Autor: Peter Podbrežnik
Interpret: Flower Kings, The
Label: Inside Out Records
Veröffentlichung: 2006
Spieldauer: 126:54
Bewertung: 4.5/5
Der arbeitswütige Gitarrenmeister Roine Stolt ist wieder da, und zwar mit seinem modernen Prog-Rock-Monolithen The Flower Kings. Obendrein erneut als Doppelalbum, schon dem vierten bisher, und mit noch einem ambitionierten Konzept im Gepäck, was bei der Band offenbar langsam zur Tradition wird. Diesmal geht es im Konzept um nichts Geringeres als die Frage nach der Existenz der Menschheit samt all ihren Höhenflügen und Irrwegen. Klingt einfach, oder? Auf jeden Fall haben wir es mit einer Truppe extrem ambitionierter Musiker zu tun, die mit ihrem herausragenden Können beim Spielen und beim Komponieren majestätischer, abwechslungsreicher Stücke, meist mit epischen Ausmaßen, immer und immer wieder, von Album zu Album, beweisen, dass symphonischer Prog Rock in der Tradition der besten Bands der 70er auch in diesem Jahrhundert noch lebt. Alle, die die Grundphilosophie von The Flower Kings kennen und ihre Kunst, traditionelle Prog-Rock-Paletten aus vielschichtigen Übergangsmelodien, Wendungen und Haken zu weben, wissen also schon ungefähr, was „Paradox Hotel“ im Kern mitbringt. Die Band hat sich in den letzten Jahren einen Ruf als eine Art positive, „immergrüne Maler“ des modernen symphonischen Prog Rock erarbeitet, die in ihren Kompositionen und Texten die Schönheit der Existenz predigen (im Stil ihrer offensichtlichen Vorbilder Yes). Aber auch das hat seine Schwächen. Als großen Fan des klassischen Progressive Rock, der das Adjektiv „progressiv“ sehr ernst nimmt, hat mich an der Band oft ihre teils übertriebene Fixierung auf den Sound und die Motive legendärer Bands wie Yes, Genesis, Gentle Giant usw. gestört (wenn ich in einem bestimmten Teil einer Komposition ein offensichtlich „geliehenes“ klassisches Motiv erkannt habe). Typisch für ihre Werke war außerdem fast immer eine große Inkonsistenz der Kompositionen (neben den erstklassigen Stücken fand man auf den Alben eine ganze Reihe „ergänzender“ kürzerer Songs, die mehr als offensichtlich nur dazu dienten, das Album auf Länge zu bringen). Deshalb hatte ich oft das Gefühl, es wäre besser gewesen, nur ein einfaches Album zu veröffentlichen, statt mit kürzeren „Füllern“ den Fluss der einzelnen Alben zu unterbrechen. Mit „Paradox Hotel“ haben sie zumindest dieses Problem vorerst offenbar gelöst und endlich ein Album geschaffen, das man von Anfang bis Ende mit Genuss hören kann und auf dem es keine „ergänzenden“, überflüssigen Songs gibt. Das einzige Problem bleibt wie gewohnt die Fixierung der Band auf das Erbe der legendären Prog-Bands der 70er und der gelegentliche Mangel an eigenen Ideen, auch wenn davon diesmal spürbar weniger zu finden ist als auf den früheren Alben. Schon deshalb ist „Paradox Hotel“ ein positiver und ermutigender Schritt für eine Band, die seit Neuestem auch einen zweiten Schlagzeuger hat, denn Zoltan Csörsz wurde durch Marcus Liliequist ersetzt. Auch Daniel Gildenlow (Pain Of Salvation) hat sich aus persönlichen Gründen entschieden, die Zusammenarbeit mit der Band zu beenden.
„Paradox Hotel“ ist, wie die meisten ihrer Werke, tatsächlich kein einfacher Happen für den „Alltagshörer“, der nicht zumindest ein paar Meisterwerke des Progressive Rock durchgehört hat und nicht schon weiß, was ihn bei dieser Musik erwartet. Trotzdem gibt es darauf auch jede Menge kürzere und weniger komplexe, hochmelodische Stücke, die auch diejenigen begeistern können, die zu viel „Kompliziererei“ nicht mögen. Das Album bietet über zwei Stunden gute Musik. Die insgesamt meist „immergrüne“ Stimmung wechselt von Stück zu Stück oft, genauso wie die Strukturen der einzelnen Kompositionen, weshalb die traditionellen Fans der Band mehr als begeistert sein werden. Und die ganze Zeit präsentiert die Band über Texte und Stimmungen der einzelnen Stücke je einen „Ausschnitt“ aus der menschlichen Existenz: von Wendepunkten der Menschheitsgeschichte bis hin zu ganz alltäglichen Lebensproblemen.
Die erste Disc eröffnet das Intro „Check In“, das lediglich eine Aufnahme des NASA-Countdowns ist. Und schon steht direkt ein über 20-minütiges Epos von gigantischen Ausmaßen vor uns: „Monsters & Men“! Nun, die Band hat in der Vergangenheit schon etliche gigantische Epen geschaffen, auch bessere als „Monsters & Men“, und trotzdem ist es wieder ein ganz besonderes epochales Meisterwerk der Band, das so beginnt, wie es sich gehört: großzügig. Mit wechselnden Rhythmen und zahlreichen Übergängen, vor allem aber mit den für die Band typischen erstklassigen melodisch-kosmischen Melodien begeistert die Komposition und verliert von Anfang bis Ende nie den Faden. Auch diesmal begeisterten uns, vor allem in den Instrumentalteilen, die Meister Stolt und Bodin mit ihren herausragenden technischen Fähigkeiten (Stolt war ja schon immer einer der Besten an seinem Instrument). Wer mit solchen epischen Werken keine „böhmischen Dörfer“ verbindet, wird „Monsters & Men“ schon nach ein paar Durchläufen mit Leichtigkeit lieben. Andere brauchen etwas mehr Zeit. Auf jeden Fall ist es ein Stück, das so etwas wie ein „Prüfstein“ ist, an dem sich der Hörer schon in einem Augenblick entscheidet, ob er die „Reise“ fortsetzt oder nicht. Auch wenn es nicht besonders originell ist (der Rhythmus erinnert offensichtlich an den von Yes), ist es trotzdem eine majestätische und begeisternde Komposition, mit der die Band erneut beweist, dass solche Werke auch im 21. Jahrhundert erfolgreich leben. Dabei geht mir ständig eine interessante Theorie durch den Kopf: dass The Flower Kings heute wohl eine der größten Bands im Prog Rock wären, wenn sie rund 35 Jahre früher aufgetaucht wären. Nach der längsten Komposition auf dem Album folgt die kürzeste, „Jelaousy“. Das ist eine völlig gewöhnliche und simple Ballade, die im Kern nichts Besonderes ist. Dafür hat sie ein gutes zentrales Motiv am Klavier. „Hit Me With a Hit“ klingt vom Titel her vielleicht aufgesetzt und stellenweise wegen des Funk-Rhythmus absichtlich leicht aufgesetzt. Der Titel ist aber eigentlich brillant, sobald der Hörer merkt, dass die Botschaft eine Kritik an der Musikindustrie ist. Im Kern ist es ein sehr guter Song mit glänzenden Gitarrenriffs, einem interessanten Funk-Rhythmus und einem tollen Instrumentalübergang, der unter anderem sogar ein Mellotron enthält. Die zentrale Melodie geht absichtlich Richtung Pop und spielt im Mittelteil motivisch absichtlich auf die moderne Musiksauerei an, die die heutige korrupte Musikindustrie profiliert. Der erfahrene Hörer wird hier aber zum ersten Mal auch einige Elemente klassischer Prog-Bands heraushören. „Pioneers of Aviation“ ist nach Bodins kosmischem Intro an den Keyboards ein weiteres gefälliges Stück, im Kern ein klassisches Prog-Rock-Instrumental mit Schwerpunkt auf Stolts E-Gitarre. Bodin am Synthesizer spielt sowohl in der Mitte als auch zum Schluss erstklassige Soli. In diesem Stück kann der Hörer die technischen Fähigkeiten der beiden wichtigsten kreativen Köpfe der Band genießen. Die zentrale Melodie erinnert auffallend an die von „Power of Kindness“ (Flower Power, 1998). Gibt es da vielleicht einen Zusammenhang? Es folgen einige Stücke mit dramatischerer Stimmung. Das düstere, melancholische und geheimnisvolle „Lucy Had A Dream“ ist im Kern psychedelischer Rock, der offensichtlich an das erinnert, was The Beatles Ende der 60er praktizierten (heh, der Name Lucy wurde offensichtlich nicht zufällig gewählt). Eigentlich klingt das Ganze wie eine schwarze Version eines Beatles-Hits. Der instrumentale Schlussteil am Synthesizer und im Rhythmus erinnert an Musik aus irgendeinem Horrorfilm. Dann folgt das finsterste Stück des Albums. Das ist das hinterhältig-bösartige „Bavarian Skies“, in dem Stolt absichtlich durch einen verzerrten Effekt singt (eher rezitiert), um den berüchtigten österreichischen Hetzer-Anstreicher mit Schnurrbart bei seinen Reden nachzuäffen. Die schaurige und groteske Stimmung steigert sich durch das ganze Stück, das mit einem Ambient-Finale endet, in dem man das groteske Blasen der Streicher eines „bayerischen Orchesters“ hört, zu dem sich die schnurrbärtige Menschenbestie auch mit ihrem bissigen „aufviedersehn“ von der Bühne verabschiedet. Von allen Stücken auf dem Album ist dieses mit Abstand das am wenigsten gefällige, aber wenigstens ist es originell. Dafür wird der Hörer gleich im nächsten Moment wohl mit dem Höhepunkt des ersten Albumteils belohnt, mit dem herausragenden Stück „The Selfconsuming Fire“, das einige der besten Elemente der Band enthält, bei denen der Hörer die beklemmende Stimmung des vorherigen Stücks schnell vergisst. Eigentlich ist es eines der schönsten und vollendetsten Werke der Band überhaupt, mit dem sie beweisen, dass sie trotz der Fülle an Retro-Elementen, die in ihren Werken sonst überwiegen, fähig sind, eine wunderbare Komposition mit ganz eigener Seele zu schaffen. Wunderschöne akustische Gitarren, angenehme und majestätische Melodien, glänzendes Fretless-Bass-Spiel, ein Refrain, der im Gedächtnis bleibt, Mellotron der „alten Schule“ und ein toller hardrockiger Klimax über ein Gitarrensolo sind ein Fest nicht nur für den Fan der Band, sondern auch für jeden Liebhaber guten (Prog-)Rocks. Der Text ist trotzdem ziemlich düster. „Mommy Leave The Light On“ hat eine düstere und melancholische Stimmung über ein sterbendes Kind, das sich vor dem Abschied und der Ahnung von Einsamkeit fürchtet. Die Ambient-Keyboards sind erneut hervorragend, während die akustische Gitarre die zentrale Melodie trägt. Den ersten Teil des Albums beschließt die Band erwartungsgemäß auf ihre traditionelle „immergrüne“ (man könnte auch sagen „yes-ige“) Art. „End On A High Note“ ist nämlich ein echtes „Dessert“ und wirklich ein „Abschluss auf einer hohen Note“. Es ist ein überaus schönes, fröhliches und optimistisches Mini-Epos, in dem die traditionell außerordentlich positive Denkweise der Band wieder voll durchbricht. Fröhliche Refrains zu ultramelodischen Keyboards und akustischer Gitarre sowie geschmackvolle Instrumentalteile mit interessanten Soli beenden den ersten Teil des Albums auf bestmögliche Weise.
Die „Retro“-Elemente der Band kommen im zweiten Teil des Albums, also auf der zweiten Disc, stärker zur Geltung. Das heißt nicht, dass sie schlechter als die erste wäre. Es heißt nur, dass sie etwas weniger „progressiv“ ist (zumindest so, wie ich diesen Begriff verstehe). Wie ich schon am Anfang der Rezension erwähnt habe, haben mich genau diese „Retro“-Elemente gestört und oft abgeschreckt, sodass ich der Musik von The Flower Kings (noch) nicht die Anerkennung gegeben habe, die sie vielleicht verdient hätten, denn ich war mir nicht im Klaren, ob sie sich gezielt Elemente der mehrfach erwähnten legendären Bands ausleihen oder ob es einfach zufällige Inspirationen sind und der Eifer der Band, den traditionellen Prog Rock auch in diesem Jahrhundert weiterzuführen und so jüngere Hörergenerationen zu „erleuchten“, die die goldenen Zeiten dieser Musik verpasst haben. Letzteres trägt jedenfalls nicht zur Progressivität der Band selbst bei. Trotzdem haben all diese „zufälligen“ Motive eine moderne Interpretation und ordnen sich dem immer erkennbareren Sound der Band unter, der aber immer noch nicht ganz definiert ist. Trotz dieser „Retro“-Elemente ist die zweite Disc für den „normalen“ Hörer deutlich weniger anspruchsvoll, vielleicht auch, weil sie kein einziges superlanges Epos im Stil von „Monsters & Men“ enthält. Das Intro zu „Minor Giant Steps“ klingt wie eine Art Widmung an Yes, denn es erinnert mehr als offensichtlich an deren Meisterwerk „The Gates Of Delirium“ (Relayer, 1974). Neben Bodins Keyboards zieht vor allem der Sound und die Spielweise von Roines Gitarre klar in Richtung von Steve Howes Stil. Auch der Hauptrefrain und der Schluss, wenn auch weit davon entfernt, eine Nachahmung zu sein, lassen den Geist der guten alten Yes durch das Stück wehen (ehrlich gesagt bezweifle ich, dass Letztere heute noch etwas so Gutes zustande bringen) und das neben Instrumentalteilen, in denen ihre eigenen Ideen stärker zur Geltung kommen. Das langsame „Touch My Heaven“ hat einen guten Refrain und ein göttliches Stolt-Solo im Stil von David Gilmour (Pink Floyd), begleitet von weiblichen Chorstimmen. Offensichtlich ging es auch diesmal nicht ohne mindestens eine „Inspiration“ durch Pink Floyd, aber wenn wir diese Tatsache für einen Moment vergessen, können wir den ansonsten hervorragenden Instrumentalteil genießen. Das glänzende, aber mehr als offensichtliche „Retro“-Instrumental „The Unorthodox Dancing Lesson“ enthält Elemente, die allen Fans und Kennern von King Crimson (Gitarrensoli und Rhythmus) und Gentle Giant (vor allem der Rhythmus, besonders die Percussion) vertraut sind. Das ist, auf gut Deutsch gesagt, eine Mischung aus jenem bekannten schelmischen Rhythmus, der an das Wiegen eines schläfrigen (freundlichen) Riesen erinnert, und einem sägenden schizoiden Solo, das eben deshalb leicht in Richtung „Larks‘ Tongues In Aspic-Part 2“ geht (King Crimson: Larks‘ Tongues In Aspic, 1973). Das ist eine echte Kataklysmus-Nummer, der Gegensatz zu den meisten schönen und sangbaren Stücken, die auf dem Album vorherrschen. „Man Of the World“ ist ein außerordentlich nostalgisches und romantisches Stück mit virtuosen Soli und guten Vocals. Bei „Life Will Kill You“ versucht sich die Band auch im Bereich Rhythm & Blues. Und das überraschend erfolgreich. Der Gesang des zweiten Gitarristen (und Sängers) Hans Froberg ist einer der besten auf dem Album. Ich zweifle kaum daran, dass das (trotz der Länge der Komposition) ein Radiohit sein könnte, wenn die Band kommerziell bekannter wäre. „The Way The Waters Are Moving“ ist eine schöne, aber trotzdem leicht langweilige Ballade über die jüngste Tragödie, die der wütende Tsunami in Südostasien verursacht hat. „What If God Is Alone“ ist mit Leichtigkeit eines der besten Stücke auf dem zweiten Teil des Albums. Es enthält alles Beste, was die Band zu bieten hat: zahlreiche wunderbare melodische Refrains, geschmackvolle Instrumentalpassagen, begeisternde rhythmische Übergänge und einen tollen, intelligenten Text. Wenn ich mir schon den Lieblingssong auf der zweiten Disc aussuchen müsste, wäre das wohl der Titeltrack „Paradox Hotel“, ein für The Flower Kings extrem untypisches Stück. Im Grunde ist es nämlich ein Hardrock-Song mit Funk-Rhythmus, der am ehesten an die neueren Deep Purple erinnert, samt außerordentlich gefälliger Struktur, Hauptrefrain, Übergängen und Soli. Wieder überrascht der sehr gute und kraftvolle Gesang von Froberg (gerade für eine Band, die keineswegs für technisch ausgefeilten Gesang berühmt ist). Das abschließende Mini-Epos „Blue Planet“ serviert dann erneut alle besten musikalischen Elemente der Band: einen wunderbaren Refrain, erstklassige Melodien, zahlreiche gute orchestrale Arrangements und den obligatorischen hervorragenden Schluss. Die ganze Stimmung (und der Text) dieses Stücks klingt wie die endgültige Offenbarung und eine positive Botschaft der Band an alle Bewohner dieses Planeten, ohne unnötiges, oft pathetisches Predigen im Stil von etwa den Amerikanern Spock’s Beard. Auch wenn er vor Retro-Elementen nur so wimmelt, ist der zweite Teil die logische Ergänzung des ersten und bildet so ein hervorragendes Ganzes als Doppelalbum. Zum ersten Mal überhaupt in der Geschichte der Band.
Ich muss zugeben, dass The Flower Kings mich diesmal angenehm überrascht und endlich ein außerordentlich reifes Album geschaffen haben. „Paradox Hotel“ ist sowohl von der Stimmung als auch von der Struktur der Kompositionen her ein ausreichend konsistentes und fließendes (Doppel-)Album, das auf diese Weise in vielem besser ist als alle ihre früheren Werke, einschließlich „Space Revolver“ (2000) und „Unfold The Future“ (2002). Ich übertreibe überhaupt nicht, wenn ich sage, dass das ihr bestes und reifstes Album bis jetzt ist. Die Band hat endlich ein Album geschaffen, auf dem man keine „ergänzenden Songs“ findet, die den Fluss unterbrechen und es verwässern würden, wie es in ihrer Vergangenheit oft der Fall war. Das Album ist auch in Sachen Intensität und Abfolge der einzelnen Stücke ein positiver Fortschritt. Trotzdem würde ich mir von der Band in Zukunft noch etwas mehr Aufmerksamkeit und Fortschritt in Richtung Innovation wünschen, denn solange es in ihren Werken von erkennbaren Motiven klassischer Bands wimmelt (diesmal zwar spürbar weniger), wird die Band (die zweifellos symphonischen Prog Rock von höchster Qualität spielt) es schwer haben, ihren Ruf als ernsthafte progressive Band im wahren Sinne des Wortes „progressiv“ zu rechtfertigen. Klar, die Band hat bewiesen, dass sie mehr als fähig ist, erstklassige Motive hervorragend zu interpretieren, die der Hörer auch als wunderbare Hommage an die Legenden des Prog Rock nehmen kann, aber trotzdem ist gerade die Innovation das Schlüsselelement, das „Progressivität“ definiert. Deshalb bleiben The Flower King auch nach dem Erscheinen von „Paradox Hotel“ auf gewisse Weise eine kontroverse Band, denn sie werden allem Anschein nach noch lange die Fans des Progressive Rock spalten (Verfechter der Innovation gegen Verfechter des Fortbestands des Genres in seinen erkennbaren Bahnen). Trotzdem wird sich ein unbelasteter Hörer an ihrer wunderbaren Musik der „immergrünen“ Melodien nicht so schnell satthören, die im Sommer die größte Wirkung haben, wenn die Sonne hoch über den Wolken steht, die Blumen blühen und die Vögelchen fröhlich zwitschern. Außerdem haben nur wenige heutige Prog-Rock-Bands neben der traditionellen technischen Überlegenheit so viel Intensität und positive Vibes, wie sie die Mitglieder von The Flower Kings in ihre Werke packen. „Paradox Hotel“ ist genau wegen all dem Genannten das beste Album der Band und ein Schritt in die richtige Richtung. Wer die Band nicht kennt, sollte unbedingt mit ihm anfangen.
Besetzung
Roine Stolt – Gesang, Gitarre
Tomas Bodin – Keyboards, Backing Vocals
Hans Froberg – Gesang, Gitarre
Jonas Reingold – Bassgitarre, akustische Gitarre, Backing Vocals
Marcus Liliequist – Schlagzeug, Percussion, Backing Vocals
Hasse Bruniusson – Marimba & Percussion-Arrangements
Produktion
Roine Stolt
Tracklist
CD 1 – Room 111 (64:50)
1. Check In (1:37)
2. Monsters & Men (21:21)
3. Jealousy (3:22)
4. Hit Me With A Hit (5:32)
5. Pioneers Of Aviation (7:49)
6. Lucy Had A Dream (5:28)
7. Bavarian Skies (6:34)
8. Selfconsuming Fire (5:49)
9. Mommy Leave The Light On (4:38)
10. End On A High Note (10:43)
CD 2 – Room 222 (62:04)
1. Minor Giant Steps (12:12)
2. Touch My Heaven (6:08)
3. The Unorthodox Dancing Lesson (5:24)
4. Man Of The World (5:55)
5. Life Will Kill You (7:03)
6. The Way The Waters Are Moving (3:12)
7. What If God Is Alone (6:58)
8. Paradox Hotel (6:29)
9. Blue Planet (9:42)
