Label: EMI Records
Erscheinungsdatum: 29. 6. 1968
Produktion: Norman Smith
Albumlänge: 39.42 min
Genre: Psychadelic Rock/Space Rock/Progressive Rock
Wertung: 8.0/10
„A Saucerful Of Secrets“ ist das zweite Studioalbum von Pink Floyd – ohne Zweifel der erste Name der britischen Psychedelic-Rock-Szene und einer der führenden Pioniere des aufkeimenden Progressive Rock. Ihr Vorgänger „The Piper At The Gates Of Dawn“ (1967), heute ein Kultalbum des psychedelischen und frühen Progressive Rock, hatte sie zu den auffälligsten Rockstars der psychedelischen 60er katapultiert. Wegen ihrer berühmten „Weltraum“-Audio-Visual-Auftritte haftete der Band praktisch von Anfang an eine besondere Aura an, als kämen sie von einem anderen Planeten. Der ganze Medienrummel nach den ersten Singles und dem Debüt hatte langfristig negative Folgen für Gitarrist, Sänger und Hauptautor von Musik und Texten Syd Barrett. Der begann sich damals immer mehr von der Band zu entfremden und sich in einer ganz eigenen Welt einzuigeln, was sich oft in seinem übermäßigen Konsum psychoaktiver Substanzen zeigte, allen voran LSD. Dazu kamen seine ohnehin vorhandene Neigung zur Schizophrenie und seine blühende Fantasie, was für seine Musikkarriere verheerende Folgen hatte. „A Saucefrul Of Secrets“ war sein letztes Album mit Pink Floyd, und wie schon seinen Vorgänger umgibt auch dieses ein ganz spezifischer Mystizismus, der mit der Figur und dem Schaffen dieses unglücklichen Musikers verbunden ist – von dem viele sagen, er sei eines der größten, wenn nicht das größte Rohtalent in der Geschichte der Rockmusik gewesen.
Barretts mentaler Zustand wurde von Tag zu Tag schlechter. Bei Auftritten spielte er oft irgendwas völlig Beliebiges, das mit dem Kontext des Songs nichts zu tun hatte, stimmte während des ganzen Sets seine Gitarre oder starrte einfach ins Leere, ohne den Mund aufzumachen oder die Saiten zu berühren. Sein Verhalten, auf der Bühne wie abseits davon, wurde für die übrigen Bandmitglieder zum echten Albtraum. Trotzdem wollten sie ihn anfangs unbedingt halten, weil sie fürchteten, mit seinem Abgang ihre klangliche und lyrische Identität zu verlieren. Wenn er schon live nicht mehr auftreten konnte, wollten sie im Studio wenigstens seine einzigartige Poesie, seinen Gesang und sein Gitarrenspiel bewahren. Deshalb holten sie David Gilmour in die Band, einen alten Bekannten und Syds Schulfreund aus Gymnasialzeiten, der damals einen ähnlichen Gitarrenstil wie Barrett hatte und ursprünglich als Sydes Ersatz an Gitarre und Gesang bei den Konzerten gedacht war. Die fünfköpfige Besetzung von Pink Floyd hielt leider nicht lange, denn Syd war nach einer Handvoll gemeinsamer Kompositionen, die sich größtenteils auf diesem Album finden, auch im Studio nicht mehr bei der Sache und „schwebte“ endgültig in seine eigene Welt davon. Sein letzter veröffentlichter Song als Bandmitglied war „Vegetable Man“, den die anderen wegen des zu autobiografischen Charakters der Lyrics nicht aufs Album nahmen. Für viele Anhänger war Syds Abschied eine Tragödie ohnegleichen, und sie zählten schon die Tage bis zum Untergang der Band. Gilmour erwies sich aber am Ende als weit mehr als nur Syds Ersatz an Gitarre und Gesang. Mit seiner speziellen Stimme und seinem Gitarrenspiel, vor allem mit seinen berühmten lang gezogenen, „weinenden“ Soli, wurde er schnell zu einer der tragenden Säulen der Band und etablierte sich mit der Zeit als gleichwertiger Partner seines späteren großen „Freundes“, des Bassisten und Sängers Roger Waters, beim Songwriting.
Mit Ausnahme des abschließenden „Jugband Blues“, der einzigen Solokomposition Barretts auf dem Album, teilen sich bei allen anderen Stücken Waters, Gilmour und Keyboarder Rick Wright den Leadgesang. Für Wright war es das einzige Album der Bandgeschichte, auf dem er als Sänger dominierte, immerhin sang er hier bei ganzen vier Stücken. Die drei Herren teilten sich auch die Rolle der Hauptkomponisten. Während Waters, der sich als zentraler Texter etablierte, sich schon damals eher anspruchsvolleren, oft gesellschaftskritischen Themen widmete, hielten sich Gilmour und Wright an einfachere Texte. Was den Sound angeht, zählt dieses Album zu ihren experimentellsten (und das nicht nur aus der psychedelischen Phase), denn man findet darauf zahlreiche Avantgarde-Klänge – von der ungewöhnlichen Verwendung der Percussion über besondere Gitarreneffekte bis hin zum Rauschen von Oszillatoren. Die Kompositionen sind gut ausbalanciert: Auf jedes längere, experimentelle und komplexe Stück mit seinen Avantgarde-Sounds folgt ein kürzeres, kompositorisch weniger anspruchsvolles Werk mit einfacherer Struktur und halbwegs zugänglicher Melodie. Obwohl die Texte keine Science-Fiction-Referenzen enthielten, ist die Stimmung mancher Stücke ziemlich esoterisch und hypnotisch. Die kann Hörer schnell in einen tranceartigen Zustand versetzen. Manche Medien erfanden kurz nach Erscheinen genau dank dieses Albums, vor allem wegen „Set The Controls For The Heart Of The Sun“, den Begriff Space Rock, der sich später für alle Bands durchsetzte, die in ihre Werke längere instrumentale Jams, ungewöhnliche Avantgarde-Sounds und eine farbenprächtige Keyboard-Palette einbauten und so die Stimmung einer Reise durchs All erzeugten.
Die Reise zu den „fernen Galaxien“ beginnt mit „Let There Be More Light“, bei dem sich Wright, Waters und Gilmour am Gesang abwechseln. Das Stück wird geheimnisvoll von Waters‘ knarrender Basslinie eröffnet, in die aus anfänglicher Ferne mächtig eine dröhnende Schicht von Wrights Orgel in den Vordergrund einbricht, gefolgt von rhythmischer Steigerung. Wright übernimmt hier den Leadgesang, während Waters mit seinem Kreischen den Begleitsänger gibt. Mehrstimmige Gesangsharmonien in Kombination mit obskuren Klängen, Orgel und Gitarrenriff sorgen für eine ziemlich düstere Stimmung. Am Ende des letzten Abschnitts des Stücks packt Gilmour sein erstes Solo als frischgebackenes Pink-Floyd-Mitglied aus. Es wird durch verzerrte Effekte gejagt. Waters‘ Text ist ein sarkastisches Gleichnis auf die psychedelische Musikszene der 60er und auf die Band als zentrale britische Ikone dieser Musikepoche.
„Remember a Day“, eine ruhige psychedelische Ballade mit Folk-Elementen, bei der Rick Wright als Leadsänger glänzt, ruht auf einer schönen Melodie, getragen von weichen Klavierarrangements, melodischem Bass und soliden Slide-Gitarren-Passagen, die niemand Geringerer als Syd eingespielt hat. Der spielt auch ein kurzes Solo. Dazwischen sind ständig obskure Klänge zu hören, die die psychedelische Stimmung noch verstärken. Sowohl die Stimmung als auch der Text zeichnen ein idyllisches Bild kindlicher Unschuld, was für die meisten Werke Barretts ziemlich typisch war. Ein schlichter, angenehmer Song, der einen guten Kontrast zur sonst düsteren Atmosphäre bildet, die auf dem Album vorherrscht.
„Set The Controls For The Heart Of The Sun“ ist ein längeres, stark experimentelles Stück, das sich über die Jahre Kultstatus als eines der ersten Beispiele des sogenannten Space Rock erarbeitet hat und das von allen Songs dieses Albums am längsten und am häufigsten live gespielt wurde. Es dominiert eine ziemlich obskure, düstere Stimmung mit zahlreichen psychedelischen Effekten, vor allem auf Masons Percussion und Drums. Im Verlauf wiederholt sich ein hypnotisches Gitarrenriff von Gilmour, das zusammen mit psychedelischen Keyboard- und Beckenklängen eine ausgeprägt orientalische Stimmung erzeugt, wie sie im Psychedelic Rock generell beliebt war. Geflüsterter Gesang verstärkt die geheimnisvolle Atmosphäre des Stücks. Berühmt ist der Song auch dafür, dass er als einziger sowohl Barretts als auch Gilmours Beitrag enthält, obwohl die beiden nicht gleichzeitig daran mitgewirkt haben. Gilmour spielte nach Barretts Abgang nämlich die Gitarrenlinien neu ein und nahm sie über Syds auf. Ob das nun die Hauptabsicht war oder nicht: Pink Floyd ist es mit diesem Stück gelungen, die echte Stimmung eines Raumflugs ins Unbekannte zu erzeugen.
Das unterhaltsame „Corporal Clegg“ würde ich als schönes Exemplar des guten alten britischen schwarzen Humors bezeichnen, außerdem als Waters‘ ersten lyrischen Beitrag zum Thema Krieg, von dem er in seinen letzten Jahren mit der Band völlig besessen sein sollte. Der Song gehört zu ihren ohnehin sehr seltenen komischen Stücken, auch wenn er einen unverhohlenen Hauch düsteren Sarkasmus über die Schrecken des Krieges und deren gesellschaftliche Folgen enthält. Die Rolle des Leadsängers und Gitarristen übernimmt diesmal hervorragend Gilmour, der sich auch an einem traditionellen Clownsinstrument versuchte – dem Kazoo, dem er außergewöhnlich schräge Töne entlockt. Die erinnern an das Spiel einer Blaskapelle, wie sie meist Militärmärsche begleitet. Eine exzellente psychedelische Melodie auf den Keyboards und ein Wah-Wah-Effekt auf der Gitarre bringen einen subtilen Kontrast in den burlesken Charakter des Stücks. Im Ausklang hört man auch Geräusche, die an militärischen Drill erinnern. In einigen Strophen steuert auch Mason Gesang bei. Waters‘ sarkastischer Text erzählt die Geschichte eines senilen Soldaten mit Holzbein, der immer noch von ruhmreichen Schlachten von früher fantasiert, und seiner alkoholabhängigen Frau.
Das Titelstück „A Saucerful Of Secrets“, ein Instrumental, mit über elf Minuten das längste und komplexeste Werk des Albums, ist in mehrere Abschnitte gegliedert. Dieser Song ist die wahre Inkarnation des frühen avantgardistischen Experimentierens in der Rockmusik, mit vielen schrägen Sounds, vor allem der ungewöhnlichen Verwendung von Percussion und dissonanten Keyboard-Effekten. Auch der Einfluss von Frank Zappa auf die damalige psychedelische Szene ist hier zu spüren. Der Eröffnungsabschnitt beginnt mit Masons Beckenarbeit und der gruseligen Atmosphäre von Keyboard-Effekten. Danach folgt ein Abschnitt, in dem Drums und schräge Klavierpassagen mit ausufernd eingesetzten verrückten Effekten die gruselige Stimmung vorgeben. Darauf folgt ein etwas „gefassterer“, aber ebenso unheimlicher Abschnitt, in dem der dramatische Klang von Kirchenorgeln dominiert. Wenn sich in deren Klang dann noch „engelhafte“ Chorharmonien und das Mellotron mischen, wird die Stimmung ungemein erhaben. Damit ist der Höhepunkt und der Abschluss des Stücks erreicht. Laut Waters sollte das Stück die Stimmung einer Schlacht erzeugen, was meiner Meinung nach ziemlich gut gelingt. Mich persönlich erinnert es wegen der gruseligen Stimmung, des Mellotron-Sounds und der gelungenen Nachbildung von Kriegsschrecken ein wenig an den King-Crimson-Klassiker „Devil’s Traingle“ von „In The Wake Of Poseidon“ (1970), obwohl der noch deutlich düsterer ist.
„See-Saw“ ist eine weitere ziemlich ruhige und romantische Komposition von Wright, bei der er erneut den Leadgesang übernimmt. Wright zeigt sich hier nicht nur als sehr solider Sänger, sondern auch als Schöpfer überaus geschmackvoller und melodischer sinfonischer Arrangements. In seinem Keyboard-Arsenal wechseln sich stimmig und schön ständig feinfühlige Schichten aus Orgel, Klavier, Mellotron und Vibraphon ab. Die zusätzlichen Gesangsharmonien sind exzellent und erzeugen in Kombination mit den sinfonischen Arrangements und der Gitarre eine unvergessliche romantische Stimmung. Von der Struktur her ähnelt diese exzellente Komposition „Remember a Day“ ziemlich stark, auch wenn ihre Stimmung merklich düsterer ist.
Den Abschluss des Albums bildet der äußerst symbolistische und ungewöhnlich aufgebaute „Jugband Blues“, der auf gewisse Weise Syds Abschiedssong und seine einzige Soloarbeit auf dem Album ist. Im Kern ist es psychedelischer Folk Rock, einigen Stücken ihres Debüts ziemlich ähnlich. Syds Gesang spiegelt völlige emotionale Resignation und Abwesenheit wider. Nebenbei spielt er eine einfache Melodie auf der Akustikgitarre. Die witzigen Bläserarrangements auf Tuba und Posaune stammen von Waters und Wright höchstpersönlich. Im Schlussteil, nach einer Unterbrechung, melden sich für eine weitere Strophe noch einmal Syds Gesang und Akustikgitarre. Ein trauriger Abschied, den auch einige extrem persönliche Verse widerspiegeln, in denen er seine Entfremdung von der Band und von der „normalen“ Gesellschaft im Allgemeinen ausdrückt.
„A Saucerful Of Secrets“, das einzige Album der Bandgeschichte, das von fünf Mitgliedern aufgenommen wurde, war eines der ersten Progressive-Rock-Alben und zählt als solches zu den Klassikern der 60er, auch wenn ich es persönlich nicht unter ihre besten Werke einreihen würde. Es war zwar ein ausgezeichnetes Beispiel für ihre experimentelle Übergangsphase, ausgelöst durch Syds Abgang, in der sie versuchten, ihren Sound neu zu definieren, mit zahlreichen Avantgarde-Klängen, psychedelisch gefärbten sinfonischen Arrangements und anderen klanglichen Verrücktheiten. Im Vergleich zu den späteren, viel subtileren Alben, die sie unsterblich machten, klingt es aber ziemlich obskur, um nicht zu sagen „lausbubenhaft“. Obwohl ich Fan bestimmter Spielarten des avantgardistischen Progressive Rock bin, allen voran Zappa, finde ich, dass Pink Floyd mit dem Einsatz solcher Elemente ihr Potenzial nie so ausschöpfen konnten wie später, als sie ihre Form von Psychedelic und Space Rock mit Sinfonik und stärker strukturierten Werken mit einem roten Faden weiter ausbauten und verfeinerten. Trotz seiner unbestreitbaren Innovation im Progressive Rock würde ich es schwerlich als Meisterwerk der Band bezeichnen, es ist aber unbestritten eines der wichtigsten Alben seiner Zeit, das dem Publikum erstmals das musikalische Talent von David Gilmour vorstellte. In der Heimat Großbritannien verkaufte es sich recht erfolgreich, in den USA dagegen erlebte es ein ziemliches Debakel, denn es gilt als ihr einziges Album, das es nicht in die amerikanischen Top 100 geschafft hat. Mit diesem Album begannen Pink Floyd, nach einer neuen klanglichen Richtung zu suchen, und versuchten, die Folgen zu flicken, die der Abschied ihres tragischen, unvollendeten Musikgenies verursacht hatte, der sich nach seinem Abgang kurz einer Solokarriere zuwandte. Während Syds Solokarriere nach zwei Veröffentlichungen jäh unterging und er in völlige Obskurität verfiel, wurden Pink Floyd mit jedem weiteren Album besser darin, längere, erhabene Kompositionen zu schreiben und ihren eigenen, weithin erkennbaren Sound zu entwickeln, der sie für immer unter die größten Legenden der Rockmusik einschrieb.
Autor: Peter „Dr. ProgRock“ Podbrežnik
Tracklist:
1. Let there be more light (5:38)
2. Remember a day (4:33)
3. Set the controls for the heart of the sun (5:28)
4. Corporal Clegg (4:12)
5. A saucerful of secrets (11:57)
6. See-saw (4:36)
7. Jugband blues (2:59)
Besetzung:
Syd Barrett – Gesang, Gitarre
David Gilmour – Gesang, Gitarre, Kazoo
Roger Waters – Gesang, Bass
Richard Wright – Gesang, Orgel, Klavier, Mellotron, Vibraphon
Nick Mason – Schlagzeug, Percussion
