Autor: Peter Podbrežnik
Künstler: Gabriel, Peter
Label: Virgin Records
Veröffentlichung: 2002
Laufzeit: 66:40
Wertung: 5/5
In der Geschichte so gut wie jedes Musikers kommt ein Moment in der Karriere, in dem für eine bestimmte oder längere Zeit eine kreative Krise eintritt, doch nicht im Fall des legendären englischen Sängers, Songwriters, Produzenten und Progressive-Rock-Ikone Peter Gabriel. Der mit allen Wassern gewaschene Künstler, der in seiner unglaublich fruchtbaren Karriere mindestens zweimal die Horizonte der zeitgenössischen experimentellen und populären Musik neu definiert hat, hat sich dieser Art von kreativer Stagnation stets geschickt entzogen. Auch dadurch, dass er sich vor den Aufnahmen jedes neuen Projekts eine gehörige Menge Zeit für die Entwicklung neuer Ideen genommen hat. So vergingen zwischen seinem vorherigen Studio-Meisterwerk „Us“ (1992) und „Up“ fast zehn Jahre, was viele Anhänger schon praktisch an den Rand ihrer Geduld gebracht hatte, besonders nachdem die ursprünglich für 1998 geplante Veröffentlichung auf 2002 verschoben worden war. Ihre immer kürzer werdende Geduld wurde am Ende jedoch reichlich belohnt mit einem der besten Werke in Peters Karriere, was bedeutet, dass der Progressive-Rock-Gigant und Mäzen vielfältiger musikalischer Innovationen auf „Up“ sich selbst erneut übertroffen hat.
Der Titel des Albums blieb von Anfang der Aufnahmen an gleich wie bei der Veröffentlichung, obwohl Peter zwischenzeitlich daran gedacht hatte, ihn „I/O“ zu nennen (diese Option bleibt offen für den Titel seines nächsten Studioalbums). „Up“ ist in klassischer Peter-Gabriel-Tradition ein intelligent und subtil strukturiertes Collage atemberaubender klanglicher Vielfalt und brillanter Produktion, auf dem es nie an der eigentümlichen Ambient-Magie mangelt, die den Hörer mühelos jenseits der gewöhnlichen, physisch greifbaren Horizonte entführt. Für diese Vollkommenheit sorgte eine Armee hochtalentierter musikalischer Mitarbeiter aus aller Welt, unter denen man vor allem Peters drei engste Favoriten hervorheben muss: den Bass- und Chapman-Stick-Zauberer Tony Levin (zugleich langjähriges Mitglied von King Crimson), den einzigen Musiker auf dem Album, der von Anfang seiner Solokarriere an dabei war, den langjährigen Gitarrenmeister David Rhodes und Schlagzeuger Manu Katche, der in seinem Ansatz stets ein reiches Maß an rhythmischen Finessen aus der Welt der Ethno-Musik gepflegt hat. Diese haben in Peters klanglichem Vokabular oft eine wichtige Rolle gespielt, und so ist es auch auf „Up“, wenn auch in deutlich geringerem Maße als auf den beiden vorherigen Studiowerken.
Der alte Fuchs hat sich neben seinen üblichen Gesangs- und Klavierpflichten auch diesmal mit zahlreichen verschiedenen, vor allem elektronisch gefärbten Hilfsmitteln vergnügt, daher lässt sich auf einzelnen Stücken eine bunte Palette computergenerierter Klangmuster finden, während er auch auf dem Gebiet der Keyboards nicht an dem koordinierten Einsatz von Tasteninstrumenten, allen voran dem Mellotron, gespart hat. Darüber hinaus ist „Up“ mit seinen koordinierten Ausbrüchen verzerrter Gitarrenphrasen und einigen fast aggressiven, halbtonigen Klangmustern auf einzelnen Stücken das bei weitem härteste Werk in Peters kreativem Schaffen, was einmal mehr Beweis seiner unglaublichen Vielseitigkeit und Zeugnis von seinem beständigen Drang ist, etwas Neues auszuprobieren. Was für die meisten von Peters Fans am wichtigsten ist, ist die schlichte Tatsache, dass seine Stimme mit den Jahren unberührt bleibt oder sogar noch an emotionaler Tiefe gewonnen hat – und das, obwohl er sich zumindest äußerlich in Rekordzeit in einen silberbärtigen und schütterköpfigen Opa verwandelt hat. Sein Gesang ist daher nach wie vor eine eigentümliche, aus den Tiefen von Herz und Seele gespeiste Mischung aus Wärme, Spott und Melancholie, mit der es ihm nicht schwerfällt, einige grundlegende spirituelle Bedürfnisse des Hörers zu berühren.
Peters Lyrik ist aufgrund ihrer allgemeinen Lebendigkeit und der Kraft einzelner Botschaften wieder eine Klasse für sich und hat mit den Jahren nur noch an Reife gewonnen. Die meisten Texte drehen sich um transzendentale Themen wie Geburt, Aufwachsen und Tod, zwischendurch stößt man aber auch auf sorgfältig dosierte Beispiele sympathisch stichelnder Gesellschaftssatire, wie etwa auf der ersten Single des Albums, „The Barry Williams Show“, auf der Peter eine gnadenlose Parodie auf Kosten der widerwärtigen amerikanischen Reality-Talkshows im Stil von Jerry Springer losgelassen hat.
Das Album glänzt durch und durch, daher ist es unmöglich, seine glänzendsten Momente herauszupicken. Schon die Eröffnung mit dem düsteren „Darkness“, wo den Hörer nach einer stillen Einleitung donnernde Dosen halbtoniger Gitarrenphrasen durchsieben, Levins bedrohlich groovende Bassline und sorgfältig komprimierte Klangmuster, ist so brillant konzipiert, dass sie Gänsehaut erzeugen kann, selbst nach unzähligen Durchläufen. Peter manövriert geschickt zwischen aggressiven Momenten, in denen er den Vocoder einsetzt, und klarem Gesang, wo er sich eine zarte Klavierbegleitung als Grundlage wählt, und baut so allmählich eine vielfältige Atmosphäre auf. Diese wandelt sich unglaublich geschickt von dunklen Tönen in hellere Farbnuancen, was mit dem Text korrespondiert, der vom inneren Kampf des Einzelnen mit seinen tiefsten persönlichen Ängsten handelt.
Es folgt das wohl bekannteste Stück auf dem Album, das brillante „Growing Up“, das auch als Single erschien. Letzteres präsentiert Peter, vor allem durch die unglaublich intelligent arrangierten Schichten funk-artiger Klangmuster, erneut von einer völlig anderen kompositorischen Seite. Elektronisch unterlegte Rhythmusmuster und satte Mellotron-Wellen unterstützen die hypnotische Melodie, für die Peters atemberaubend emotionale Gesangsdarbietung unverzichtbar sorgt. Hier reichen sich alte Tricks (Mellotron) und moderne Finessen (groovende elektronische Muster) erfolgreich die Hand, was den Meister erneut in der Rolle eines Künstlers zeigt, der jeden Zeitgeisttest übersteht. Der Text handelt vom Beginn des Lebens, vom ersten Herzschlag im Mutterleib. Das transzendentale „Sky Blue“ ist ein guter Kandidat für das atmosphärisch schönste Stück des Albums, da es sich durch eine emotional unglaublich aufwärtstragende Mischung aus Klangvorhängen und reichen Vokalharmonien auszeichnet. Darauf hat Peter mehr als erfolgreich die Kräfte mit der berühmten amerikanischen Gospel-Band Blind Boys of Alabama vereint, sowie mit seinem Landsmann, dem legendären Blues-Rock-Gitarristen Peter Green, der für zahlreiche ergreifende Momente auf der Slide-Gitarre gesorgt hat. Nach Peters Angaben hat er an dieser Komposition ganze zehn Jahre gearbeitet. Am Ende schuf er eines seiner atmosphärisch stärksten Werke, auf dem sein Gesang zusammen mit den Begleitharmonien der Blind Boys und Greens Gitarren-Slides herzzerreißende Magie erzeugt.
„No Way Out“ ist der erste lyrische Moment auf dem Album, in dem Peter sich mit dem Thema des Todes auseinandersetzt, einem der zwei durchgehend verbundenen Themen des Albums. Das Grundmotiv entsteht durch die Verbindung einer witzigen Gitarrenphrase und einer bunten Mischung aus Ethno-Perkussion. Um diesen Entwurf herum baut Peter mit Klavier und exzellentem Gesang erfolgreich eine mächtige Melodie, mit der er die einleitende, geheimnisvolle Atmosphäre überbrückt und sie mit einem Klimax im Refrain in hellere Töne umlenkt. „I Grieve“, auf dem Peter im Text erneut mit dem Tod „spricht“, stellt eine völlig neue Stufe kompositorischer und emotionaler Reife dar, mit einem großen Maß an Ambient-Sensibilität. Mit seiner gewohnten Gesangsmagie beschwört er erneut die echtesten Emotionen herauf, die Inbegriff der Essenz des Mannes sind, und untermauert diese erstklassige Gesangsdarbietung mit mächtigen Synthesizervorhängen im Hintergrund. Für eine völlig unerwartete, überaus witzige Wendung sorgt eine Violinimprovisation des legendären L. Shankar, mit der die Komposition in völlig andere, stärker ethno-gefärbte Gewässer einschwimmt.
Den witzigsten Moment des Albums stellt zweifellos die bereits erwähnte Gesellschaftssatire „The Barry Williams Show“ dar, auf der er mit den bescheuerten Reality-Talkshows abrechnet. Der Text ist so brillant-grotesk-amüsant, dass man ihn auch unter Peters musikalischen Zeitgenossen heute vergeblich suchen würde. Ohne jeden Anflug von Gnade legt er einige weniger erfreuliche Seiten unserer hochzivilisierten und demokratischen Gesellschaft bloß. Die Struktur des Stücks ist ausgesprochen simpel, da es auf einem fast R’n’B-mäßigen Rhythmuspuls aufbaut, während ein raffinierter Trompeteneinsatz unter der Regie von Christian Le Chevretel für einen eleganten, jazzigen Hauch sorgt. Für den Klimax des Stücks ist ein geradezu frecher Refrain verantwortlich, an dem es nicht an Sarkasmus mangelt, während ein feinsinniger Mellotron-Einsatz innerhalb einzelner Instrumentalabschnitte für dramatische Steigerung und harmonischen Kontrast zwischen den Arrangements sorgt. Etwas so unterhaltsam-Satirisches, das ironischerweise gleichzeitig auch Hit-Potenzial haben könnte, kann heutzutage nur noch aus den Händen eines Meisters wie Gabriel kommen.
Die sentimentale Ballade „My Heads Sounds Like That“, die über ihre Klavierarrangements eine gewisse Verwandtschaft mit John Lennons legendärem Klassiker „Imagine“ aufweist, strahlt eine unglaubliche Ausdruckskraft aus und zeigt Peter erneut in der Rolle eines erstklassigen Erkunders mancher komplexerer Winkel der menschlichen Seele. Die zauberhafte Begleitung orchestraler Arrangements wird kurzzeitig von einem aggressiven Abschnitt auf Basis elektronischer Muster unterbrochen, woraufhin jene sinfonische Grandiosität zurückkehrt, der Peter schon praktisch seit den Anfängen seines musikalischen Weges verpflichtet war (noch in der Zeit mit Genesis). Das fantastische „More Than This“, eine weitere Single-Auskopplung, ist eine der temperamentvollsten Kreationen auf dem Album, mit einer entschlossenen Gitarrenphrase und aufgewühlten rhythmischen Mäandern. Gleichzeitig enthält es einen bedeutsamen Text, in dem Peter sich fragt, ob es im Leben nicht zufällig etwas Wichtigeres gibt als das gewöhnliche Hetzen von Moment zu Moment. Dieser verkannte Hit glänzt mit einem mächtigen, aufwärtsziehenden Refrain mit zahlreichen Vokalharmonien, während engagierte Basslinien sowie elegante Keyboard-Arrangements das Ihre zur außergewöhnlichen Atmosphäre beitragen.
Das brillante „Signal to Noise“ stellt den nächsten großartigen Meilenstein in Peters unaufhörlichem Experimentieren mit vielfältigen klanglichen Horizonten dar. Eine besondere Herausforderung war für ihn der Einbau der fantastischen Gesangsdarbietung des legendären pakistanischen Sängers Nusrat Fateh Ali Khan, eines bedeutenden Musikers auf dem Gebiet der devotionalen Musik der Sufis (der mystischen Tradition innerhalb des Islam), da der erwähnte Künstler zum Zeitpunkt der Albumaufnahmen bereits verstorben war. Um den gelungenen Beitrag des bereits verstorbenen Gastsängers zu ermöglichen, musste er einige alte Konzertaufnahmen und eine frühe Version des gleichnamigen Stücks aus dem Jahr 1996 zusammenführen. Die Atmosphäre innerhalb der Komposition ist außergewöhnlich, fast vollständig transzendental, wofür die einzigartige Kombination aus Ali Khans energischem Gesang (manche würden auch sagen: Schreien), der mystischen orientalischen Charme einbringt, und Peters melancholischem Gesang auf aufgewühlten Mellotron-Wellen sorgt.
Im Hintergrund ist auch der Einsatz raffinierter elektronischer Klangmuster zu hören, die den Sound eines unheimlichen Lachens erzeugen, als würde ein freches dämonisches Wesen lachen. Die dramatische Atmosphäre steigt durch mächtige Sinfonik dem Siedepunkt entgegen, woraufhin ein Übergang in einen herzzerreißenden, außergewöhnlich melancholischen und fast vollständig orchestralen Abschnitt folgt. Ohne Zweifel einer der besten Momente in Peters gesamter Karriere. Nach all dieser Dramatik erscheint es irgendwie passend, dass das Album mit der ruhigen Ballade „The Drop“ schließt, auf der Peter allein hinter seinem Klavier sitzt und durch eine zarte, fast zerbrechliche Melodie die letzten Gedanken über die Vergänglichkeit des menschlichen Lebens ausspricht, die ihm auf der Seele lagen.
Mit „Up“ hat der legendäre Progressive-Rock-Künstler sich selbst erneut übertroffen und ein weiteres zeitloses Meisterwerk geschaffen, angesichts dessen viele Anhänger seines musikalischen Erbes nur hilflos erröten und stumme Zeugen der Tatsache bleiben, dass der Meister in seinem klanglichen Abenteuer weiterhin die Schüler überflügelt. An den Fingern einer Hand ließe sich abzählen, wie viele Musiker und Komponisten von Peters Kaliber es mit jedem neuen Album so erfolgreich schaffen würden, ihren Sound neu zu definieren und dabei ihrem eigenen kompositorischen Erbe treu zu bleiben – auch wenn zwischen jedem neuen Album eine beträchtliche Anzahl von Jahren vergeht. Einen solchen Preis lohnt es sich jedoch angesichts des Meisters Besessenheit von klanglicher und produktionstechnischer Perfektion und der Tatsache, dass er in jedes seiner Werke jeden Fetzen von Herz und Seele steckt, zweifellos zu zahlen.
Besetzung
Peter Gabriel – Gesang, Klavier, Keyboards
Tony Levin – Bass
David Rhodes – Gitarre, Hintergrundgesang
Manu Katche – Schlagzeug
Dave Power – Schlagzeug
Mahut Dominique – Perkussion
Ged Lynch – Perkussion, Schlagzeug
Richard Chappell – Perkussion
Daniel Lanois – Perkussion, Gitarre
Peter Green – Gitarre
David Sancious – Hammond-Orgel
Melanie Gabriel – Hintergrundgesang
The Blind Boys of Alabama – Hintergrundvokale
Steve Gadd – Schlagzeug
Dominic Greensmith – Schlagzeug
Hassan Ramzy – Tabla
Danny Thompson – Kontrabass
Will White – Perkussion
Stephen Hague – Perkussion
Richard Evans – Akustikgitarre
Shankar – Doppelvioline
Christian Le Chevretel – Trompete
und viele andere…
Produktion
Peter Gabriel
Trackliste
1. Darkness
2. Growing Up
3. Sky Blue
4. No Way Out
5. I Grieve
6. The Barry Williams Show
7. My Head Sounds Like That
8. More Than This
9. Signal To Noise
10. The Drop
