Autor: Peter Podbrežnik
Künstler: Emerson, Lake & Palmer
Label: Sanctuary Records
Erscheinungsjahr: 1973
Spielzeit: 45:04
Wertung: 5/5
Brain Salad Surgery markiert den letzten, aber umso süßeren Triumph des berüchtigtsten Trios in der Geschichte der Rockmusik. Ob „Brain Salad Surgery“ ihr künstlerisches Alpha und Omega ist, darüber streiten sich die Geister bis heute (manche bevorzugen „Tarkus“ oder sogar „Trilogy“), aber zweifellos gehört es zu ihren besten Werken und zur Eliteriege der besten Rockalben aller Zeiten — auch wenn es nach wie vor oft missverstanden wird und nicht die Anerkennung bekommt, die es verdient. Mit ihm erreichte die goldene Ära des symphonischen Progressive Rock ihren absoluten Höhepunkt.
Das Album beherbergt eine ganze Reihe zeitloser ELP-Klassiker (so gut wie alle Stücke), und gleichzeitig lässt es sich als quasi-konzeptuelles Projekt bezeichnen, da sein Herzstück die knapp halbstündige Suite „Karn Evil 9“ bildet — ihre ambitionierteste Schöpfung überhaupt. Bevor wir uns den Details dieses Progressive-Rock-Meisterwerks widmen, lohnt es sich, ein paar Worte über den Hintergrund zu verlieren, der zu seiner Entstehung und Gestaltung geführt hat.
ELP befanden sich damals auf dem Höhepunkt ihrer Popularität und genossen den Status einiger der berüchtigtsten Rockstars überhaupt — als einzige Band in der Geschichte des Progressive Rock nutzten sie diesen Status ausgiebig aus und füllten die Klatschspalten mit allerlei Bühnen- und Backstage-Eskapaden. Nach dem Ende der „Trilogy“-Tournee gründeten sie zunächst ihr eigenes Label Manticore (benannt nach dem mythologischen Wesen und einer der Hauptfiguren des Albums und der Suite „Tarkus“), dann zogen sie sich in ihr Studio zurück, wo die musikalischen Ideen nur so flogen. Einen solchen kreativen Schwung wie bei der Entstehung von „Brain Salad Surgery“ sollten ELP in ihrer Geschichte nie wieder zeigen.
Eine große Veränderung im Bereich des Songwritings — bis dahin ausschließlich Lakes und gelegentlich Emersons Terrain — brachte die Ankunft von Peter Sinfield als externem Mitarbeiter mit sich. Sinfield war Lakes alter Kumpel noch aus den Zeiten der originalen King Crimson, wo er das fünfte Bandmitglied war und sich bereits damals einen Ruf als einer der originellsten Lyriker der Rockmusik erarbeitete. Sinfield spielte auf dem Album eine kleine, aber wichtige Rolle: Er steuerte seinen lyrischen Anteil zum ersten Teil der Suite „Karn Evil 9“ sowie den gesamten Text zur Burleske „Benny The Bouncer“ bei. Lake erwiderte den Gefallen mit einem Gastauftritt auf Sinfields Soloalbum, das im selben Jahr beim ELP-Label Manticore erschien.
Wie auf allen vorherigen ELP-Alben, die sich unter anderem durch instrumentale Innovativität auszeichneten, spielte auch hier für die damaligen musikalischen Verhältnisse fortschrittliche Elektronik eine zentrale Rolle, die in der Regel ausschließlich Emersons Domäne war. Der Keyboard-Zauberer erweiterte sein bisheriges Arsenal, das bis dahin ausschließlich aus Hammond-Orgeln, Klavier und einem monophonen Mini-Moog-Synthesizer bestand, um einen vielseitigen, gigantischen Moog-Modular — damals eine Revolution auf dem Gebiet der polyphonen Nutzung elektronischer Keyboards —, und spielte gelegentlich auch Mundharmonika. Dank des Erfinders Dr. Robert Moog, der in jenem Jahr neue Technologie auf den Markt brachte, konnte Keith nun seine musikalischen Orgasmen auch über polyphonische Synthesizer erleben, was ihm Aufnahme- und Kompositionsarbeit in vielem erleichterte. Eine weitere wichtige Innovation waren Palmers elektronische Drums. Der Schlagzeug-Großmeister konnte nun gleichzeitig auf den E-Drums spielen und Perkussionsinstrumente wie Pauken und Röhrenglocken einsetzen. Heutzutage hat moderne MIDI-Studiotechnik die meisten dieser Methoden ersetzt, aber die einzelnen musikalischen Parts, die mit den damaligen Innovationen aufgenommen wurden, klingen auf diesem Album auch nach dem langen Test der Zeit alles andere als antiquiert.
Klar, der eigentliche Inhalt des Albums ist das, was am meisten zählt und weshalb es als Inbegriff der Perfektion im symphonischen Progressive Rock gilt. Den großartigen, bombastischen Auftakt macht „Jerusalem“ — Emersons Adaption einer bekannten britischen Kirchenhymne, die in ihren ursprünglichen Fassungen meist als Kammermusik aufgeführt wird. ELP haben daraus eine bombastische, epische Rockhymne gemacht, in der Emerson an den Keyboards einen majestätischen Kirchenorgel-Sound aufrechterhält, während Lake mit seinem hervorragenden Gesangsvortrag brilliert. Seine intensive Interpretation des Originaltexts, dessen Schöpfer der legendäre britische Universalkünstler William Blake ist, hebt die Atmosphäre des Albums auf höchste Höhen der Erhabenheit. Interessantes Detail: Die BBC verweigerte die Ausstrahlung im Radio, nachdem der Song als Single veröffentlicht wurde — was beweist, dass die liberalen Sechziger auf derart konservativ verkrustete Institutionen wie die BBC kaum Einfluss hatten.
Und Emerson wäre nicht Emerson, wenn er sich nicht wenigstens einer eigenen Interpretation einer klassischen Komposition annähme. Diesmal wählte er für seine verrückten klassizistischen Eskapaden das Werk „Toccata“, das ursprünglich vom argentinischen Komponisten Alberto Ginastera geschaffen wurde — ein Stück aus dem Bereich der modernen klassischen Musik. Anders als bei den Problemen, die Emerson in den frühen ELP-Jahren hatte — vor allem mit Urheberrechtsfragen, aber auch dem Missbilligen seiner Kollegen aus der klassischen Musikwelt —, erwies sich Ginastera als verständnisvoller und offener Komponist, der Keiths Interpretation bei sich zu Hause mit Freuden anhörte und sie unterstützte. Keith machte daraus ein wahres Experimentierfeld für seine Arbeit mit polyphonen Moog-Synthesizern, während Palmer überzeugend mit Attacken auf den elektronischen Drums mitzieht. Von der ersten Sekunde an herrscht eine beklemmende Atmosphäre, geformt durch Emersons rasende Keyboard-Improvisationen, Palmers wilde Schlagzeug-Märsche und allerlei Perkussion. Damit zählt es zu ihren avantgardistischsten Schöpfungen.
Für einen großen stilistischen Kontrast und Stimmungswechsel sorgt „Still…You Turn Me On“ — schon wieder so eine schöne, romantische akustische Folk-Ballade von Lake, wie gemacht für alle Verliebten. Mag Lake — vor allem dank seines alten King Crimson-„Freundes“ Robert Fripp — nie ein besonders großer Meister auf E-Gitarre oder Bass geworden sein, beweist er hier erneut, dass er als Akustikgitarrist oft mehr als überzeugend war. Seine Kombination pastoraler Akkorde auf der Akustikgitarre ergibt eine wunderschöne Melodie, die gelegentlich durch witzige, bissige Wah-Wah-Passagen auf Emersons Mundharmonika unterbrochen wird — das erste Mal, dass er so etwas ausprobiert. Der Gesang gehört zum Besten in Lakes Karriere, was eigentlich für das gesamte Album gilt. Wer dem Text genau zuhört, wird merken, dass er im Grunde alles andere als romantisch ist, wie es zunächst scheint, und jede Menge sarkastisch eingefärbter sexueller Anspielungen enthält.
Danach folgt ein weiteres kürzeres Stück: das schräge „Benny The Bouncer“ — noch so ein unernster, witziger Track in der Tradition ihrer früheren Lausbubenstücke wie „Jeremy Bender“, „Are You Ready Eddy“ und „The Sheriff“. Dieser freche Angriff schafft es, die lustige Atmosphäre von Saal-Tanzlokalen der 50er heraufzubeschwören, in denen Gewalt und Zynismus das Sagen haben. Emersons wilde Klavierpassagen und Lakes verzerrter Gesang erschaffen live eine Atmosphäre massenhafter Saal-Schlägereien. Am besten verkörpert das alles der groteske Text, der damit endet, dass jemand dem Türsteher eine Axt in den Kopf rammt.
All diese Stücke waren aber nur die Vorbereitung auf das große Finale und den Kern von „Brain Salad Surgery“, ohne den man nicht von einem zeitlosen Meisterwerk sprechen könnte. Die Rede ist von dem bereits erwähnten, fast 30-minütigen Super-Epos „Karn Evil 9“ — ihrer ambitioniertesten Schöpfung überhaupt, mit der sie bewiesen, dass sie nach wie vor der Begriff für Innovation und die unangefochtenen Könige grandioser epischer Suiten waren (in ihrer Karriere schufen sie zwar nur zwei davon — neben „Karn Evil 9“ genießt noch „Tarkus“ die größte Verehrung der ELP-Fans —, aber beide gelten bis heute als ihre größten Errungenschaften).
Was bei „Karn Evil 9“ neben seiner außergewöhnlichen kompositorischen Natur und Ausführung zusätzlich zu der merkwürdigen Aura gleichzeitiger Geheimnishaftigkeit und Erhabenheit beiträgt, ist das apokalyptische Science-Fiction-Konzept, das dramatisch mit Gigers Cover verbunden ist. Die Geschichte schöpft ihre Inspiration vor allem aus Klassikern wie Huxleys „Brave New World“ und Orwells „1984“.
In der Zukunft wurde alle Kriminalität für immer aus der Welt getilgt und mit ihr auch die gesamte weltliche Dekadenz — eine „reine“ Gesellschaft wurde erschaffen. Für ihre Überwachung sorgen Computer, die jeden Schritt des menschlichen Lebens kontrollieren. Alle Formen der Unterhaltung und alles, was Menschen zu individuellem Denken und rebellischem Geist verleiten könnte, ist verboten, Musik ist besonders streng untersagt. All das mit dem Ziel, die Menschen zu möglichst unpersönlichen, roboterhaften Wesen zu machen, geistig den Computern verwandt. Dennoch existiert tief unter der Erde eine Unterwelt, in der noch einige Menschen in Freiheit leben und unterdessen Revolution und Aufstand gegen die Herrschaft der Computer ausbrüten. Kommt dir das bekannt vor? Klar — etwas sehr Ähnliches konntest du viel später in der Filmtrilogie The Matrix sehen oder in Filmen wie etwa Equilibrium.
„Karn Evil 9“ — der merkwürdige Name geht auf Emersons Wortneuschöpfung zurück, mit der er die karnevaleske Atmosphäre beschreiben wollte — ist in der Tradition aller großen epischen Suiten in mehrere Abschnitte gegliedert. In diesem Fall drei: Der erste Abschnitt (samt Einleitung) bildet die anfängliche Aufwärmphase mit Lakes Gesang im Vordergrund, der zweite stellt die majestätische Wendung mit längeren instrumentalen Improvisationen Emersons dar (hauptsächlich am Klavier), und der dritte ist vor allem Emersons abschließender Orgasmus auf den polyphonen Moog-Synthesizern, die eine vollständig kybernetische Atmosphäre erschaffen. Der bekannteste und beliebteste Abschnitt ist zweifellos die Einleitung, die Lakes legendäre Worte „Welcome back my friends to the show that never ends“ enthält (was später auch zum Titel ihres ersten Konzertalbums wurde). Neben Emersons Kunststückchen auf seinem Reichtum unterschiedlicher Keyboards — ob Hammond-Orgeln oder Moog-Synthesizern — und Palmers Attacken auf den elektronischen Drums steht eine majestätische Melodie im Vordergrund, die in einem dramatischen Hauptrefrain ihren Höhepunkt findet. Nach und nach formt sich das karnevaleske Motiv und die Atmosphäre, die dann die gesamte Suite dominiert.
Im zweiten Abschnitt regieren Emersons atemberaubende Soloeskapaden, hauptsächlich am Klavier, sowie Palmers einzigartige Schlagzeugtransitionen. Auch an allerlei witzigen Improvisationen von einem der größten Keyboarder aller Zeiten mangelt es nicht. Den besten Teil der Suite bildet jedoch ihr epischer Schlussteil, in dem ein äußerst überzeugender Abschluss abläuft: der dramatische Dialog — der epische Kampf zwischen Mensch und Computer. Lake bewältigt diesen Gesangsdialog mit Bravour und erschafft eine außergewöhnliche Atmosphäre, in der zwei entgegengesetzte Kräfte um die Vorherrschaft ringen: die organische und die elektronisch-kybernetische. Letztere verkörpert das Böse und wird daher bewusst durch Emersons Vocoder-Effekt verzerrt, der einen elektronischen Klang aufweist. Beide entscheiden über die Zukunft der Menschheit: Kehren wir zurück zur Natur und Menschlichkeit, oder werden wir Sklaven der Maschinen und der künstlichen Intelligenz? Dabei muss man sich daran erinnern, dass es beim Erscheinen des Albums noch gar keine Personalcomputer gab und all das damals — im Gegensatz zu heute, wo Computer unseren Alltag schon fast vollständig beherrschen — wie reine Science-Fiction wirkte.
Mindestens ebenso berühmt wie der musikalische Inhalt des Albums ist eines der ungewöhnlichsten Coverartworks der Musikgeschichte — das Werk des Schweizer Surrealisten H.R. Giger. Dieser erlangte später vor allem als Schöpfer des Science-Fiction-Wesens Xenomorph unvergänglichen Ruhm, das in den gleichnamigen Filmen besser als „Alien“ bekannt ist. Das Cover zeigt ein weibliches Gesicht (nur die Lippen sind zu sehen), gefangen in einem virtuell-kybernetischen Käfig in Form eines Schädels. Gigers ursprüngliche Idee sorgte für gehörig Kontroverse, da er anfangs einen Penis vor dem Gesicht zeichnete. Aufgrund stürmischer Reaktionen und Druck wurde das Bild später so retuschiert, dass an dieser Stelle eine Art Licht erscheint — doch wer genau hinschaut, erkennt die Umrisse des Penis noch immer. Auf der Rückseite des Covers, die sich auf das Frontbild bezieht, sehen wir ein weibliches Gesicht, befreit von der künstlichen Mauer. Man kann erkennen, dass ihr Haar der Hautstruktur des berühmten Science-Fiction-Monsters merkwürdig ähnelt. Das Cover-Konzept wurde wegen des ursprünglichen Albumtitels gewählt, der „Whip Some Skull On Ya“ hätte lauten sollen — eine Umschreibung für Oralsex. Nun ja, auch „Brain Salad Surgery“ ist eine solche Umschreibung, wenn auch etwas weniger offensichtlich. Die beiden Bilder gelten bis heute als vermisst, da sie jemand während einer Ausstellung von Gigers Werken in Prag stahl. Auch laut der Zeitschrift Rolling Stone — die traditionell schon seit einer Weile alles verachtet, was nicht nach dem Geschmack der Plattenkorporationen, MTV und ähnlichem Schmutz riecht — wurde es zu einem der besten Musikcover aller Zeiten gewählt.
Die drei Heiligen Könige des Progressive Rock haben mit „Brain Salad Surgery“ eine zeitlose Klassik des Genres und ihr letztes Studio-Meisterwerk geschaffen, mit dem sie zusammen mit dem Doppel-Konzertalbum, das im folgenden Jahr erschien, ihre künstlerisch und kommerziell erfolgreichste Periode besiegelten. „Brain Salad Surgery“ ist das Album, das neben „Tarkus“ der Hauptkandidat bleibt, wenn über ihr bestes Album abgestimmt wird, und ist gleichzeitig ihr schönstes Denkmal für den symphonischen Progressive Rock, der damals in Großbritannien und Italien den Höhepunkt seiner Popularität erreichte. Leider gönnten sich ELP nach der „Brain Salad Surgery“-Tournee und dem hervorragenden Konzertalbum, das ihr Endprodukt war, eine längere Auszeit. Wie sich später herausstellte, erholten sie sich danach nie mehr wirklich, und ihre goldenen Zeiten waren unweigerlich vorbei. „Brain Salad Surgery“ ist das Kronjuwel des großen Trios auf dem Höhepunkt ihrer künstlerischen Kräfte, das in jeder Sammlung eines jeden aufrechten Rockmusikfans zu finden sein muss.
Besetzung
Keith Emerson – Hammond-Orgel, Klavier, Mundharmonika, Moog-Synthesizer, polyphoner Moog-Modular, Computerstimme auf Karn Evil 9: 3rd Impression
Greg Lake – Gesang, Akustikgitarre, E-Gitarre, Bassgitarre
Carl Palmer – Schlagzeug, Perkussion, elektronische Drums
Produktion
Greg Lake
Trackliste
1. Jerusalem
2. Toccata
3. Still…You Turn Me On
4. Benny the Bouncer
5. Karn Evil 9
Karn Evil 9: 1st Impression, Pt. 1
Karn Evil 9: 1st Impression, Pt. 2
Karn Evil 9: 2nd Impression
Karn Evil 9: 3rd Impression
