Autor: Peter Podbrežnik
Interpret: Van Der Graaf Generator
Label: EMI Records
Release: 1970
Spielzeit: 46:32
Bewertung: 5/5
Van Der Graaf Generator haben sich mit ihrem dritten Album, „H To He, Who Am The Only One“, endgültig und für alle Ewigkeit unter die größten Innovatoren in der Geschichte des britischen Progressive Rock eingetragen und damit eines der besten Werke ihrer turbulenten Karriere geschaffen. Ob du’s glaubst oder nicht: Ihr großartiges zweites Album, „The Least We Can Do Is Wave To Each Other (1970), mit dem sie die Prog-Rock-Welt dank einer unglaublichen Kombination aus ungezügelter Brutalität und epischer Schönheit samt poetischen Visionen einer düsteren, apokalyptischen Zukunft durchgerüttelt haben, war nur das Warm-up für ihre größten kreativen Triumphe. Der erste davon ist zweifellos dieses revolutionäre Album, ein echtes Meisterwerk des düster angelegten Progressive Rock, entstanden nur wenige Monate nach dem Erscheinen des hervorragenden Vorgängers, was die enorme Arbeitswut, Energie und den Ideenreichtum der Herren Hammill, Banton, Jackson und Evans beweist. Diese eigenwilligen Musik-Freaks und Visionäre, einzigartige Meister ihres Fachs, haben mit diesem Album ernsthaft die Vormachtstellung von King Crimson als aufregendste, experimentellste und düsterste Prog-Rock-Band jenes Jahres bedroht (interessanterweise haben King Crimson im selben Jahr kurz hintereinander gleich zwei phänomenale Alben veröffentlicht). Letztere werden in dieser Review noch öfter auftauchen, denn dem Album fehlt es nicht an Verwandtschaft mit dem apokalyptischen „crimsoiden“ Geist.
„H“ ist das Album, auf dem sich endgültig ihre klassische Viererbesetzung herausgebildet hat, die unter anderem die Bassgitarre aus ihren Reihen verbannte, die für ihre apokalyptischen Experimente fast völlig überflüssig geworden war. Der bisherige Bassist Nic Potter steuerte seine Dienste nur noch zu drei Stücken bei, nach seinem Abgang sprang kurzerhand Keyboarder Hugh Banton am Basspedal ein, das er unter seinen Keyboards versteckt hatte. Auch diese Abwesenheit der Bassgitarre wurde neben der üblichen Abwesenheit der E-Gitarre, die meist wirkungsvoll vom Saxofon von David Jackson ersetzt wurde, zu einem der wichtigsten Markenzeichen des Van-Der-Graaf-Sounds. Jackson steckte sich öfter auch gleich zwei Saxofone auf einmal in den Mund (Alt- und Tenorsaxofon), womit er sich zweifellos in die Riege der größten Bläser-Exzentriker seiner Zeit einreihte. Guy Evans, ohne Frage einer der besten Jazz/Rock-Drummer im Prog Rock, glänzt auf diesem Album wirklich in voller Pracht und liefert einige der feurigsten, aber auch komplexesten Momente seiner Karriere ab; besonders auf den Pauken zeigt er, was er draufhat. Zur Akustikgitarre (bevor er sich, so halbwegs, auch das E-Gitarre-Spielen beibrachte) griff hier gelegentlich auch Sänger Peter Hammill, das unbestrittene Genie und die Seele der Band sowie einer der besten und einzigartigsten Sänger und Dichter in der Geschichte des Progressive Rock. Hammill lud, ziemlich interessant, für das Stück „The Emperor In His War-Room“ auch seinen Freund ein, niemand Geringeren als den „Vater“ des Progressive Rock, Robert Fripp (King Crimson), der an der E-Gitarre sein unverkennbares Solo beisteuerte.
Die Mischung aus VDGG- und King-Crimson-Elementen ist zweifellos ein im Himmel geschlossener Pakt (oder, noch passender, in der Hölle), eine perfekte instrumentale Apokalypse und die Erfüllung der Träume jedes Prog-Schwärmers (das war erst der Anfang der Zusammenarbeit zwischen Fripp und der Band, die mit dem nächsten Album ihren Höhepunkt erleben sollte). Das ist aber noch lange nicht der beste Moment des Albums. „H“ ist mit so vielen verschiedenen Leckerbissen und einem so reichen instrumentalen/vokalen Ausdruck vollgestopft, dass mein Herz jedes Mal höherschlägt, wenn ich höre, wie wirkungsvoll die Band verzweigte Luftbrücken zwischen dem musikalischen Himmel und der Hölle baut. Hammills unverkennbarer, poetischer Gesang gehört hier meiner Meinung nach zu den besten seiner Karriere, zumindest was den harmonischen Wechsel zwischen tiefen, brutalen und hohen, klaren Lagen angeht. Darüber transportiert er äußerst wirkungsvoll seine meist apokalyptisch-gesellschaftskritisch angelegten Texte (die sich üblicherweise auf Kritik an Institutionen und anderen schädlichen Errungenschaften der westlichen Zivilisation beziehen). Banton hat in dieser Zeit offenbar tatsächlich an der Vorhölle angeklopft, so dämonisch klingt der Sound seiner Orgel, während Jackson zum wahren Van Gogh seines Handwerks an Saxofonen und Flöte wurde. Die Kombination aus Banton und Jackson ist meiner Meinung nach der Hauptschlüssel zu jener bösartigen Essenz, die die meisten Stücke des Albums umgibt, auch wenn es nicht an außergewöhnlich schönen und seelenerhebenden Momenten fehlt. Auf die Frage, wie es Evans schafft, so viel rhythmische Vielfalt und so lebendige Percussion-Einsätze zu zaubern, würde ich nur schwer eine Antwort finden. „H“ ließe sich grob als apokalyptische Mischung aus komplexen, überwiegend sinfonisch ausgerichteten Epen beschreiben, mit zahlreichen jazzigen Improvisationen und einzigartiger Gesangsdramatik, bei der die Stimmung ständig zwischen erhaben und boshaft wechselt; das Ganze ist gewürzt mit Hammills apokalyptischen, auch ziemlich sci-fi-lastigen Texten, die mich schon immer sehr interessiert haben, weil sich manche davon im Lauf der Zeit sogar als prophetisch erwiesen haben. Abgesehen von einer Ballade gibt es hier nur episch angelegte und hochkomplexe Stücke, die den unvorbereiteten Hörer mit ihrer unglaublichen Energie im Nu überrollen und in denen sich bei jedem Hören etwas Neues entdecken lässt.
Der Opener „Killer“ zieht uns mit seinem tödlichen, hymnischen Hauptmotiv (das mehr als wirkungsvoll ein Gitarrenriff ersetzt) sofort in die Apokalypse. Unglaublich, wie geschmackvoll sich in diesem Motiv Jacksons Saxofon und die höllische Schicht von Bantons Orgel verflechten. Wenn dann auch noch Hammills brutal-sarkastischer Gesang einsetzt, der hier nicht nur höhnisch, sondern fast schon böse klingt, entsteht wirklich die Stimmung, als stünde man mitten in einem Höllenkessel. Spannend ist, wie hin und wieder Klavier und Akustikgitarre die aufgeladene, finstere Stimmung der Komposition ein wenig beruhigen. Obwohl sich die höllischen Passagen auf Orgel und … in atemberaubendem Tempo abwechseln, behält die Band die ganze Zeit über das melodische Hauptmotiv bei. Der brutale Refrain, bei dem Hammill schreit, als würde ihn tatsächlich ein Mörder verfolgen, lässt einem mühelos das Blut in den Adern gefrieren. Irgendwann folgt ein extrem spannender Übergang mit einer wahnsinnigen Jazz-Improvisation, bei der wir Zeugen einer wahren instrumentalen Kataklysmus auf Schlagzeug, Bass, Klavier und Saxofon werden. Jacksons Passagen, vor allem aber seine Saxofon-Improvisationen, sind es, die neben Hammills bedrohlichem Gesang dem Stück einen Hauch von völligem Wahnsinn und Paranoia verleihen. Das melodische Hauptmotiv schaffen sie dabei die ganze Zeit schön zu bewahren und im richtigen Moment wieder nach vorn zu holen, auch wenn am Ende natürlich der obligatorische Irrsinn auf Klavier und Orgel folgt.
Nach der Apokalypse folgt ein Moment völliger Entspannung, verkörpert durch die wunderschöne sinfonische Ballade „House With No Door“, die auf geschmackvollen Arrangements von Bantons Klavier und sehr guten Einsätzen von Jacksons Flöte ruht. Peters Gesang ist diesmal fast ungewöhnlich melodisch und klar. Interessant: Wenn Hammill rein singt, in höheren Lagen und ohne seine „cholerischen“ Ausbrüche, erinnert seine Stimme sogar ein wenig an David Bowie (manche Gesangslagen im Refrain sind hier vielleicht sogar die höchsten seiner ganzen Karriere). Der Refrain ist außergewöhnlich schön und melancholisch. Peters Gesang drückt unglaubliche Sehnsucht aus und verzaubert den Hörer mühelos mit seiner enormen Ausdruckskraft. Ein echter Sinfonik-Leckerbissen sind die abschließenden, äußerst melodischen Arrangements auf Klavier und Jacksons Flöte, die zu den bezauberndsten Momenten in der Geschichte der Band gehören. Mit dieser traumhaften Ballade beweisen VDGG, wie schnell und unglaublich wirkungsvoll sie den Hörer durch Stimmungswechsel aus der Hölle in den Himmel versetzen können und umgekehrt.
„The Emperor in His War Room“ ist eines von Hammills besten poetischen Science-Fiction-/gesellschaftskritischen Experimenten und zugleich einer der erhabensten sinfonischen Momente des Albums. Es ist in zwei Abschnitte geteilt, „The Emperor“ und „The Room“. Beim letzteren Abschnitt stößt auch der bereits erwähnte Gastmusiker Fripp (wenn ich mal etwas geistreicheln darf – ein echter Musikdiktator, wie bestellt für ein Stück, das von einem Diktator handelt) an der E-Gitarre zur Band. Das eiskalte, östlich eingefärbte Eröffnungsmotiv auf Flöte, Orgel, Pauken und Akustikgitarre erschüttert den Hörer sofort mit seiner schaurigen Atmosphäre. Dazwischen wechseln sich nach und nach immer wieder energische Passagen auf Orgel und Schlagzeug ab, zu denen sich gelegentlich Hammills wütender Gesangsausdruck gesellt (wobei er versucht, in die Rolle eines imaginären tyrannischen Herrschers zu schlüpfen) und die ihren Höhepunkt in einem epischen Refrain mit mehrstimmigem Gesang und einem hervorragenden sinfonischen Arrangement finden. Das zentrale Motiv auf Flöte und Klavier zeichnet wirklich das Bild eines einsamen Tyrannen. Der Hörer kann sich meiner Meinung nach mühelos irgendeinen futuristischen Imperator vorstellen. Ich selbst denke meistens an den aus Star Wars, wie er auf seinem Thron sitzt und lacht, während er durch die Scheibe seiner Raumstation aussucht, welchen Planeten er zerstören wird. Vielleicht ist daran auch die Assoziation schuld, die der Nachname Hammill auslöst, keine Ahnung. Im zweiten Teil, „The Room“, folgt ein unglaublich aufgewühlter Übergang, ausgelöst durch hervorragendes instrumentales Zusammenspiel und einen sinfonischen Refrain mit Mehrstimmigkeit, bei dem sich mir jedes Mal alle Haare aufstellen. Hammil „schneidet sich“ mit seiner Gesangsleistung immer wieder „die Pulsadern auf“; zu solch einem Ausdruck sind wirklich nur die Größten ihres Fachs fähig, zu denen Peter ohne Zweifel gehört. Danach folgt ein außergewöhnlich geschmackvoller, instrumental ausgerichteter Abschnitt, einer der größten Leckerbissen des Albums. Hier fällt auch Fripp mit seinem unverkennbaren Solo an der E-Gitarre ein (es erinnert ein wenig an das aus dem berühmten King-Crimson-Instrumental „Sailor’s Tale“). Sein Solo legt sich hervorragend über das Maschinengewehrfeuer aus Schlagzeug und Orgel. Dann kehrt wieder jenes kalte, kosmisch-orientalische Motiv zurück, Hammill erleidet endgültig seinen „Nervenzusammenbruch“ und kündigt den Untergang dekadenter Zivilisationen unter der Faust des Imperators an. Der Schluss ist ironischerweise außergewöhnlich schön und friedlich.
„Lost“, das ebenfalls in zwei Abschnitte geteilt ist, „The Dance in Sand and Sea“ und „The Dance in Frost“ (die zwei Extreme eines umfassenden, in sich verbundenen Epos darstellen), ist ein weiterer epischer Höhepunkt des Albums mit sehr guten Refrains. Eröffnet wird es von einem Saxofon-Motiv, das man fast schon „krank“ nennen möchte, dann setzt ein hüpfender Rhythmus auf dem Schlagzeug ein. Jacksons Saxofon-Irrsinn ist neben dem erneut phänomenalen Gesang von Hammill, der auch diesmal im Vordergrund steht und größtenteils in hohe, epische Lagen ausgerichtet ist, auch wenn ihm die Wut nie ausgeht, die Hauptattraktion dieser Komposition. Die Rhythmuslinie ist wieder von außerordentlich schizoider Natur und wirkungsvoll mit dem höllischen Orgelsound verschmolzen. Nach den erhabenen Refrains folgen oft mörderisch-höllische instrumentale Ausbrüche auf Schlagzeug, Saxofon, Orgel und Bassgitarre (Potter zeigt hier noch vor seinem Abschied einen seiner besten Momente). Die Komposition hängt die ganze Zeit an jener dünnen Grenze zwischen Genialität und Wahnsinn, was eigentlich mehr oder weniger eine Konstante ihres Sounds ist. Auf den instrumentalen Wahnsinn folgt ein halb beruhigter, relativ epischer Teil, in dem Hammill mit melancholischem Gesang einsteigt und fast schon eine Klage anstimmt. Dazu gesellen sich eine interessante Saxofon-Improvisation und ein marschierender Rhythmus. Es folgt ein jazzig eingefärbter instrumentaler Abschnitt, der auf ruhigem Zusammenspiel von Saxofon und Orgel basiert. Doch auf diese Beruhigung folgt wieder eine regelrechte instrumentale Kataklysmus, die den zweiten Abschnitt der Komposition ankündigt. Hier fällt wieder das brutale Motiv ein, samt epischem Refrain mit Gesang, der „die Pulsadern aufschneidet“. „Lost“ klingt manchmal wirklich wie ein eisiger Kessel, in dem Dämonen auf dem Grund von Dantes Hölle tanzen. Ich könnte mich auf die Schnelle an kaum ein anderes ihrer Stücke erinnern, das unheilvoller klingt als manche Improvisationen auf diesem hervorragenden Epos.
„Pioneers Over C.“ ist meiner Meinung nach der Gipfel von Hammills Science-Fiction-Poesie. Der Text handelt von den ersten Astronauten, die die Lichtgeschwindigkeit ausprobiert haben, doch ihre Reise ging nicht gut aus, denn aufgrund der Gesetze der Physik (laut Hammill) lösten sie sich in Raum und Zeit auf und wurden zu so etwas wie körperlosen Geistern, irgendwo zwischen Leben und Tod und völlig einsam in den Tiefen des Alls. Abgesehen davon, dass es das komplexeste Stück des Albums ist, ist es meiner Meinung nach auch das beste darauf, denn die Band demonstriert hier sozusagen bis zum Letzten ihr ganzes experimentelles Potenzial an den einzelnen Instrumenten. Eröffnet wird der Song von einem ungewöhnlichen Effekt, dann folgt eine rhythmische Steigerung auf Bantons Basspedal und Hammills geheimnisvoller, wachsamer Gesang. Plötzlich verfliegt die düstere Stimmung, majestätische Orgeln setzen ein, und darauf folgt triumphaler Gesang von Hammill, der wieder sehr poetisch klingt und auf ungemein dramatische Weise die Geschichte der unglücklichen Astronauten erzählt. An äußerst saftigen instrumentalen Süßigkeiten mangelt es der Komposition nicht. Auf die erhabenen, epischen Refrains folgt oft ein Wechselspiel aus jazzigen Übergängen und interessanten akustischen Einschüben (sehr solider Einsatz der Akustikgitarre). Besonders hervorzuheben ist ein äußerst spannendes Motiv, das sich mehrfach wiederholt und wie eine Art apokalyptischer Marsch klingt, unterlegt mit Saxofon, Orgel und Hammills fast schon paranoidem Gesang. Interessant ist auch ein psychedelisch eingefärbter Part auf der Orgel sowie einige Saxofon-Improvisationen, die beinahe schon höhnisch klingen. In der zweiten Hälfte beruhigt sich die Stimmung deutlich, es tritt eine Art Windstille ein, und es folgt ein sehr schöner Teil auf der Akustikgitarre, zu dem sich die klare und zarte Farbe von Hammills Gesang gesellt. Das dauert nicht lange, und schon im nächsten Moment setzt eine völlig durchgeknallte Saxofon-Improvisation von Jackson ein, die klingt, als wäre ihm Wasser in den Trichter gelaufen. Darauf folgt wieder instrumentaler, bis zum Anschlag aufgedrehter Wahnsinn auf dem Klavier, zahlreiche psychedelische Sounds und stürmische Übergänge am Schlagzeug. Hammills Gesang wird erneut geheimnisvoll und paranoid. Der Schluss ist hervorragend, denn noch einmal wiederholt sich das zentrale Paradethema, das von absichtlich hohem Gesangs-Avantgardismus abgeschlossen wird. Für das große Finale gibt es dann noch die obligatorische, Zappa-mäßig eingefärbte jazzige Saxofon-Improvisation, die mit dem Brummen eines elektronischen Effekts auf den Keyboards endet.
„H To He, Who Am The Only One“ ist meiner Meinung nach eines der leuchtendsten Juwelen in der Geschichte des Progressive Rock und mit Sicherheit unter den vier, wenn nicht drei besten Leistungen in der Geschichte der Band, die bis dahin mit jedem Album einen unglaublichen Fortschritt gegenüber dem Vorgänger gezeigt hatte. Das Album war bei seinem Erscheinen ein riesiger Leckerbissen für alle, die nach würdigen Rivalen für die damaligen „Könige“ des hochgradig eklektischen Progressive Rock suchten – King Crimson (Genesis wärmten sich erst auf, Yes standen kurz vor einem Soundwechsel, ELP waren gerade erst aufgetaucht, Jethro Tull spielten noch immer Hard Rock, Gentle Giant ebenso, und Pink Floyd waren noch ziemlich psychedelisch und vor der Erfindung ihres unverkennbaren Sounds). „H“ war zugleich eine große Inspiration für einige weniger bekannte Prog-Rock-Bands, vor allem in Italien, wo man das Werk von VDGG am meisten zu schätzen wusste. Das Album klingt auch heute noch unglaublich frisch und ist Pflicht für alle Fans des klassischen Progressive Rock mit düstereren Noten und für Liebhaber ungezügelten Experimentierens (auch mit einigen avantgardistischeren Einschlägen). Gleichzeitig muss ich anmerken, dass es sich um ein Meisterwerk handelt, das mit Sicherheit nicht für jeden Hörer geeignet ist, vor allem nicht für irgendwelche zarten Seelen, die, statt mit dem eigenen Kopf zu denken, sich lieber von diesen oder jenen Trends an der Hand führen lassen. Also genau das, wogegen der „Zungendoktor“ Hammill und seine Band stets scharf gewettert haben. VDGG werden sich nach dem Erscheinen von „H“ keineswegs auf ihren Lorbeeren ausruhen, sondern mit dem nächsten Album etwas Atemberaubendes schaffen – damit machen sie nicht nur einen weiteren kreativen Schritt nach vorn, sondern erschaffen ihr größtes Meisterwerk, das zugleich den Höhepunkt ihres kreativen Schaffens darstellen und einer der erhabensten Triumphe in der Geschichte des Progressive Rock sein wird.
Besetzung
Peter Hammill – Gesang, Akustikgitarre, Klavier (3)
Hugh Banton – Orgel, oscillator, Klavier, Basspedal (2,5), Backing-Vocals
Guy Evans – Schlagzeug, Pauken, Percussion
David Jackson – Saxofon, Flöte, Backing-Vocals
GASTMUSIKER:
Nic Potter – Bassgitarre (1,3,4)
Robert Fripp (King Crimson) – E-Gitarre (3)
Produktion
John Anthony
Tracklist
1. Killer (8:07)
2. House With No Door (6:03)
3. The Emperor In His War-Room (9:04)
a) The Emperor
b) The Room
4. Lost (11:13)
a) The Dance In Sand And Sea
b) The Dance In The Frost
5. Pioneers Over C. (12:05)
Bonustracks der Wiederveröffentlichung (2005):
6. Squid 1 / Squid 2 / Octopus (15:24)
7. The Emperor in his War-Room (first version) (8:50)
