultierte sie in die Riege der auffälligsten Rockstars der psychedelischen 60er, denen wegen ihrer berühmten „Weltraum“-Auftritte mit Sound und Visuals praktisch von Anfang an eine besondere Aura einer Band von einem „anderen Planeten“ anhaftete. Der ganze Medienrummel, der nach der Veröffentlichung ihrer ersten Singles und des Debüts entstand, hatte langfristig negative Folgen für den Gitarristen, Sänger und Hauptverantwortlichen für Musik und Texte, Syd Barrett. Der begann sich damals immer mehr von der Band zu entfremden und sich in eine ganz eigene Welt einzuigeln, was sich oft in seinem maßlosen Konsum psychoaktiver Substanzen, allen voran LSD, zeigte. Dazu kamen seine ohnehin vorhandene Neigung zur Schizophrenie und seine blühende Fantasie, was für seine musikalische Karriere fatale Folgen hatte. „A Saucefrul Of Secrets“ war sein letztes Album mit Pink Floyd und wie schon beim Vorgänger umweht auch dieses ein gewisser Mystizismus, der mit der Person und dem Werk dieses unglücklichen Musikers verbunden ist, von dem viele sagen, er sei eines der größten, wenn nicht das größte ungeschliffene Talent in der Geschichte der Rockmusik.
Barretts mentaler Zustand wurde von Tag zu Tag schlimmer. Bei Auftritten spielte er oft irgendwelches wirres Zeug, das völlig außerhalb des Kontexts des Songs lag, stimmte während des gesamten Gigs seine Gitarre oder starrte einfach ins Leere, ohne den Mund aufzumachen oder die Saiten zu berühren. Sein Verhalten, auf der Bühne wie abseits davon, wurde für die übrigen Bandmitglieder zum echten Albtraum. Trotzdem wollten sie ihn anfangs unbedingt halten, weil sie fürchteten, mit seinem Abgang ihre klangliche und lyrische Identität zu verlieren. Wenn er schon nicht live auftreten konnte, wollten sie im Studio wenigstens seine einzigartige Poesie, seinen Gesang und seine Gitarre bewahren. Deshalb holten sie David Gilmour in die Band, einen alten Bekannten der Band und Syds Schulfreund, der damals einen ziemlich ähnlichen Gitarrenstil wie Barrett hatte und ursprünglich als Syds Ersatz an Gitarre und Gesang bei den Live-Auftritten gedacht war. Die fünfköpfige Besetzung von Pink Floyd hielt leider nicht lange, denn Syd war nach einer Handvoll gemeinsamer Kompositionen, die sich größtenteils auf diesem Album finden, auch im Studio nicht mehr bei der Sache und „schwebte“ endgültig in seine eigene Welt davon. Sein letzter veröffentlichter Song, den er als Bandmitglied geschrieben hatte, war „Vegetable Man“, den die anderen wegen des übertrieben autobiografischen Charakters der Lyrics nicht aufs Album nahmen. Für zahlreiche Fans war Syds Abgang eine beispiellose Tragödie und sie zählten schon die Tage bis zum Untergang der Band, doch Gilmour erwies sich am Ende als weit mehr als bloßer Ersatz für Syd an Gitarre und Gesang. Mit seiner eigenen Stimme und seinem Gitarrenspiel, vor allem mit seinen berühmten gedehnten, „weinenden“ Soli, wurde er schnell zu einer der tragenden Säulen der Band und etablierte sich mit der Zeit als gleichwertiger Partner seines späteren großen „Freundes“, des Bassisten und Sängers Roger Waters, beim Schreiben der Musik.
Mit Ausnahme des Schlusstracks „Jugband Blues“, Barretts einziger Solokomposition auf dem Album, teilen sich bei allen übrigen Stücken Waters, Gilmour und Keyboarder Rick Wright den Leadgesang. Für Wright blieb dies das einzige Album in der Bandgeschichte, auf dem er als Sänger dominierte, denn er sang gleich vier Stücke. Die drei genannten Größen teilten sich auch die Rollen der Hauptsongwriter. Während Waters, der sich als zentraler Texter etablierte, schon damals eher die anspruchsvolleren, oft gesellschaftskritischen lyrischen Themen lagen, widmeten sich Gilmour und Wright einfacheren Texten. Klanglich zählt dieses Album zu ihren experimentellsten (und das nicht nur aus der psychedelischen Phase), denn man entdeckt darauf zahlreiche avantgardistische Sounds; von der ungewöhnlichen Verwendung von Percussion über spezielle Gitarreneffekte bis zum Rauschen von Oszillatoren. Die Kompositionen sind gut ausbalanciert; auf jedes längere, experimentelle und komplexe Stück, das oft avantgardistische Sounds enthält, folgt ein kürzeres, kompositorisch weniger anspruchsvolles Werk mit einfacherer Struktur und halbwegs zugänglicher Melodie. Auch wenn die Texte keine Science-Fiction-Verweise enthielten, ist die Stimmung mancher Stücke ziemlich esoterisch und hypnotisch. Letztere kann Hörer schnell in einen Zustand der Entrückung versetzen. Nicht zuletzt dank dieses Albums, vor allem des Stücks „Set The Controls For The Heart Of The Sun“, erfanden einige Medien kurz nach der Veröffentlichung den Begriff Space Rock, der sich später für alle Bands durchsetzte, die in ihre Werke längere instrumentale Jams, ungewöhnliche, avantgardistische Sounds und eine farbenprächtige Keyboard-Palette einbauten und so die Stimmung einer Weltraumreise erzeugten.
Die Reise zu den „fernen Galaxien“ beginnt mit „Let There Be More Light“, bei dem sich Wright, Waters und Gilmour als Sänger abwechseln. Der Song wird auf geheimnisvolle Weise von einer dröhnenden Linie von Watersʼ Bass eingeleitet, in die aus anfänglicher Ferne mächtig eine dröhnende Schicht von Wrights Orgel in den Vordergrund hereinbricht, worauf eine rhythmische Steigerung folgt. Wright tritt in diesem Moment als erster Sänger auf, während Waters mit seinem Kreischen die Rolle des Begleitsängers übernimmt. Die mehrstimmigen Gesangsharmonien in Kombination mit obskuren Sounds, Orgel und Gitarrenriff erzeugen eine ziemlich düstere Stimmung. Am Ende des letzten Abschnitts im Song packt Gilmour noch sein erstes Solo als frischgebackenes Mitglied von Pink Floyd obendrauf. Es ist durch verzerrte Effekte gejagt. Watersʼ Text ist ein sarkastisches Gleichnis auf die psychedelische Musikszene der 60er und die Band als zentrale britische Ikonen dieser musikalischen Epoche.
„Remember a Day“, eine ruhige psychedelische Ballade mit Folk-Elementen, in der sich Rick Wright als Leadsänger auszeichnet, liegt auf einer schönen Melodie, die von weichen Klavierarrangements, einem melodischen Bass und soliden Passagen auf der Slide-Gitarre getragen wird, gespielt von niemand Geringerem als Syd. Der spielt auch ein kürzeres Solo. Dazwischen sind ständig obskure Sounds präsent, die die psychedelische Stimmung noch verstärken. Sowohl Stimmung als auch Text zeichnen ein idyllisches Bild kindlicher Unschuld, was für die meisten Stücke Barretts ohnehin ziemlich typisch war. Ein schlichter und angenehmer Song, der einen guten Kontrast zur sonst düsteren Atmosphäre bildet, die auf dem Album vorherrscht.
„Set The Controls For The Heart Of The Sun“ ist ein längeres, stark experimentelles Stück, das sich über die Jahre Kultstatus als eines der ersten Beispiele für den sogenannten Space Rock erarbeitet hat und das von allen Songs auf diesem Album am längsten und am häufigsten live gespielt wurde. Es dominiert eine ziemlich obskure, düstere Stimmung mit zahlreichen psychedelischen Effekten, vor allem auf Masons Percussion und Schlagzeug. Durch den ganzen Song zieht sich ein hypnotisches Gitarrenriff von Gilmour, das zusammen mit psychedelischen Keyboard-Sounds und Becken eine ausgeprägt orientalische Stimmung erzeugt, wie sie im Psychedelic Rock generell beliebt war. Wispernder Gesang verstärkt die geheimnisvolle Stimmung des Stücks noch. Der Song ist auch dafür berühmt, dass er als einziger sowohl einen Beitrag von Barrett als auch von Gilmour enthält, obwohl die beiden nicht gleichzeitig daran mitgewirkt haben. Gilmour spielte nach Barretts Abgang nämlich die Gitarrenlinien neu ein und nahm sie über Syds auf. Ob das nun ihre Hauptabsicht war oder nicht, Pink Floyd gelang mit diesem Stück eine echte Atmosphäre eines Weltraumflugs ins Unbekannte.
Den unterhaltsamen „Corporal Clegg“ würde ich als schönes Exemplar guten alten britischen schwarzen Humors bezeichnen und als Watersʼ ersten lyrischen Beitrag zum Thema Krieg, von dem er in seinen letzten Jahren mit der Band völlig besessen war. Der Song gehört zu ihren sonst sehr seltenen komischen Werken, auch wenn selbst dieser ein unverhohlenes Körnchen düsteren Sarkasmus über die Schrecken des Krieges und ihre gesellschaftlichen Folgen enthält. Die Rolle des Leadsängers und Gitarristen übernimmt diesmal hervorragend Gilmour, der sich auch an einem traditionellen Clown-Instrument versuchte – der Kazoo, mit der er überaus witzige Sounds hervorlockt. Die erinnern an das Spiel einer Blaskapelle, wie sie üblicherweise Militärmärsche begleitet. Eine exzellente psychedelische Melodie auf den Keyboards und ein Wah-Wah-Effekt auf der Gitarre bringen einen subtilen Kontrast in den burlesken Charakter des Stücks. Gegen Ende hört man auch Geräusche, die an militärischen Drill erinnern. In einigen Versen steuert auch Mason Gesang bei. Watersʼ sarkastischer Text erzählt die Geschichte eines senilen Soldaten mit Holzbein, der immer noch von den glorreichen Schlachten von einst fantasiert, und seiner alkoholkranken Frau.
Das Titelstück „A Saucerful Of Secrets“, ein Instrumental, das mit über elf Minuten das längste und komplexeste Werk auf dem Album ist, ist in mehrere Abschnitte unterteilt. Dieses Stück ist die wahre Inkarnation des frühen avantgardistischen Experimentierens in der Rockmusik, mit zahlreichen schrägen Sounds, vor allem der ungewöhnlichen Verwendung von Percussion und dissonanten Effekten auf den Keyboards. Hier spürt man auch den Einfluss von Frank Zappa auf die damalige psychedelische Szene. Der Eröffnungsabschnitt beginnt mit Masons Beckenspiel und der gespenstischen Stimmung der Keyboard-Effekte. Ist die vorbei, folgt ein Abschnitt, in dem Schlagzeug und zwischendurch schräge Klavierpassagen mit ausgiebigem Einsatz verrückter Effekte die gespenstische Stimmung vorgeben. Darauf folgt ein etwas „gesetzterer“, aber unheimlicher Abschnitt, in dem der dramatische Klang von Kirchenorgeln dominiert. Wenn sich in deren Sound noch „engelhafte“ Chorharmonien und Mellotron mischen, wird die Stimmung ungemein erhaben. Damit kommen Höhepunkt und Abschluss des Stücks. Laut Waters sollte das Stück die Atmosphäre einer Schlacht erzeugen, was meiner Meinung nach ziemlich gut gelingt. Mich erinnert es persönlich wegen dieser unheimlichen Stimmung, des Mellotron-Sounds und der gelungenen Nachahmung der Geräusche von Kriegsgräueln ein wenig an den King-Crimson-Klassiker „Devil’s Traingle“ von „In The Wake Of Poseidon“ (1970), auch wenn der noch deutlich düsterer ist.
„See-Saw“ ist ein weiteres ziemlich ruhiges und romantisches Stück von Wright, bei dem er sich erneut als Leadsänger in Szene setzt. Wright zeigt sich hier nicht nur als sehr solider Sänger, sondern als Schöpfer überaus geschmackvoller und melodischer sinfonischer Arrangements. In seinem Keyboard-Arsenal wechseln sich stimmig und die ganze Zeit schön feinfühlige Schichten von Orgel, Klavier, Mellotron und Vibrafon ab. Die zusätzlichen Gesangsharmonien sind exzellent und erzeugen in Kombination mit den sinfonischen Arrangements und der Gitarre eine unvergesslich romantische Stimmung. Von der Struktur her ist dieses exzellente Stück „Remember a Day“ ziemlich ähnlich, auch wenn seine Stimmung spürbar düsterer ist.
Zum Abschluss findet sich auf dem Album noch der äußerst symbolistische und ungewöhnlich strukturierte „Jugband Blues“, der gewissermaßen Syds Abschiedssong und sein einziges eigenständiges Werk darauf ist. Im Kern ist es psychedelischer Folk Rock, einigen Stücken seines Debüts ziemlich ähnlich. Syds Gesang spiegelt völlige emotionale Resignation und Abwesenheit wider. Dazwischen spielt er eine einfache Melodie auf der Akustikgitarre. Die witzigen Bläserarrangements auf Tuba und Posaune stammen ausgerechnet von Waters und Wright. Gegen Ende melden sich nach einer Unterbrechung für einen weiteren Vers noch Syds Gesang und die Akustikgitarre. Ein trauriger Abschied, den auch einige äußerst persönliche Verse widerspiegeln, in denen er seine Entfremdung von der Band und von der „normalen“ Gesellschaft im Allgemeinen ausdrückt.
„A Saucerful Of Secrets“, das einzige Album in der Geschichte der Band, das von fünf Mitgliedern aufgenommen wurde, war eines der ersten Progressive-Rock-Alben und zählt als solches zu den Klassikern der 60er, auch wenn ich es persönlich nicht zu ihren besten Werken zählen würde. Dieses Album war zwar ein hervorragendes Beispiel für ihre experimentelle Übergangsphase, die durch Syds Abgang ausgelöst wurde und in der sie versuchten, ihren Sound mit zahlreichen avantgardistischen Sounds, psychedelisch gefärbten sinfonischen Arrangements und sonstigen klanglichen Schrulligkeiten neu zu definieren, aber im Vergleich zu den späteren, viel subtileren Alben, die sie in die Unsterblichkeit einschrieben, klingt es ziemlich obskur, um nicht zu sagen „lausbubenhaft“. Auch wenn ich ein Fan bestimmter Spielarten des avantgardistischen Progressive Rock bin, allen voran Zappa, finde ich, dass Pink Floyd mit solchen Elementen nie ihr Potenzial so ausschöpfen konnten wie später, als sie ihre Form von Psychedelic und Space Rock mit Sinfonik und stärker strukturierten Werken, durch die sich ein roter Faden zog, weiter verfeinerten und sophistizierten. Trotz seiner unbestreitbaren Innovationskraft im Progressive Rock würde ich es kaum als Meisterwerk der Band bezeichnen, doch es ist unbestreitbar eines der wichtigsten Alben jener Zeit, das dem Publikum erstmals das musikalische Talent von David Gilmour präsentierte. In der Heimat Großbritannien verkaufte es sich ziemlich gut, während es in den USA ein ziemlicher Reinfall war, denn es gilt als ihr einziges Album, das es nicht in die amerikanischen Top 100 der meistgehörten Alben schaffte. Pink Floyd begannen mit diesem Album, nach einer neuen klanglichen Ausrichtung zu suchen, und versuchten, die Folgen zu flicken, die der Abschied ihres tragischen, unvollendeten Musikgenies verursacht hatte, der sich nach seinem Abgang kurz einer Solokarriere zuwandte. Während Syds Solokarriere nach zwei Veröffentlichungen schnell versandete und er in völlige Obskurität abrutschte, wurden Pink Floyd mit jedem weiteren Album besser als Schreiber längerer, erhabener Kompositionen und bei der Entwicklung ihres ganz eigenen, weithin erkennbaren Sounds, der sie für immer unter die größten Legenden der Rockmusik einschrieb.
Besetzung
Syd Barrett – Gesang, Gitarre
David Gilmour – Gesang, Gitarre, Kazoo
Roger Waters – Gesang, Bass
Richard Wright – Gesang, Orgel, Klavier, Mellotron, Vibrafon
Nick Mason – Schlagzeug, Percussion
Produktion
Norman Smith
Tracklist
1. Let there be more light (5:38)
2. Remember a day (4:33)
3. Set the controls for the heart of the sun (5:28)
4. Corporal Clegg (4:12)
5. A saucerful of secrets (11:57)
6. See-saw (4:36)
7. Jugband blues (2:59)
Spielzeit: 39:23
