Autor: Peter Podbrežnik
Künstler: Pink Floyd
Label: EMI Records
Erscheinungsjahr: 1973
Wertung: 5/5
Was könnte man noch Neues über die „dunkle Seite des Mondes“ schreiben, dieses außergewöhnliche Album, das nach mehr als drei Jahrzehnten seit seiner Veröffentlichung nach wie vor als ein einzigartiges weltweites Musikphänomen gilt, das die Entwicklung sowohl der populären als auch der experimentellen Musik revolutionär beeinflusst hat und das die schwindelerregende Verkaufszahl von mehr als 40 Millionen verkauften Exemplaren erreicht hat? Mit „Dark Side Of The Moon“, dieser zeitlosen konzeptuellen Explosion kompositorischen Perfektionismus, verwandelten sich die legendären Progrock-Recken Pink Floyd schlagartig von einer kultigen, aber obskuren psychedelischen Attraktion in musikalische Weltstars mit einer klaren musikalischen Ausrichtung, für die bald jedes Stadion zu klein wurde. Dass sie ab diesem Album auch zur kommerziell erfolgreichsten Band in der Geschichte des Progressive Rock wurden, muss man dabei kaum extra hervorheben. Viel wichtiger ist, dass Pink Floyd mit „Dark Side Of The Moon“ endlich auch als hervorragende Komponisten abgerundeter Werke mit Anfang und Ende reif wurden, sodass die Welt endlich bereit war, die einstigen Meister psychedelisch-avantgardistischer experimenteller Seltsamkeiten mit offenen Armen zu empfangen – die sich partout nicht vom langen Schatten ihres tragischen Gründers Syd Barrett befreien konnten.
Die Antworten darauf, wo die Hauptquelle des unglaublichen Erfolgs von „Dark Side Of The Moon“ liegt – zweifellos eines der besten und einflussreichsten Alben in der Geschichte der Rockmusik –, sind vielfältig. An erster Stelle steht gewiss die unglaubliche Harmonie zwischen den einzelnen musikalischen Themen, den erhabenen Atmosphären und dem außergewöhnlich intelligenten Konzept, das zahlreiche lebensnahe Botschaften enthält und die tiefsten Seiten der menschlichen Seele so mühelos berührt. Die Grundlagen für „Dark Side Of The Moon“ wurden übrigens bereits mit einigen musikalischen Themen des vorherigen Albums „Meddle“ (1971) gelegt, das zumindest teilweise eine Antwort darauf gab, wohin die weitere Evolution ihres Klangs führen würde. Diese Wende hin zu mehr Zugänglichkeit erlebte hier ihren endgültigen Aufblühen in zahlreichen kompositorischen Höhepunkten ihrer Karriere, nämlich den unvergesslichen Meisterwerken „Breathe“, „Time“, „The Great Gig In The Sky“, „Money“ und „Us And Them“ – allesamt Stücke mit weitreichendem Einfluss auf ganze Generationen zukünftiger Musikerinnen und Musiker.
Die früheren psychedelisch-improvisatorischen Experimente, die für ein breiteres Musikpublikum oft schwer verdaulich waren, wichen sorgfältig konstruierten Kompositionen mit Anfang und Ende, einem viel volleren und subtileren Klang sowie deutlich melodischeren Arrangements. Der Einsatz der Saxophone des externen Mitarbeiters Dick Parry auf „Money“ und „Us And Them“ trieb ihren Sound merklich in Richtung Jazzgewässer, während der Gastgesang von Clare Torry auf „The Great Gig In The Sky“ der traumhaften Atmosphäre dieses Meisterwerks eine bezaubernde Dosis ursprünglichen Souls verleiht und für einen der erhabensten Momente in der Geschichte der Band sorgt. Einen großen Anteil am Erfolg des Albums hat auch der damals noch junge Toningenieur Alan Parsons (der später Chef seiner eigenen, äußerst erfolgreichen Band The Alan Parsons Project wurde), der mit dem Einsatz einiger für damalige Verhältnisse revolutionärer Aufnahmetechniken für den außergewöhnlich fließenden Klang des Albums sorgte – obwohl die Bandmitglieder im Laufe der Jahre seine Bedeutung um jeden Preis kleinreden wollten.
Roger Waters, Bassist/Sänger, lyrisches Genie und Hauptarchitekt ihrer gesellschaftlich bedeutsamen, philosophischen Konzepte, die mit ihrer Fortschrittlichkeit noch heute die Gemüter erhitzen, traf mit dem hervorragenden Konzept den Nagel auf den Kopf: Es spiegelt alle Schönheiten und Beschwernisse des alltäglichen menschlichen Lebens wider. Die zentralen Themen des Albums sind Gier, zwischenmenschliche Konflikte, Altern und Wahnsinn (Letzteres war zweifellos durch die Erfahrung mit dem zerrütteten Geisteszustand des ehemaligen Weggefährten Syd Barrett inspiriert und blieb ein Thema, zu dem Pink Floyd auf ihren folgenden Alben immer wieder zurückkehrten). Dabei setzte Waters ein bewundernswertes Maß an Empathie für bestimmte gesellschaftliche Erscheinungen und emotionale Zustände ein, was dieses Album mit seinen Botschaften für alle Zeiten aktuell macht. Neben Waters, der sich zu diesem Zeitpunkt bereits als Autor aller ihrer Texte etabliert hatte, hatten damals (noch immer) auch die übrigen Bandmitglieder gleichberechtigtes Mitspracherecht beim Komponieren der Musik. Vor allem Gitarrist und Sänger David Gilmour, der gut aussehende Publikumsliebling, der mit seinen Gitarrenkunststücken und seiner samtigen Stimme in die subtilsten Sphären ihrer Musik vordrang, griff auf diesem Album auch kompositorisch erstmals wirklich nach den Sternen und spielte mit seinem Beitrag den Löwenanteil, was die emotionale Unsterblichkeit einzelner Songs betrifft – etwas, das einem ewigen Zyniker wie Waters allein wohl kaum gelungen wäre. Währenddessen spielte Keyboarder Rick Wright eine Schlüsselrolle bei zwei der drei besten Kompositionen des Albums („The Great Gig In The Sky“ und „Us And Them“) und begeisterte mit dem vielschichtigen Einsatz einiger für damalige Zeiten revolutionärer Synthesizer. Sogar Schlagzeuger Nick Mason steuerte zu Beginn des Albums seinen kleinen, aber wichtigen kompositorischen Anteil bei.
Das unvergessliche Abenteuer durch die verschiedenen emotionalen Zustände der menschlichen Gesellschaft eröffnet das kurze Intro „Speak To Me“, das einen der äußerst seltenen solistischen kompositorischen Beiträge des gutwilligen Schlagzeugers Mason darstellt (Waters erklärte einmal in seinem typischen Stil, das sei sein Geschenk an den arglosen Schlagzeuger gewesen, was er später nach seinem Weggang immer mehr bereute). Es handelt sich um eine Collage verschiedener, miteinander verbundener kurzer Sprach-Samples und Soundeffekte. Jeder von ihnen repräsentiert eines der Schlüsselmotive des Albums und deutet so an, was den Hörer im weiteren Verlauf erwartet.
„Speak To Me“ geht nahtlos über in die melancholische Klassik „Breathe“ (der vollständige Titel des Songs lautet eigentlich „Breathe In The Air“), wo der Schönling Dave mit seiner warmen, samtigen Stimme und außergewöhnlicher Raffinesse auf der Slide-Gitarre glänzt. Das ruhige Tempo bestimmt auch Wrights reiche Palette an Texturen. Waters‘ Text, den Gilmour mit ungewöhnlicher Herzlichkeit vorträgt, ist eine bewegende Botschaft an all jene, die täglich fleißig ihre Pflichten gegenüber unserem gesellschaftlichen System erfüllen: Sie sollen wenigstens für einen Moment durchatmen, tief Luft holen, ihr Tempo drosseln, das ständige Streben nach mehr Profit aufgeben und versuchen, den Sinn ihrer Existenz in wichtigeren Dingen zu finden.
Es folgt das experimentelle „On The Run“, das eine seltene Kostprobe ihrer psychedelisch-avantgardistischen Vergangenheit auf diesem Album darstellt und einen hervorragenden Kontrast zur ansonsten melancholischen Schönheit und Rührseligkeit der meisten Stücke des Albums bildet. Wright, Gilmour und Waters steigern hier einen eigenwilligen elektronischen Minimalismus bis zum Höhepunkt – durch den Einsatz verschiedener psychedelischer Effekte auf VCS3-Synthesizern und Experimente mit mehrdimensionalen analogen Sequenzern. Diese elektronischen Effekte waren ihrer Zeit zweifellos voraus. Das zentrale Thema des Stücks handelt von den Drücken und Stressmomenten, die lange Reisen verursachen, was durch verschiedene Gesprächseffekte, Laufen auf einem Korridor, manische Stimmen und eine finale Explosion veranschaulicht wird, die einen Flugzeugabsturz symbolisiert. Das Stück ist durch und durch von einer eigenwilligen, klaustrophobischen, geradezu unheilschwangeren Atmosphäre durchdrungen.
Darauf folgt die zeitlose Klassik „Time“, eine der erhabensten und erschütterndsten Schöpfungen in der Geschichte der Band und das einzige Stück auf dem Album, an dessen Entstehung alle Bandmitglieder mitgewirkt haben. Ihre zentrale Schönheit und Erschütterungskraft liegen sowohl in ihrem unglaublichen ätherischen musikalischen Bild, das den Hörer durch die magische Schönheit zahlreicher ambienter Klangwellen mühelos in die Tiefen seiner tiefsten Emotionen trägt und ihn zwingt, in sich selbst hineinzublicken, als auch in ihrer zentralen Botschaft, die sich um die Gnadenlosigkeit der vergehenden Zeit dreht. Je älter wir werden, desto schneller vergeht die Zeit, und wir versinken immer tiefer in Hoffnungslosigkeit, wenn wir uns an die Jugendjahre, die glücklichen Zeiten und all die verlorenen Chancen erinnern, die uns durch die Finger geglitten sind (noch ein sehr lebensnahes Thema, zu dem sie auch in ihren folgenden Werken zurückkehren werden).
Nach dem stürmischen, geradezu provokanten Intro mit lautem Klingeln von Weckern und Alarmen (versuch mal, morgens einen Streich zu spielen: Spiel einem deiner Liebsten, am besten jemandem, der den Song nicht kennt, dieses Intro vor und beobachte seine Reaktion bei dem unerwarteten Morgengruß) folgt ein allmähliches Anwachsen der Atmosphäre durch den Einsatz verschiedener Effekte auf Bass und Schlagwerk. Plötzlich bricht durch einen entschlossenen Übergang Gilmours Gesang herein, der nach anfänglichem manischen Feuer in den Refrains in sanftere, samtige stimmliche Gefilde übergeht, die den Hörer mit ihrer Wärme vollständig einhüllen – vor allem, wenn der Begleitsatz der erhabenen Frauenstimmen einsetzt. Wright erfüllt derweil auf bewundernswerte Weise seine Gesangsaufgaben zwischen den einzelnen Übergängen und sorgt für noch mehr Kontrast zwischen den einzelnen Motiven. Die zentralen Motive dieser legendären Komposition sind übrigens vor allem auf den melancholischen Passagen von Daves Slide-Gitarre und Ricks Keyboards aufgebaut. Der Höhepunkt tritt nach dem zweiten Refrain ein, wenn das noch heute atemberaubende, traumhafte Gitarren-Solo einsetzt, das sicherlich zu den besten in der Geschichte des Gitarren-Schönlings gehört. Im Abschluss wiederholt sich noch einmal das zentrale Motiv aus „Breathe“.
Daraufhin geht das Stück über in das fantastische „The Great Gig In The Sky“, noch ein esoterisches Meisterwerk, das mit seiner Zauberhaftigkeit sofort selbst den härtesten und nüchternsten Zeitgenossen hypnotisiert. Für diejenigen, die wissen, dass sich seine Botschaft um den Tod und Spekulationen im Stil von „was passiert danach“ dreht, ist es ein noch erschütternderes Hörerlebnis. Die zentrale Solistin dieser unsterblichen Schöpfung ist zweifellos die außergewöhnliche Clare Torry, die mit ihren leidenschaftlichen Gesangsimprovisationen für eine unglaublich magische Atmosphäre sorgt. Wright sorgt mit seinen melancholischen Passagen auf Klavier und Hammond-Orgel vor allem für eine hervorragende Begleitung, während Gilmour und Waters mit ihren Gitarrenlinien diesmal eher im Hintergrund bleiben, aber ebenso wirkungsvoll bei der Erschaffung der außergewöhnlichen Atmosphäre sind.
Waters erlebt seinen zentralen kompositorischen Höhepunkt auf dem Album mit dem zynischen Meisterwerk „Money“, das von Effekten des Öffnens von Kassenschubladen und Münzenklimpern eröffnet wird. Roger ließ hier ordentlich Dampf ab mit einem gesellschaftskritischen Text über das Hauptübel unseres kapitalistischen Systems und das endlose kopflose Streben nach Profit (ein soziales Thema gesellschaftlicher Spaltung, das er mit Vergnügen auch in einigen späteren Werken einsetzen wird). Kompositorisch gesehen ist es eine der interessantesten Schöpfungen in der Geschichte der Band, die von ungewöhnlichen, dramatischen Taktwechseln und dem plötzlichen Wiederaufgreifen einzelner Motive geprägt ist. Das zentrale, funkig ausgerichtete Gitarren-Riff, das von stakkatohaften Basslinien begleitet mehrfach wiederkehrt, klingt ungemein eingängig und witzig. Dazwischen verbindet Gilmours stets außergewöhnlich expressiver Gesang alles miteinander und drückt den unverhüllten Zynismus gegenüber dem unheilbaren Materialismus der westlichen Zivilisation aus. Mit der Zeit kommt noch Dick Parrys Saxofon dazu, das einen höchst willkommenen Hauch jazzigen Pathos hinzufügt und gleichzeitig einen energischen Instrumentalteil ankündigt. Natürlich darf auch das weitere monumentale Gitarren-Solo von Dave nicht unerwähnt bleiben, das noch heute zahlreiche Gitarren-Aspiranten auf der ganzen Welt inspiriert.
Nach der Abrechnung mit dem kapitalistischen Gesindel ist nun die Abrechnung mit all den militaristischen Säbelrasslern an der Reihe, die einfach nicht aufhören wollen, und denen Waters nicht für eine Sekunde Luft zum Atmen ließ. Das bedeutet: Es erklingt das unglaubliche esoterische Meisterwerk „Us And Them“, das nach meiner Wahl nicht nur der Höhepunkt des Albums ist, sondern eines der besten Werke in der Geschichte der Rockmusik. Es spiegelt in all seiner melancholischen Schönheit den vollkommenen Unsinn aller vergangenen und aktuellen Kriege wider. Seine ruhige, mit jazzigen Verzierungen ausgeschmückte Natur verstärkt noch die Wirkung der vollkommenen Ohnmacht des Einzelnen vor dem tödlichen Getriebe der Kriegsindustrie. Während Wright außergewöhnliche ambiente Atmosphären durch mehrteilige Harmonien auf den Keyboards – vor allem der Hammond-Orgel – schafft, ist Gilmours Gesang der zentrale Träger der gesamten Komposition. Letzterer erreicht in den erhabenen Refrains eine Ausrichtung von dramatischen Ausmaßen und schafft einen außergewöhnlichen Kontrast durch den Übergang von Wärme zu Zorn. Hier ist auch der hervorragende Dick Parry mit Jazzpassagen und Soli auf dem Saxofon, der jedoch im weiteren Verlauf sowohl von Gilmour als auch von Wright mit ihren Kunststücken in den Hintergrund gedrängt wird. „Us And Them“ ist eine jener seltenen Rockklassiker, die man einfach nicht genug loben kann.
Dann folgt noch ein weiteres erstklassiges emotionales Erlebnis in Form des hervorragenden Instrumentalstücks „Any Colour You Like“, das unsere Ängste vor wichtigen Lebensentscheidungen ausdrückt. Nach vergnüglichen Synthesizer-Einlagen setzt ein ungemein witziges Gitarren-Solo ein, das im Weiteren erfolgreich zwischen zahlreichen Effekten, Hammond-Orgel-Klängen und funkigen Basslinien navigiert. Es folgt ein plötzlicher Übergang in das außergewöhnliche „Brain Damage“, das den einzigen Moment auf dem Album darstellt, wo Waters die Rolle des Hauptsängers übernimmt – und das mit Auszeichnung. Diese Rolle, in der er eine Person spielen muss, deren Geisteszustand sich immer weiter verschlechtert, steht ihm hervorragend, da das Phänomen menschlichen Wahnsinns seit Syds Abgang immer eines seiner bevorzugten lyrischen Themen war. Die zentrale, schlichte und pastoral ausgerichtete akustische Melodie auf der Gitarre ist geradezu charakteristisch für Waters‘ Schöpfungen (im Stil von „If“). Das größte Geschenk von „Brain Damage“ liegt im außergewöhnlichen, zauberhaften Refrain, wo die dramatischen weiblichen Begleitstimmen einsetzen und die zentrale Botschaft des gesamten Albums übermitteln: „dass wir uns auf der dunklen Seite des Mondes sehen werden“. Die Atmosphäre von jemandem, den der Verstand langsam verlässt, den Neurosen befallen und der seltsame Geräusche in seinem Kopf hört, wird durch die aufgenommenen Effekte von Waters‘ manischem Lachen noch verstärkt.
Wegen ihres zentralen Verses und der Tatsache, dass sie vor ihren „Brüdern“ und „Schwestern“ entstanden ist, nennen sie viele schlicht „Dark Side Of The Moon“ oder betrachten sie als das zentrale Werk dieses Albums. Interessanterweise soll Waters in der Entstehungszeit dieses Albums ziemlich unsicher in seinen Gesangsfähigkeiten gewesen sein, und Gilmour musste ihn sogar dazu ermutigen – besonders wenn man bedenkt, dass er auf späteren Werken fast zum vollständigen Gesangsdiktator wurde. Dieses Stück bedeutete auch den ersten größeren Streit zwischen Waters und Wright. Letzterem war dieses Werk wegen seiner Schlichtheit nie sonderlich lieb. Diese ablehnende Haltung gegenüber Waters‘ Kompositionen wuchs mit den Jahren noch weiter an und führte indirekt zu seinem Abgang aus der Band Ende der 70er. Schließlich folgt durch einen unmittelbaren Übergang der abschließende Klimax des Albums, „Eclipse“. Dieser sorgt mit erhabenen gemeinsamen Vokalharmonien und sich wiederholenden Melodien im abschließenden Vers für das finale Offenbarungserlebnis, das die menschliche Sehnsucht nach vollständiger Freiheit ausdrückt. Das alles endet mit dem Herzschlag, womit bereits der Beginn des Albums – „Speak To Me“ – eröffnet wurde, und stellt so den abgerundeten Abschluss dieses großartigen konzeptuellen Epos dar.
„Dark Side Of The Moon“, für viele das strahlendste Juwel unter allen Pink Floyd-Meisterwerken, bleibt für alle Ewigkeit einer der größten Errungenschaften in der Geschichte der Rockmusik, das den Hörer mit seinen musikalischen Themen und Botschaften immer wieder von Kopf bis Fuß erschüttert und in ihm Gedanken über einige Schlüsselsymbole der menschlichen Existenz auslöst. Über eines der besten und einflussreichsten Alben aller Zeiten wurden und werden noch Millionen von Rezensionen, Artikeln, Diplomarbeiten, Romanen, Doktorarbeiten usw. geschrieben, sodass es wirklich sinnlos wäre, groß zu philosophieren darüber, was jene verpassen, die das Album zufällig (noch) nicht in ihrem Haushalt haben oder die zufällig längere Zeit hinter dem Mond gelebt und die Nachricht von seiner Existenz verpasst haben. Pink Floyd, die frischgebackenen Rockstars, setzten den titanischen Erfolg von „Dark Side Of The Moon“ auch mit nachfolgenden Meisterwerken fort, wie „Wish You Were Here“ (1975), „Animals“ (1977) und „The Wall“ (1979), obwohl Waters im Laufe der Zeit seine diktatorische Politik gegenüber den anderen Bandmitgliedern immer stärker durchsetzte, was später zu durchaus dramatischen Konsequenzen führte. Die Rezension soll mit den Worten enden, dass jede neue Generation dieses wunderbare Album immer wieder und auf ihre eigene Art entdeckt und darin immer etwas Neues findet – was wahrscheinlich auch seine größte Auszeichnung ist. Die Tickets für die unvergessliche, abenteuerreiche musikalische Reise auf die dunkle Seite des Mondes werden daher niemals ausverkauft sein.
Besetzung
David Gilmour – Gesang, Gitarre, VCS3-Synthesizer
Roger Waters – Bassgitarre, Gesang (9), Begleitgesang, Spezialeffekte
Richard Wright – Keyboards, Begleitgesang, VCS3-Synthesizer
Nick Mason – Schlagzeug, Perkussion, Spezialeffekte
GASTMUSIKER:
Dick Parry – Saxofon (6-7)
Clare Torry – Gesang (5)
Leslie Duncan – Begleitgesang
Lisa Strike – Begleitgesang
Barry St. John – Begleitgesang
Doris Troy – Begleitgesang
Produktion
Pink Floyd
Trackliste
1. Speak To Me (1:16)
2. Breathe (2:44)
3. On The Run (3:32)
4. Time (7:06)
5. The Great Gig In The Sky (4:44)
6. Money (6:32)
7. Us And Them (7:40)
8. Any Colour You Like (3:25)
9. Brain Damage (3:50)
10. Eclipse (2:04)
Albumlänge: 42:53
