Autor: Peter Podbrežnik
Künstler: Pink Floyd
Label: EMI Records
Erscheinungsjahr: 1979
Laufzeit: 81:09
Bewertung: 5/5
Die legendären Giganten des Progressive Rock Pink Floyd haben mit der monumentalen Progressive-Rock-Oper „The Wall“, einem konzeptuellen Doppelalbum über Selbst-Isolation, ihren Höhepunkt beim Schaffen von Alben erreicht, die die Grenzen der modernen populären und experimentellen Musik für immer verschoben haben. „The Wall“ war in jeder Hinsicht das ambitionierteste Projekt ihrer Geschichte und eines der letzten Progressive-Rock-Alben, von denen man noch sagen kann, dass sie im Sinne musikalischer Innovationen mit weitreichendem Einfluss auf künftige Generationen von Musikern tatsächlich progressiv waren. Die Gestaltung seines musikalischen und konzeptuellen Bildes wurde von mehreren verschiedenen Faktoren beeinflusst.
Der Oberbefehlshaber des gesamten „The Wall“-Projekts war der geniale, aber launische Bassist, Sänger und Texter Roger Waters, der gegenüber den anderen Bandmitgliedern bereits offen diktatorische Manieren an den Tag legte, was der Keyboarder Richard Wright am eigenen Leib am stärksten zu spüren bekam. Wrights Tage in der Band waren trotz des bedeutenden Beitrags, den er auf diesem Album leistete, dank Waters gezählt, denn er verabschiedete sich unmittelbar nach dessen Erscheinen. Der Hauptgrund für Waters‘ Forderung nach Wrights Abgang soll gewesen sein, dass dieser sich vor den Aufnahmen etwas zu lange Urlaub gegönnt hatte, als nötig gewesen wäre. Bei der „The Wall“-Tournee wirkte er nur noch als Gelegenheitsmusiker mit.
Noch schlechter waren Waters‘ Beziehungen zum Gitarristen und Sänger David Gilmour, mit dem er im Studio angeblich überhaupt nicht mehr kommunizierte. Unter solchen Umständen war es keine Überraschung, dass „The Wall“ das letzte Album in der klassischen Pink Floyd-Besetzung war. Neben den zerrütteten Beziehungen zwischen den Bandmitgliedern und der seit Jahren zynischen Einstellung zur Musikindustrie hatte ein unangenehmer Vorfall während der „The Animals“-Tournee maßgeblichen Einfluss auf Waters‘ Konzept der Selbstentfremdung: Ein „Fan“ versuchte während eines Konzerts in Montreal auf die Bühne zu klettern. Roger reagierte darauf, indem er dem Eindringling ohne zu zögern ins Gesicht spuckte. Diese dramatische Erfahrung bestärkte ihn zunehmend in seiner Überzeugung, dass zwischen Band und Publikum eine unsichtbare, entfremdende Mauer existiert, was später ein guter Vorwand für imposante Bühnenshows mit einer künstlichen Bühnenmauer wurde.
Waters‘ traumatische Studio- und Konzerterlebnisse, vermischt mit seinen sozialistischen Weltanschauungen, Kindheitserinnerungen an den im Krieg gefallenen Vater und der Enttäuschung über die Musikindustrie, waren entscheidend dafür, dass das konzeptuelle und musikalische Bild dieses Albums voller düsterer Töne ist, die schonungslos den verarmten geistigen und emotionalen Zustand des Einzelnen innerhalb der westlichen Ultra-Kapitalisten-Gesellschaft widerspiegeln. Das zentrale Thema des Albums ist die Selbst-Isolation, die durch den Bau einer metaphorischen Mauer im Kopf des Protagonisten veranschaulicht wird.
Der Zyklus der Stücke erzählt anschaulich Ausschnitte aus dem Leben eines populären Musikers namens Pink (seine Persönlichkeit wurde teilweise nach Waters‘ persönlichen Erlebnissen und seinem damaligen emotionalen Zustand sowie den tragischen Schicksalen des Gründungsmitglieds, des „verrückten Diamanten“ Syd Barrett, geformt). Pink verliert im Krieg seinen Vater (Waters‘ Vater wurde im 2. Weltkrieg getötet) und wächst im Schoß einer besitzergreifenden Mutter auf, die es ihm unmöglich macht, echte Beziehungen zu seinen Gleichaltrigen zu entwickeln. In der Schule sammelt er mühsam Wissen und lernt Disziplin unter dem Stock tyrannischer und verderbter Lehrer. All diese persönlichen Traumata tragen dazu bei, dass sich in seinem Kopf Stein für Stein zusammenfügt, was zum schrittweisen Aufbau einer selbst-isolierenden Mauer beiträgt, hinter der er sich vor der Gesellschaft verstecken möchte.
Nachdem er aufgewachsen ist, wird er ein berühmter Rockmusiker, doch sein Leben wird von Drogen, gescheiterten emotionalen Beziehungen, korrupten Managern und plötzlichen, unkontrollierten Gewaltausbrüchen beherrscht. Nach dem Zerbrechen seiner Ehe erlebt er einen endgültigen emotionalen Zusammenbruch und errichtet in seinem Kopf eine imaginäre Mauer, hinter der er sich völlig in sich selbst zurückzieht. Halluzinationen tragen dazu bei, dass in ihm diktatorische Ambitionen keimen. Plötzlich beginnt er, sich als neonazistischen Diktator zu sehen, der sein Konzertpublikum als gefügige Schafe betrachtet, unter denen er nach Belieben „minderwertige“ Individuen bestraft. Diese werden auf sein Geheiß aus der Halle abgeführt. Mit der Zeit rebelliert sein Unterbewusstsein gegen diesen halluzinogenen diktatorischen Wahn.
Erschüttert von dieser traumatischen Erfahrung ekelt er sich vor sich selbst und bereitet in seinem Kopf eine Selbstverurteilung vor. Dieser Prozess stellt den Höhepunkt des gesamten Konzepts dar, wenn er sich in seinem Kopf den nächsten Figuren aus seinem Leben stellt. Sein persönlicher Richter schafft es, ihn dazu zu bringen, am Ende die Mauer einzureißen und die Selbst-Isolation aufzugeben, um zu seinen Freunden und Nahestehenden bzw. denjenigen zurückzukehren, die er durch seine Taten am meisten verletzt hat. Natürlich kann sich jeder am Ende seine eigene Vorstellung machen, ob Pink ein glückliches Leben ohne imaginäre Mauer gefunden hat oder ob er für immer in einer Gummizelle gelandet ist. Zweifellos handelt es sich um eines der besten Konzepte, das neben einem psychologischen Querschnitt eines entfremdeten Individuums auch einen schonungslosen Spiegel der Beziehungen innerhalb unserer wettbewerbsorientierten und häufig gegenseitig entfremdeten Gesellschaft bietet. In jedem Stück verbergen sich noch viele verschiedene (Unter-)Botschaften.
Wie bei den meisten Pink Floyd-Meisterwerken liegt die Hauptstärke von „The Wall“ in der außergewöhnlichen atmosphärischen Vielfalt, durch die es nicht schwer fällt, sich die einzelnen Bilder aus Waters‘ Konzept vorzustellen. Pink Floyd haben in ihrer Karriere weder vorher noch nachher so theatralisch und wuchtig geklungen wie auf den meisten „The Wall“-Kompositionen. Das Album ist von der Stimmung her generell noch düsterer und erdgebundener als der Vorgänger „Animals“ (1977), mit seltenen Momenten des Lichts. Einige wuchtige Motive werden von einer rebellischen, fast punkigen Energie begleitet, was ein großer Bruch gegenüber ihren früheren Space-Rock-Jahren ist, von den psychedelisch-avantgardistischen Anfängen ganz zu schweigen. Trotz des anderen, direkteren und viel weniger experimentellen Ansatzes haben Pink Floyd ihre üblichen instrumentalen Qualitäten bewahrt, wobei wie gewöhnlich Gilmours melancholische Slide-Finessen und subtile Soli hervorzuheben sind, bei denen man auch heute noch eine Gänsehaut am ganzen Körper bekommt.
Neben Wrights üblichem Fundament aus Orgeln, Klavier und Clavinet wurde eine Fülle von Synthesizern eingesetzt, was stellenweise zu einem betont orchestralen Klang beitrug. Von Waters lässt sich sagen, dass er mit seiner theatralischen Gesangsweise und seinem außergewöhnlichen Gespür für Dramatik hier seinen Höhepunkt als Sänger erreicht hat, da er die Rollen von Pink und den Figuren aus seinem Leben überaus überzeugend „spielt“. Gilmour war in der Gesangs- (und auch kompositorischen) Rolle zwar dank Waters spürbar reduziert, doch dafür zählen alle drei Stücke, die seinen vokalen und kompositorischen Beitrag enthalten, zu den besten Momenten des Albums (Young Lust, Run Like Hell und vor allem Comfortably Numb).
Waters‘ halbautobiografische Rock-Oper öffnet sich mit „In The Flesh?“, wo man am Ende das Summen deutscher Bomber hören kann, was den gewaltsamen Tod von Pinks Vater während eines Kriegsbombardements symbolisiert. Dieses dynamische Stück öffnet sich mit einer ruhigen Melodie, die man später auf dem abschließenden „Outside The Wall“ wiederfinden kann (womit der Zyklus geschlossen wird). Das Stück steigert sich dank Waters‘ zynischem Gesang, dramatischer Gitarrenpassagen und Orgeln zu einem dramatischen Finale mit dem Grollen der Bomber. „The Thin Ice“ enthält im Intro eine sanfte Klaviermelodie und Gilmours ruhigen Gesang, der an ein Kinderschlaflied erinnert. In dem Moment, in dem Waters‘ Gesang einsetzt, nimmt das Stück zynische Züge an, woraufhin ein wuchtiges Gitarrensolo für einen plötzlichen, fast brutalen Abschluss sorgt. Dieses Stück repräsentiert Pinks (verlorene) kindliche Unschuld und die Zeit, bevor er sich bewusst wurde, was mit seinem Vater geschehen war.
„Another Brick In The Wall, Part. 1“ ist der erste von drei miteinander verbundenen Motiven, die eines der bekanntesten musikalischen Themen der Rock-Geschichte aufbauen. Alle drei werden von einer rebellischen Stimmung begleitet, sie verbindet eine verwandte lyrische Struktur und ein Refrain, während jedes folgende von ihnen immer wütender und wuchtiger klingt. Der erste Teil ist der ruhigste von allen dreien, da er ein subtiles Gitarrensolo, eine sich wiederholende Basslinie und Gilmours relativ sanften Gesang mit gelegentlichen Wutausbrüchen enthält, wenn der Protagonist sich des Todes seines Vaters bewusst wird und anfängt, die Mauer zu bauen. Das Bekannteste, obwohl bei weitem nicht eines der besten Werke der Band-Geschichte, wird durch den theatralischen Einschub „The Happiest Days Of Our Lives“ angekündigt. Das schaurige Geräusch eines Hubschraubers unterbricht das Schreien des Schulleiters, das an das Gebrüll eines Konzentrationslagerkommandanten erinnert. Zur pulsierenden Basslinie gesellt sich nach und nach Rogers zynischer Gesang, der von den traumatischen Erfahrungen des Protagonisten mit tyrannischen Lehrern erzählt.
Nach dem dramatischen Schrei folgt der Übergang zur wohl bekanntesten Rockhymne der Geschichte, „Another Brick In The Wall, Part. 2“, dem Stück, das als ihr größter Hit in die Geschichte einging. Dieses berüchtigte Stück, das Pinks Träumerei über die Möglichkeit darstellt, dass Kinder gegen einen tyrannischen Lehrer rebellieren könnten, prahlt mit einem massiven Schlagzeugklang, einer pulsierenden Basslinie und einzigartigen Gitarreneinlagen. Zur rebellischen Dramatik trägt wesentlich der Kinderchor bei, der Gilmours Gesang aufwertet und den zweiten Vers sowie den Hauptrefrain singt. Den Abschluss versiegelt ordentlich Daves weinendes Gitarrensolo, das im Hintergrund vom hallenden Klang der Orgeln begleitet wird. Zum Zeitpunkt seiner Veröffentlichung war dies eine hervorragende und innovative Schöpfung, doch ihre übermäßige Ausstrahlung im Radio ist schuld daran, dass manch ein Fan der Band heutzutage meint, sie sei im Vergleich zu ihren weniger exponierten kompositorischen Meisterwerken überbewertet.
Nach all dieser rebellischen Dramatik folgt „Mother“ mit seiner ruhigen akustischen Melodie und vokaler Theatralik, obwohl es im weiteren Verlauf mit der Einbeziehung zusätzlicher Instrumente etwas komplexere Dimensionen annimmt. Dies ist ein wichtiger Abschnitt aus Pinks Leben, wenn er seiner übermäßig besitzergreifenden Mutter begegnet, die ihn um jeden Preis in ihrem „Schoß“ halten möchte, auch nachdem er erwachsen ist, und in ihm die Angst schürt, dass er sich zufällig eine Frau suchen und ein selbstständiges Leben führen könnte. Das Herzstück dieses hervorragenden Stücks liegt im Kontrast zwischen Waters‘ Gesang, der in der Rolle von Pink geradezu vor Zynismus trieft, und Gilmours sanftem Gesang, bei dem er die Rolle der besitzergreifenden Mutter ausgezeichnet erfüllt.
„Goodbye Blue Sky“ ist noch ein weiteres Stück voller atmosphärischer Kontraste. Auf die ruhige Einleitung folgt ein dramatischer Wechsel zu einer viel unheilvolleren Stimmung, die durch Gilmours hervorragenden Gesang und eine sanfte Melodie auf der akustischen Gitarre aufrechterhalten wird. An dieser Stelle betrauert Pink seine zerstörte Kindheit und das Leben mit der besitzergreifenden Mutter, woraufhin die Kindheit plötzlich vorbei ist; er wird ein Rockstar und heiratet, womit seine Persönlichkeitstraumata noch längst nicht vorbei sind. „Empty Spaces“ enthält unheilvolle Sounds auf Keyboards und Gitarre sowie fieberhaftes Stimmengemurmel, was Pinks Aufbruch zur Tournee ankündigt. Pink ist auf dieser Etappe ein Rockstar und verheiratet, aber er und seine Frau haben ständig Probleme wegen seiner zunehmenden Distanziertheit. Roger fragt sich in den Lyrics plötzlich, was er benutzen soll, um die Mauer noch fester zu machen. Die Antwort verbirgt sich in Rock-Groupies, was ihm aber keine Befriedigung bringt.
Es folgt das hervorragende „Young Lust“, eine der wuchtigsten Kompositionen ihrer Geschichte, vollgepackt mit zahlreichen hartrockigen Gitarrenphrasen, funkigen Basslinien und dicken Schichten von Hammond. Gilmours wuchtige Gitarren-Finessen und sein ungewöhnlich rauer Gesangsansatz tragen dazu bei, dass dies eines der herausragendsten und qualitativ hochwertigsten Werke des Albums ist. Nach der Erfahrung mit Groupies erfährt Pink am Telefon, dass seine Frau ihn betrügt. Das führt endgültig zu seinem Nervenzusammenbruch. „One Of My Turns“ spiegelt diesen Zusammenbruch sehr gut wider und enthält einen erfolglosen Dialog zwischen Pink und einer zunächst verdutzten, dann immer erschrockener werdenden Groupie, die er in seine Wohnung eingeladen hat. Waters spielt Pinks emotionalen Zusammenbruch und den plötzlichen Gewaltausbruch sehr gut, wenn er nach und nach die Stimme erhebt, in der sich Wut auf die Frau und Selbstmitleid mischen. Dieser Zustand setzt sich auf dem ultratraurigen „Don’t Leave Me Now“ fort, wo Pink bei einer zerbrechlichen Klaviermelodie in der Depression versinkt. Auf die ruhige Einleitung folgt ein Übergang zu einem lebhafteren Abschnitt mit erschütternder Slide-Gitarre. Darauf folgt der dritte, kürzeste Teil von „Another Brick In The Wall“, der dank Rogers wütendem Gesang der aggressivste der drei ist, da der rasende Pink in diesem Moment die Entscheidung trifft, dass er keine Menschen mehr um sich herum in seinem Leben braucht. Der erste Teil schließt mit dem Abschiedsstück „Goodbye Cruel World“, wo Pink bei einer ruhigen Melodie verkündet, dass die Mauer fertiggestellt ist und damit seine Selbst-Isolation von der Außenwelt abgeschlossen ist.
Der zweite Teil des Albums öffnet sich mit „Hey You“, einer der erschütterndsten Kompositionen auf dem Album, bei der eine eisig kalte Melodie auf der akustischen Gitarre und ein emotional entleerter Gesang einen in den Bann ziehen. Die Stimmung erreicht ihren Höhepunkt mit einem hervorragenden Gitarrensolo, das über das zentrale Riff gespielt wird, woraufhin ein Ausbruch in einen dramatischen akustischen Abschnitt folgt. Dieses Stück repräsentiert den Moment, in dem es Pink plötzlich leid tut, alle Kontakte zur Außenwelt abgebrochen zu haben, und er sich verzweifelt wünscht, sie wieder anknüpfen zu können. Seine Rufe werden schließlich von den „Würmern“ abgefangen, einer Gruppe militanter Extremisten, und damit beginnt Pinks schrittweise Verwandlung in einen neonazistischen Diktator. Auf „Is There Anybody Out There?“ versucht er immer noch erfolglos, Kontakt aufzunehmen, was durch verzweifelte Rufe und ein melancholisches Solo auf der akustischen Gitarre veranschaulicht wird.
„Nobody Home“ enthält eine feinfühlige Klaviermelodie und Rogers zynischen Gesang, der Pinks einsames Leben innerhalb der mentalen Mauer anschaulich beschreibt. Neben ihm ist niemand, mit dem er kommunizieren könnte. Er ist nur noch von seinem materiellen Besitz umgeben. „Vera“ stellt einen von Rogers zynischen Höhepunkten dar, da es sich um ein Stück handelt, das von Vera Lynn, einer britischen Sängerin aus der Zeit des 2. Weltkriegs, inspiriert wurde. Diese sang das bekannte Stück „We’ll Meet Again“, in dem sie das Wiedersehen mit Angehörigen nach dem Krieg versprach, was Roger (bzw. Pink) wegen des Todes seines Vaters nie erleben durfte. Waters‘ klagendem Gesang folgen erschütternde Orchesterarrangements. „Bring The Boys Back Home“ ist auf pompösen, militaristischen Klängen aufgebaut, die den Eindruck eines Militärmarsches erwecken, womit Roger den Unsinn des Krieges betonen und vermitteln wollte, dass Krieg oder Karriere Familien niemals entfremden sollten.
Damit ist alles bereit für den großen Höhepunkt des Albums – das phänomenale Epos „Comfortably Numb“, wo Gilmour mit zwei erschütternden Soli wahre Gitarren-Offenbarungen bereitet, bei denen die Gänsehaut spielend leicht ihren Weg über den Körper findet. Meiner Überzeugung nach handelt es sich um einen ernsthaften Kandidaten für das beste Werk in der Geschichte der Band und eine der großartigsten Leistungen der Rock-Geschichte überhaupt. Dieses unvergessliche Kunstwerk war ursprünglich für Daves erstes Soloalbum gedacht, doch zum Glück entschied er sich nach nüchterner Überlegung anders. Der geheimnisvolle Beginn, in dem ein Dialog zwischen Pink und seinem Arzt stattfindet, wird von melancholischen Synthesizerschichten begleitet. Pinks Rolle in den Refrains singt hervorragend Gilmour, während den Doktor der stets zynische Waters „spielt“.
Der Arzt versucht, Pink auf Bitten des Managers mit Beruhigungsmitteln für das Konzert fit zu machen, begleitet von den Schmerzensschreien des Protagonisten und folglich auch mentalen Wahnvorstellungen. Mit der Zeit setzt ein Übergang zu einem atmosphärisch helleren, fast erhebenden Abschnitt ein, wo Gilmours emotional außergewöhnlich eindringlicher Gesang verzaubert, unterstützt von mächtigen Orchestervorhängen und einer angenehmen Melodie auf der akustischen Gitarre. In dem Moment, in dem das erste von Daves unglaublich raffinierten Soli einsetzt, hebt sich die melancholische Stimmung, in der sich dennoch ein Körnchen Hoffnung verbirgt, noch eine Stufe weiter. Daves zweites Solo ist noch erschütternder als das erste und erreicht geradezu atemberaubende atmosphärische Dimensionen. Meiner Meinung nach hat Gilmour auf keiner anderen Komposition ihrer Geschichte so deutlich demonstriert, warum er gleichzeitig zu den besten Gitarristen aller Zeiten und den emotional aufrichtigsten Sängern im Rock gehört. Waters hat zwar das Konzept beigesteuert und den Großteil der Werke geschaffen, doch dafür hat Gilmour die beste Komposition des Albums geschaffen.
„The Show Must Go On“ stellt Pinks innere Zerrissenheit dar, was nach dem Errichten der Mauer zu tun ist: die Isolation fortzusetzen oder zwanghaft zum Konzert aufzubrechen. Am Ende überwiegt Letzteres, was zu Halluzinationen führt. Diese feierliche Komposition hat dank mehrteiliger Vokalharmonien und feinfühliger Klavierarrangements einen stark Queen-haften Stempel, was irgendwie ironisch ist, da letztere 1991 ein Stück mit demselben Namen aufgenommen haben. Auf „In The Flesh“ wird das ursprüngliche Thema vom Beginn des Albums erneuert, wo explosive Orgelausbrüche herrschen. Darauf folgt ein Übergang zu einem ruhigeren Abschnitt, den Chorgesang ankündigt. Auf den zynischen Gesang folgt ein Abschluss mit den Rufen „hammer, hammer“. Die Hämmer stellen das Symbol für Pinks imaginäre neonazistische Partei dar. In diesem Teil des Konzepts beginnt er aufgrund einer drogenbedingten Halluzination, sich selbst in der Rolle eines neonazistischen Diktators zu erleben, der mit seinen Anhängern tun kann, was er will.
Es folgt noch ein weiteres von Gilmours kompositorischen Meisterwerken, „Run Like Hell“, wo besonders seine raffinierten Gitarrenpassagen auf einer pulsierenden Basslinie begeistern, während Wright das einzige Keyboard-Solo auf dem gesamten Album beisteuert. Pink stellt sich hier in der imaginären Rolle des Diktators sein Konzert als rassistische Razzia gegen gefährdete Minderheiten vor, was anschaulich von verschiedenen Geräuschen seiner intoleranten Untertanen und ihrer Opfer begleitet wird. Auf „Waiting For The Worms“ ist seine Transformation in einen rassistischen Anführer abgeschlossen, begleitet von hetzerischen, fast unverständlichen Reden durch ein Megafon, skandierendem Mob und einem marschierenden, militanten Rhythmus. All das wird von einer zynischen lyrischen Ausdrucksweise begleitet. Man muss zugeben, dass Waters für eine wirklich hervorragende Imitation von Oswald Mosley, dem britischen faschistischen Anführer vor dem Zweiten Weltkrieg, sorgt. Die Stimmung des Stücks wird von Sekunde zu Sekunde düsterer, bis sie sich in das unheilvolle Skandieren der „Würmer“, also von Pinks rechtsextremer Partei, verwandelt.
Nach der vollständigen Kakophonie von Klängen, die durch den immer größer werdenden Zorn des faschistischen Anführers verursacht wird, tritt plötzlich ein dramatisches Ende von Pinks rassistischen Wahnvorstellungen ein, was durch einen abrupten Übergang zu „Stop“ veranschaulicht wird, wo er erkennt, in was er sich hineinmanövriert hat, und sich vor sich selbst zu ekeln beginnt. Damit ist alles bereit für das große, äußerst schaurige und erschütternde Finale „The Trial“, wo Pink in seinem Kopf sein eigenes Gericht veranstaltet, indem er sich mit allen Personen konfrontiert, wegen derer er die Mauer gebaut hat. Dieser dramatische Klimax stellt ein interessantes Unikat ihrer Karriere dar, da er Elemente eines Musicals mit Orchestereinlagen und zwischengeschalteten Chorgesängen enthält. Interessant ist die Erkenntnis, dass einige Orchesterarrangements in diesem Stück die Musik in den Filmen des Kultregisseurs Tim Burton maßgeblich beeinflusst haben. Der unbestrittene Star des Stücks ist Waters, der mit seinem theatralischen, manchmal fast grotesken Gesang die Rolle des eingebildeten Richters sowie der Figuren aus Pinks Vergangenheit, wie Schulleiter, Mutter und Ex-Frau, hervorragend spielt. Pinks Selbstverurteilung endet mit den abschließenden dramatischen Forderungen nach dem Einreißen der Mauer.
Auf dem abschließenden „Outside The Wall“ fällt Pinks Mauer schließlich, womit seine Agonie ein Ende hat und die Gelegenheit zur Katharsis entsteht. So endet dieser monumentale konzeptuelle Zyklus auf eine etwas ironische Weise mit derselben angenehmen Melodie, die am Beginn des Albums zu hören war, wobei Pinks weiteres Schicksal der eigenen Interpretation des Einzelnen überlassen bleibt. Die moralische Botschaft des Konzepts könnte lauten, dass sich mit inneren oder äußeren Mauern (von beidem gibt es auch nach dem Fall der Berliner Mauer noch viel zu viele auf der Welt) keine Probleme lösen lassen, sondern nur durch gegenseitige Zusammenarbeit und Vernetzung.
„The Wall“ ist eines jener monumentalen Alben, das sich für immer mit goldenen Lettern in die Geschichte des Rock eingeschrieben hat und dazu beigetragen hat, dass die Legende von Pink Floyd ewig leben wird. Waters‘ Konzept der Selbstentfremdung ist heutzutage aktueller denn je. Über die zahlreichen Qualitäten dieses außergewöhnlichen Albums wurde im Laufe der gesamten Rezension viel gesagt, daher hat es keinen Sinn, weiter Worte zu verlieren, mit denen man eine der größten Errungenschaften der modernen Musikkunst genug loben könnte. Das zeitlose Meisterwerk hat jedoch seinen Tribut in Form des Zerfalls der klassischen Pink Floyd-Besetzung gefordert, die sich zum großen Bedauern der meisten ihrer Fans nach Wrights vorzeitigem Tod nie mehr zusammenfinden wird. Für alle Liebhaber dieses musikalischen und konzeptuellen Kunstwerks ist ein Ansehen des gleichnamigen Films aus dem Jahr 1982 unter der Regie von Alan Parker und mit Bob Geldof in der Hauptrolle ein Muss, obwohl ich überzeugt bin, dass ihn die meisten derer, die sich zu den Fans der Band zählen, schon längst gesehen haben.
Besetzung
Roger Waters – Gesang, Bassgitarre, Koproduzent, Synthesizer, E- und Akustikgitarre, Cover-Gestaltung
David Gilmour – Gitarre, Gesang, Bassgitarre,
Koproduzent, Sequencer, Synthesizer, Clavinet, Perkussion
Richard Wright – Klavier, Orgel, Synthesizer, Clavinet, Basspedal
Nick Mason – Schlagzeug, Perkussion
GASTMUSIKER:
Joe Chemay – Hintergrundgesang
Ron di Blasi – klassische Gitarre auf „Is There Anybody Out There?“
Bob Ezrin – Keyboards
Stan Farber – Hintergrundgesang
Fourth form music class, Islington Green School, London — Chorgesang
James Guthrie – Perkussion, Synthesizer auf „Empty Spaces“ (in Zusammenarbeit mit David Gilmour), Sequencer, Schlagzeug auf „The Happiest Days of Our Lives“ (in Zusammenarbeit mit Nick Mason)
Jim Haas – Hintergrundgesang
Bobbye Hall – Perkussion
Bruce Johnston – Hintergrundgesang
Jon Joyce – Hintergrundgesang
Freddie Mandel – Hammond-Orgel auf „In the Flesh?“ und „In the Flesh“
Frank Marrocco – Konzertina
Bleu Ocean – marschierendes Snare Drum auf „Bring the Boys Back Home“
Jeff Porcaro – Schlagzeug auf „Mother“, marschierendes Snare Drum auf „Bring the Boys Back Home“
Lee Ritenour – Rhythmusgitarre auf „One of My Turns“ und Akustikgitarre auf „Comfortably Numb“
Toni Tennille – Hintergrundgesang
Trevor Veitch – Mandoline
Larry Williams – Klarinette auf „Outside the Wall“
Produktion
Bob Ezrin, David Gilmour, James Guthrie und Roger Waters
Trackliste
CD 1: 38:58
1. In the flesh? (3:17)
2. The thin ice (2:28)
3. Another brick in the wall Part one (3:41)
4. The happiest days of our lives (1:20)
5. Another brick in the wall Part two (3:56)
6. Mother (5:32)
7. Goodbye blue sky (2:48)
8. Empty spaces (5:36)
9. Young lust (2:03)
10. One of my turns (1:33)
11. Don’t leave me now (4:22)
12. Another brick in the wall Part three (1:17)
13. Goodbye cruel world (1:05)
CD 2: 40:43
1. Hey you (4:39)
2. Is there anybody out there! (2:40)
3. Nobody home (3:25)
4. Vera (1:38)
5. Bring the boys back home (0:50)
6. Comfortably numb (6:49)
7. The show must go on (1:36)
8. In the flesh (4:16)
9. Run like hell (4:22)
10. Waiting for the worms (3:56)
11. Stop (0:34)
12. The trial (5:16)
13. Outside the wall (1:42)
