Label: Discipline Global Mobile
Veröffentlichungsdatum: 10.10.1969
Produktion: Robert Fripp & Peter Sinfield
Albumlänge: 43.54 min
Genre: Progressive Rock
Bewertung: 10 / 10
„In the Court of the Crimson King“, die erste Platte von King Crimson, gilt heute als die erste Platte, die alles definiert hat, was wir heute unter Progressive Rock verstehen, und ist zweifellos eine der besten und wichtigsten Rockplatten aller Zeiten. Inzwischen sind viele Jahre seit der Veröffentlichung dieses legendären Albums vergangen, das die Grundlagen des Progressive Rock, des Heavy Metal und auch des Jazz-Fusion-Rock gelegt hat und gleichzeitig die Geburt einer der größten Bands in der Geschichte des Progressive Rock bedeutet – und doch klingt es noch immer frisch. Es ist mir daher eine Ehre, euch den absoluten Grundstein des Genres vorstellen zu dürfen.
Die Entstehung von King Crimson bedeutete also die Geburt des Genres, das wir heute Progressive Rock nennen – und wenn ihr so wollt, auch Art Rock, wie ihn damals einige Musikkritiker bezeichneten.
Es war das Jahr 1969, und in der Rockmusik vollzogen sich bedeutende Veränderungen. Das Publikum hatte genug von der naiven Schlichtheit des Rock ’n‘ Roll und des Blues. Völlige musikalische Freiheit, die sich damals in weitgehender Unabhängigkeit und nicht dem kleinsten Druck der Labels auf die Bands widerspiegelte – und auf der anderen Seite Musiker, die neben hundertprozentiger Professionalität Musik mit Herz und Seele schrieben und Werke von gigantischem Ausmaß schufen.
Progressive Rock war damals noch eine frische musikalische Richtung, die unwissentlich von Bands begründet wurde – allen voran The Beatles mit ihrem Album „Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band“ (1966) und etwas später noch The Nice (The Thoughts of Emerlist Davjack, 1967), Pink Floyd (The Piper At the Gates of Dawn, 1967), Procol Harum (Procol Harum, 1967) und The Moody Blues (Days Of Future Passed, 1967). All diese heute legendären Bands zeigten zwar bereits erste Anzeichen einer neuen großen Ära außergewöhnlicher Experimente in der Rockmusik, damals mit starker Betonung auf Psychedelik, die für das Ende der 60er typisch war. Doch plötzlich tauchte am Horizont wie ein Blitz eine völlig neue englische Rockband auf, die mit ihrer ersten Platte eine wahre musikalische Revolution auslöste – King Crimson.
Die Originalbesetzung von King Crimson war ein einzigartiges Unikat, zusammengesetzt aus professionellen Musikern, deren Stile größtenteils auf Jazz und klassischer Musik basierten. Das gilt besonders für Robert Fripp, den Gitarrenmeister und musikalischen Genius, der keinerlei Rahmen oder Beschränkungen in seiner Musik zuließ und externe Einflüsse konsequent ignorierte. Mit der Gründung dieser Band, die in dieser Phase noch ohne seine Dominanz agierte – alle Mitglieder wirkten gleichberechtigt am Songwriting mit –, entdeckte und überschritt er alle bekannten Grenzen in Rock, Jazz und Klassik und destillierte aus ihnen das Beste. Fripp ist seit jeher ein Gitarrengenius, der sich unglaublich schnell von allem Sich-Wiederholenden in der Musik langweilt, egal ob Riff oder Refrain. Heute ist er das einzige originale Mitglied der Band und unter Kennern einer der meistrespektierten Musiker im Rock – trotz seines jazzigen Gitarrenstils. Hör dir sein Solo auf „21 Century Schizoid Man“ an, mit dem er sich unter die angesehensten Gitarristen der Welt katapultiert hat, und du wirst sofort verstehen, warum seine Gitarre zum zentralen Element der Band wurde.
Damals war auch der legendäre Greg Lake Mitglied der Band, der aus The Gods kam und neben dem Gesang auch den Bass beherrschte. Sein Bassspiel war vielleicht nicht gerade atemberaubend (Lake war vor seinem Einstieg Gitarrist), besonders im Vergleich zu seinen technisch weit versierteren Nachfolgern auf diesem Instrument (z. B. Wetton, Levin, Gunn) – aber sein klarer, aufrichtiger und melodischer Gesang machte ihn meiner Meinung nach zum besten Sänger in der Geschichte der Band. Lake beherrschte zwar auch die Gitarre, hatte aber neben Fripp kaum Gelegenheit, sich damit zu beweisen. Etwas mehr Raum hatte er später, als er als Mitglied der ebenso unnachahmlichen ELP und der kurzfristig noch populäreren Asia bekannter wurde. Aber meiner Meinung nach hat er die außergewöhnliche Energie und Magie, die sein Gesang auf dieser Platte ausstrahlt, danach nie mehr wiederholt. Sein bester Moment auf der Platte ist auf „Epitaph“ festgehalten.
Der eigentliche Star dieser Besetzung war zweifellos der geniale Multiinstrumentalist Ian McDonald, der neben Saxofon, Flöte, dem damals revolutionären Mellotron, Keyboards und Gitarre sämtliche Songs schrieb und für außergewöhnliche Orchesterarrangements sorgte, die diesem Album eine wahrhaft transzendentale Qualität verliehen und ihm Licht und Wärme gaben. Nach seinem Weggang haben King Crimson nie mehr diese vollkommene Mystik eingefangen, die sein Werk auf diesem Album ausstrahlt. Später nahm er gemeinsam mit Michael Giles die Platte „McDonald & Giles“ (1970) auf und wurde Mitte der Siebziger Gründungsmitglied der kommerziell äußerst erfolgreichen Foreigner; heute ist er zur Tradition von King Crimson zurückgekehrt und leitet derzeit die 21 Century Schizoid Band.
Michael Giles, zweifellos einer der besten Schlagzeuger jener Zeit – Stewart Copeland (The Police) erklärte einmal, er sei sein größtes Vorbild gewesen –, verleiht den Songs einen teuflischen Rhythmus. Mit dem Einweben von Jazzelementen (Giles war klassischer Jazz-Schlagzeuger, was lange eine der goldenen Regeln für alle Drummer dieser Gruppe war) in sein Spiel und mit brillanter Beckenarbeit sorgte er damals für einen weiteren stilistischen Sprung in den Schlagzeugtechniken. Als ältestes Mitglied der Band verlieh er ihnen auch jene musikalische Reife, die den meisten Musikern zu Beginn ihres Weges fehlt. Fripp und Giles hatten bereits zuvor in der „Vorläuferband“ von King Crimson zusammengearbeitet: Giles, Giles & Fripp. 1968 veröffentlichten sie ihre einzige Platte „The Cheerful Insanity Of Giles, Giles & Fripp“, die zwar ein psychedelisches Meisterwerk mit außergewöhnlichem Monty-Python-Humor war, kommerziell aber ein totaler Flop.
Peter Sinfield, das fünfte Bandmitglied, war Texter auf den ersten Alben der Gruppe und kümmerte sich auch um die Bühnenbeleuchtung und das Equipment. Zweifellos ist er derjenige, der der Gruppe eine Seele eingehaucht und ihr ein Gesicht gegeben hat. Der Kerl war nicht nur musikalisches Genie und Visionär. Gleichzeitig war er völlig abgekoppelt von dieser Welt und besessen von neuromantischer Philosophie und keltischer Mythologie. Seine romantischen, phantastischen, mystischen und pseudoapokalyptischen Texte, die vom Geist her am ehesten an Begegnungen mit J.R.R. Tolkien, Shakespeare, William Blake, E.A. Poe und S.T. Coleridge erinnern, waren ein unverzichtbarer Bestandteil der frühen Bandphase. Und er war auch derjenige, der sich ihren Namen ausdachte. Sinfields Meisterleistung auf diesem Album ist zweifellos der Text zum Titelstück.
Aber zurück zur Platte: Die Komplexität der Musik ist außergewöhnlich, denn sie bietet eine perfekte Fusion der besten musikalischen Elemente von Rock über Jazz bis zur Klassik. Für damalige Verhältnisse hat die Platte einen soliden Sound, aber durch das jüngste Remaster, das beim aktuellen Label der Gruppe erschienen ist, wurde er noch besser, frischer und nahezu identisch mit der Originalaufnahme (die lange Improvisation auf Moonchild ist jetzt zum Beispiel deutlich hörbar).
Stilistisch waren sie damals Lichtjahre vor den anderen verwandten Bands. Sogar ihre später kommerziell weit erfolgreicheren Zeitgenossen, Yes und Genesis, brauchten geraume Zeit, um die nötige kreative Harmonie zu finden und sich durchzusetzen. Es gab jedenfalls damals keine andere Band, die so viele verschiedene musikalische Elemente – von Hard Rock über Jazz bis zur Klassik – auf so vollkommene Weise vereint hätte. Jemand hat einmal gesagt, wenn Wagner noch am Leben wäre, würde er mit King Crimson zusammenarbeiten. Die Texte waren mindestens so komplex wie die Musik selbst, vor allem dank des damals viel zu wenig beachteten, heute aber außerordentlich geschätzten Lyrikers und Roadies Peter Sinfield, der auf der Bühne das unsichtbare, aber stets gleichberechtigte Mitglied der Band war.
Für die Revolution sorgte auch ein weiteres neues Instrument – das Mellotron, das zum Markenzeichen der Band wurde und das sie vor allem in ihren zahlreichen romantischen Epen und Balladen besonders gerne einsetzten.
Wenn du eine kurze, aber vollständige Auszeit aus den Fesseln der völlig spirituell entwerteten, zeitgenössischen neomaterialistischen Welt willst, die dir hartnäckig das Erkennen der grundlegenden Wahrheit über das Leben verwehren und sich von deiner Lebens- und Kreativenergie nähren will, wirst du das Album garantiert schon beim ersten Hören lieben.
Eine echte Bombe ist schon der Opener, das noch heute enorm wuchtige und nihilistische „21 Century Shizoid Man“, das sofort eine ganze Palette damals völlig neuer musikalischer Dimensionen bietet und in der Struktur seiner Gitarrenriffs am ehesten an den embryonalen Heavy Metal erinnert, den Black Sabbath kurz darauf bis ins kleinste Detail entwickeln sollten. Im Grundaufbau ist der Song aber eine Fusion aus Rock und Jazz. Nach einem anfänglichen halbminütigen Rauschen aus einer Art Toilettenschüssel (Nachtgeräusche?) explodiert urplötzlich ein glühend heißes Hauptriff, für das sich keine Metalband der Welt schämen müsste. Dazu gesellt sich im selben Atemzug Lakes traumatischer, digitalisierter Gesang, der absichtlich durch einen Effekt singt, um die Atmosphäre des grauenhaft entstellten, spirituell entwerteten und schizophrenen Menschen des 21. Jahrhunderts noch stärker zu erzeugen – eines Gefangenen seiner eigenen mentalen Matrix. Hör dir zum Beispiel den Vers „nothing he has got he realy needs“ an, was bedeutet, dass er mit allerlei Konzernprodukt gesättigt ist, während er auf der anderen Seite vollkommen beraubt von dem ist, was er am meisten braucht (Liebe, grundlegende zwischenmenschliche Beziehungen und Spiritualität). Die dekadente, schizophrene, entwertete Welt, in der das neurotische Schreien des Menschen der postapokalyptischen Ära widerhallt, ist die beste Beschreibung der Visualisierung dieses Songs, die sich vollkommen mit dem Albumcover deckt. Fripp tritt mit seinem komplexen Solo auf, dem sich fast gleichzeitig McDonalds Saxofon anschließt, und gemeinsam steigern sie den Song bis zum komplexen Mittelteil, wo vor allem Mike Giles einige seiner besten Momente auf der Platte zeigt. Dieser Mittelteil namens „Mirrors“ ist der komplexeste und zeigt Fripp von seiner besten Seite. In diesem Song überraschen mich jedes Mal aufs Neue ihre fortschrittlichen Zukunftsvisionen, die später zu einer Art Markenzeichen dieser Band wurden. Der Song ist bei den Fans noch heute der beliebteste, und es ist wirklich schade, dass Fripp ihn bei Konzerten heutzutage so gut wie vergessen hat. Er ist bis heute zweifellos das Markenzeichen des Phänomens namens King Crimson.
Ein sofortiger Sprung aus der kalten, rationalistischen, apokalyptischen Welt ins Licht und in die Welt der Fantasie. Die romantische Ballade „I Talk To The Wind“ ist ein wunderbarer Song, der einen außergewöhnlichen Kontrast zum Vorgänger bietet und mich am schnellsten in tiefen Schlaf oder die Welt der Träume trägt. Die vorhandenen, stellenweise psychedelischen Flötenmotive steigern nur noch die Magie und Mystik des Songs. Er erinnert am ehesten an eine mitternächtliche keltische Versammlung bei Stonehenge oder an einen Elfenumzug aus Tolkiens Geschichten. Für diese Atmosphäre sorgt vor allem McDonalds Flöte, die auf wunderschönste Weise dieses unbeschreibliche Erlebnis erschafft. Auch Lakes esoterischer Gesang strahlt eine außergewöhnliche Wärme aus, die zur Struktur dieser wunderbaren Ballade passt. Der Song ist gleichzeitig ein außergewöhnliches Zeitdokument und Beweis dafür, welch schöne Balladen diese Band zu schaffen vermag. Die sanften Klänge von Flöte und Mellotron sorgen immer wieder dafür, dass Fripps Gitarre in den Übergängen nicht zu düster klingt. Beide Instrumente wirken wie ein Licht gegen die schweren Gitarrenriffs und bringen eine unbeschreibliche Schönheit in ihre Musik. Der Song selbst ist eine der schönsten Balladen, die ich je gehört habe, und für mich auch die beste Ballade in der Geschichte der Band.
Die psychedelische, pseudoapokalyptische und epische Prophezeiung „Epitaph“ ist der zentrale Song des Albums und gleichzeitig der Höhepunkt der Platte. Lakes meisterhaft gesungener, melancholischer Gesang, der die Resignation über das Treiben des modernen Menschen widerspiegelt, der sich selbst in den Untergang treibt, ist zweifellos das herausragende Element dieses Songs. Das spürt man besonders im Teil „March For No Reason“, der mir jedes Mal eine Gänsehaut beschert. Lake beweist also mit seinem dramatischen und stellenweise geheimnisvollen Gesang einmal mehr, dass er schon damals einer der kultiviertesten Sänger seiner Zeit war. „Tomorrow and Tomorrow“ ist der Hauptrefrain, der sich mehrmals wiederholt, was den Song auch für weniger anspruchsvolle Hörer melodisch genug macht.
Es folgt eine weitere wunderschöne mystische Ballade. „Moonchild“ deutete mit seiner langen Improvisation im zweiten Teil stilistisch bereits an, wohin sich die Band in den kommenden Jahren orientieren würde, und ist gleichzeitig der einzige Song, der auf dem Album erhebliches Unverständnis bei den damaligen Kritikern hervorrief. Die letzten acht Minuten sind nämlich ein vollständiges transzendentales Studio-Abtauchen (eine lange Improvisation) mit McDonalds Mellotron und Giles‘ Schlagzeug bzw. Perkussion im Vordergrund, das sie nach eigenen Worten absichtlich stehen ließen (nicht herausschnitten), um allen Labels und Kritikern zu zeigen, was kreative Freiheit bedeutet.
Der Song ist in drei Teile gegliedert. Der einleitende melodische Teil ist eine weitere wunderschöne romantische Ballade mit Lakes einfühlsamem Gesang, die nach dem dramatischen „Epitaph“ wieder Wärme einbringt. Mit der Zeit geht sie in das instrumentale „The Dream“ über und schließlich in das esoterische, leicht orientalische „The Illusion“. Diese acht Minuten sind also einer längeren Improvisation gewidmet, da sich die Musiker jeweils ihrem Instrument widmeten – vor allem dem damals noch frischen Mellotron, der Gitarre und dem Schlagzeug. Nach den vielfältigen Klängen beruhigt sich die Atmosphäre wieder, besonders gegen Ende, wenn der letzte, orientalische Teil namens „The Illusion“ einsetzt, in dem das Mellotron dominiert. Der Song selbst kann empfindsamere Seelen schnell auf eine längere spirituelle Reise entführen, während diejenigen, die fest mit beiden Beinen auf dem Boden stehen, vergeblich in die Struktur der einzelnen Songteile eindringen wollen – denn hier versagt jeder Rationalismus. Wer mit längeren instrumentalen Improvisationen nichts anfangen kann oder sie nicht versteht, kann nicht damit rechnen, dass ihm dieser Song als Ganzes jemals gefallen wird.
Das abschließende, retro-romantische mittelalterliche Epos „Court of the Crimson King“ eröffnet mit dem pompösen Intro „Return of the Fire Witch“. Dies war der erste ihrer Songs, den ich je gehört habe, und daher hat er bis heute einen besonderen Platz in meinem Herzen. Er ist eine weitere ihrer Hymnen und Beweis dafür, welch außergewöhnliche Energie diese Band damals ausstrahlte.
Heute ist der Song eine unsterbliche Klassikerin, in der McDonalds Flöte voll zur Geltung kommt und dich im Nu in die Welt der Märchen trägt, direkt in den Hof des Scharlachroten Königs, der sich unsterblich vergnügt beim Zuschauen der auftretenden Troubadoure, Elfen, Hexen und sonstiger Spaßmacher und Auftreter. Am Hof dreht sich nämlich alles um ihn.
Das melodische Hauptmotiv wiederholt sich mehrmals, die lyrische Botschaft ist jedoch jedes Mal anders. Die Band kehrt mit den Klängen der Flöte, die wirklich an das Pfeifen eines versteckten Waldelfens erinnert, mit „Dance Of The Puppets“ noch einmal zurück, wo sich der melodische Hauptrefrain noch einige Male wiederholt, bis er die Platte auf romantische Weise abschließt – eine Platte, die stets ein gewisses Konzept ausstrahlt, obwohl es offiziell keines gab (ein weiteres Merkmal der frühen Bandphase). Der Song erschien auch als ihre erste Single und ist neben dem „schizophrenen Menschen unseres Jahrhunderts“ ihr bekanntestes Werk, auch bei Nicht-Kennern.
Das schreiende Cover des „schizophrenen Menschen unseres Jahrhunderts“ und seines Antipoden, des „Scharlachroten Königs“, auf der anderen Seite des Covers, ist eines der besten Covers, das ich je gesehen habe, und vereint auf perfekte Weise Musik und bildende Kunst mit den fortschrittlichen Visionen der Band, was letztlich auch zur Etablierung des neuen Musikgenres namens Art Rock führte.
„In The Court Of The Crimson King“ ist also eine legendäre und heute kultische Platte für alle Liebhaber des Progressive Rock und genau jene, die das Fundament dieses Genres gelegt hat. King Crimson haben sich auch danach auf für viele bis heute völlig unverständliche musikalische Gebiete vorgewagt, doch dies ist die einzige ihrer Platten, die sich fast jeder Liebhaber von klassischem Rock und auch Jazz-Fusion guten Gewissens anhören kann, da es mit Sicherheit ihr melodischstes Album ist. Gleichzeitig ist es auch der bestmögliche Einstieg für alle, die ihre Musik gerade erst kennenlernen.
Die legendäre und romantische Besetzung Fripp, Lake, McDonald, Giles und Sinfield strahlte außergewöhnliche kreative Energie und vollkommene musikalische Harmonie aus und war wirklich die einzige Besetzung in der Geschichte der Band, die das Potenzial hatte, die Band auch nach ihrer ersten Platte kommerziell erfolgreich zu machen. Leider war diese Besetzung noch im selben Jahr vorbei, nachdem Giles und McDonald ihre eigenen Wege gingen. Wer weiß, wie die Zukunft dieser Band ausgesehen hätte, wenn sie geblieben wären – denn King Crimson gelang es noch lange nach ihrem Weggang nicht, eine stabile Besetzung zu finden, ungeachtet der vielen namhaften Musikernamen, die der Gruppe in Zukunft angehören sollten. Auch wenn jede folgende Platte ihr eigenes Kapitel für sich war, konnten ihre späteren Platten diese anfängliche Magie nie mehr ganz einfangen.
Mit der Kombination aus Mystizismus („I Talk To The Wind“, „Moonchild“, Titelstück) und dem damals aktuellen Friedens-„Flower Power“-Hauch („21 Century Schizoid Man“ und „Epitaph“) vereinten King Crimson die ewige Sehnsucht des modernen Menschen nach Freiheit, Liebe und Selbstverwirklichung. Genau das war neben der technischen Professionalität der einzelnen Mitglieder jene siegreiche Kombination, die die Herzen des stets wählerischen Publikums gewann, denn für jeden Musikfeinschmecker fand sich etwas. Was wiederum nur ein weiterer Beweis dafür ist, dass King Crimson (und es noch immer sind) eine Band, die in ihrer Musik das meiste zu bieten hat, dabei aber keine Musikmuster oder Trends bedient und stets nur dem eigenen Fortschritt folgt. In ihrer Musik erwachen sowohl Parallelwelten als auch die gesamte musikalische und künstlerische Philosophie des 20. Jahrhunderts zum Leben. Dieses legendäre Album ist ein lebendiges Zeugnis dafür, was kreative Freiheit einmal war, und gleichzeitig ein ewiges Denkmal für ihre Schönheit.
Autor: Peter Podbrežnik
Tracklist:
1. 21st Century Schizoid Man (including Mirrors) (7:20)
2. I Talk to the Wind (6:05)
3. Epitaph (8:47)
a) March for No Reason
b) Tomorrow and Tomorrow
4. Moonchild (12:11)
a) The Dream
b) The Illusion
5. The Court of the Crimson King (9:22), including
a) The return of the fire witch
b) The dance of the puppets
Besetzung:
Greg Lake – Gesang und Bassgitarre
Robert Fripp – Gitarre
Ian McDonald – Rohrblatt, Bläser, Vibes, Keyboards, Mellotron, Hintergrundgesang
Michael Giles – Schlagzeug, Perkussion, Hintergrundgesang
Peter Sinfield – Texte und Lichtgestaltung
