Autor: Peter Podbrežnik
Künstler: Yes
Label: Atlantic Records
Veröffentlichung: 1969
Spielzeit: 38:59
Bewertung: 3/5
Yes, eine der besten, einflussreichsten und beliebtesten Progressive-Rock-Bands aller Zeiten, begann ihren langen, von unberechenbaren Abenteuern geprägten Weg einige Monate vor der Veröffentlichung ihres gleichnamigen Debüts, das schlicht „Yes“ heißt. Ihre Geburt war mehr oder weniger nur einer von vielen Zufällen, die zur Verwirklichung eines der am längsten währenden Progressive-Rock-Märchen führten. Alles begann, als Chris Squire, innovativer Bassist der obskuren Psychedelic-Rock-Band Mabel Greer’s Toyshop (davor war er Mitglied von Synn), in irgendeiner Kneipe saß und vergeblich über seine weitere musikalische Richtung grübelte. Dort lief ihm der Sänger Jon Anderson über den Weg, ein von östlichen spirituellen Idealen inspirierter Kauz, der schon damals für seine einzigartige, von Falsett durchzogene Engelsstimme bekannt war. Im Gespräch stellten die beiden fest, dass sie nicht nur einen ähnlichen Musikgeschmack (The Beatles, The Byrds, Vanilla Fudge, Simon & Garfunkel usw.) und ähnliche Ansichten teilten (Musik, mit der sie bis dahin unerforschte Klangkombinationen erschaffen und die Grenzen der damals populären Musik sprengen wollten, ergänzt durch positiv gestimmte Poesie), sondern dass auch ihre Stimmen ziemlich verwandt waren und sich in mehrstimmigen Harmonien hervorragend ergänzten. Letztere wurden zu einem der erkennbarsten Markenzeichen ihrer Karriere.
Nach den ersten gemeinsamen Experimenten im Studio stieß Peter Banks an der Gitarre dazu, Squires ehemaliger Kumpel aus Synn-Zeiten, der damals zu den innovativeren Gitarristen zählte, weil er sich nicht an die für die Zeit üblichen Rhythmus- und Blues-Gitarrenformen hielt und in sein Spiel ständig verschiedene Klangideen einflocht. Ihm gebührt auch das Verdienst für den Bandnamen. Die Inspiration holte er sich bei einer Kunstausstellung im Umfeld von Yoko Ono, der berüchtigten, wenn nicht gar verrufenen Frau von John Lennon. Über eine Anzeige im Magazin Melody Maker lockten sie Bill Bruford in ihre Reihen, einen jungen Schlagzeuger mit starker Jazz-Prägung, der sich schnell als einer der angesehensten Rock/Jazz-Drummer aller Zeiten etablierte und technisch gesehen damals sicher auch der brillanteste Musiker der Band war. Als Letzter kam noch Tony Kaye dazu, ein in klassischer Musik geschulter Keyboarder, der aber auch ein Ohr für Rhythm and Blues hatte. Sein massiver Hammond-Orgel-Sound war in ihren ersten Jahren einer der Schlüsselbausteine melodischer, fließender und sich ständig wandelnder Klangvorhänge, die Yes von Anfang an von den üblichen Psychedelic-Rock-Bands jener Zeit abhoben. Yes bewiesen unter anderem auch ein außergewöhnliches Gespür für großartige Coverversionen anderer Bands, die sie auf ganz eigene Art neu arrangierten und so komplett neue Songs daraus machten. Generell strebten sie aber schon damals danach, völlig originelle, größtenteils hochmelodische, aber komplex aufgebaute Kompositionen zu schaffen, mit denen sie ihre Visionen vermitteln konnten. Die Melodie nahm in ihrer Musik im Gegensatz zu manchen anderen Progressive-Rock-Innovatoren immer einen wichtigen Platz ein.
„Yes“ war stilistisch weit entfernt von den späteren hochkomplexen Abenteuern, als sie einen völlig unverwechselbaren, sinfonisch angelegten Sound erfanden, der auch unter dem Namen „grüne Zunge“ bekannt ist. Hier spürt man starke Einflüsse von Psychedelic und dem Pop der 60er, hier und da sind aber auch Einflüsse von Jazz und klassischer Musik zu erkennen. Alle Songs auf dem Album sind mindestens solide und ausgesprochen gut hörbar, nicht nur für Prog-Fans, sondern für jeden, der ein Ohr für qualitativ hochwertigen melodischen Rock hat. Der Opener „Beyond And Before“ hatte seine Wurzeln in einer der nie realisierten Kreationen aus Squires Zeiten bei Mabel Greer’s Toyshop. Diese Komposition, eine effektive Mischung aus Psychedelic und melodischem Rock, wird von Squires unverkennbarer, melodischer Basslinie und Banks‘ energischen Gitarrenriffs ausgezeichnet, stellenweise durch den Wah-Wah-Effekt gejagt. Letztere machen im weiteren Verlauf Platz für melodische mehrstimmige Gesangsharmonien, die eine äußerst angenehme Stimmung erzeugen. Die Hauptstrophe wiederholt sich, während sich der Song entwickelt, mehrmals. Kayes Keyboards klingen noch ziemlich psychedelisch, passen aber gut zu den Gitarrenlinien, während Bruford schon am Anfang eine energische Kombination aus Jazz-Dynamik und rockiger Schlagkraft auffährt. Der Text, ein Produkt von Squire und Clive Bayley, seinem Kumpel aus Toyshop-Zeiten, beschreibt die inneren Empfindungen eines Einzelnen und erzählt keine Geschichte, wie es bei den meisten ihrer Zeitgenossen üblich war. Dieser lyrische Ansatz wurde mit der Zeit zu einem weiteren ihrer Markenzeichen. Insgesamt ein äußerst überzeugender Einstieg, der den Hörer gleich schön in den Beginn einer glorreichen Karriere einführte und ihre forschende Natur vorstellte.
„I See You“ ist eine ausgesprochen gelungene Coverversion der amerikanischen Psychedelic-Folkrocker The Byrds und eine von zwei Coverversionen auf dem Album. Yes haben sie in völlig andere Klanggewässer getaucht und so einen ganz neuen Song geschaffen. In den Improvisationen der einzelnen Instrumentalpassagen hört man deutlich ihre Jazz-Einflüsse. Das zeigt sich besonders in Brufords Drumming und Banks‘ Gitarre. Trotz einzelner instrumentaler Ausflüge halten sie sich die ganze Zeit an die melodische Struktur und behalten den psychedelisch eingefärbten Hauptrefrain samt dem ziemlich naiven Text bei. Auf der melancholischen, romantisch-friedlichen Ballade „Yesterday And Today“ zeigen sie ausgeprägter auch ein außergewöhnliches Gefühl für großartigen melodischen Rock mit einem Hauch Pop, den sie in der legendären Schule von The Beatles gelernt haben. Kayes sinfonische Klavierarrangements und Jons Engelsstimme tragen auf wunderschöne Weise die zentrale, überaus romantische Melodie. Solche leichtfüßigen und lyrisch reichen Stücke wurden generell zu typisch für Jons üblichen Songwriting-Stil. Der beschwingte „Looking Around“ enthält zahlreiche Funk-Elemente, eine einfache Struktur und einen melodischen mehrstimmigen Refrain. Der Sound von Kayes Hammond-Orgel verschmilzt in den Instrumentalteilen schön mit Banks‘ scharfen Gitarrenpassagen. Der dynamische „Harold Land“ ist ein deutlich experimentelleres Stück. Nach einem schwungvollen Intro mit einer satten Schicht Hammond und tollen Drum-Übergängen folgt ein melancholischer Abschnitt, in dem Jon beginnt, die Geschichte der zentralen Figur des Textes zu erzählen. Der handelt von einem Mann, der die Schrecken des Krieges überstanden hat und seine Erinnerungen wachruft. Sein Name bezieht sich auf eine reale Persönlichkeit, einen bekannten Jazz-Saxofonisten, der zu Brufords Lieblingsmusikern gehörte. Besonders interessant ist der mittlere Abschnitt, der an die Kapelle eines Militärmarschs erinnert. Am Ende wiederholt sich das Eröffnungsmotiv noch einmal.
Darauf folgt eine großartige, bis zum Anschlag aufgedrehte Coverversion des The-Beatles-Klassikers „Every Little Thing“, die sicher zu den besseren The-Beatles-Covern zählt. Hier zeigt sich noch einmal die Meisterschaft der Band darin, einzelne Arrangements komplett umzubauen und aus einer Coverversion einen völlig neuen Song zu machen. Feurige Einstiegspassagen an Gitarre, Schlagzeug, Bass und Hammond machen mit der Zeit Platz für eine wunderschöne romantische Melodie, in der Jons Gesang einsetzt und den Hörern ein Liebesmärchen in all seiner naiven Größe erzählt. Ein mächtiges Gitarrenriff ist äußerst geschmackvoll in die Orgelarbeit gebettet, während Chris‘ witzige Basslinien eine der Hauptdelikatessen in ihrer Struktur sind. Meiner bescheidenen Meinung nach kann sich dieses prächtige Cover durchaus mit dem Original von The Beatles messen. Es war wohl kein Zufall, dass sich die beiden besten Stücke des Albums an dessen Ende befinden, was zeigt, dass die Band ihre Ideen schon damals von Song zu Song verfeinerte.
Das von Romantik und Sehnsucht durchtränkte „Sweetness“ ist einer der schönsten, wenn nicht der schönste Liebessong ihrer gesamten Karriere, zumindest was den lyrischen Ausdruck jener „irdischen“ Liebe auf der üblichen Schiene Typ/Mädel betrifft, und nicht Jons gewohntes spirituelles „Mantra-Gesäusel“ auf hohem Niveau, das im weiteren Verlauf ihrer Karriere folgte. Die wunderbaren harmonischen Mehrstimmigkeiten erzeugen eine außergewöhnliche Stimmung. Meiner Meinung nach ist das ein fast ideales Stück für alle, die ihrer Angebeteten ihre Musik auf die leichteste Art näherbringen wollen. Meiner Meinung nach gibt es selbst heutzutage wenige Mädels, die davon nicht verzaubert wären. Zum Abschluss gibt es noch die sinfonische Delikatesse „Survival“, meiner Meinung nach das beste Stück auf dem ganzen Album, das schon einen teilweisen Einblick in den weiteren Verlauf ihrer Karriere gibt. Die einzelnen Arrangements sind hervorragend gesetzt, während die Rhythmuslinie wie üblich vorzüglich geschmiert läuft. Nach einem energischen Riff folgt ein witziges Motiv im Stil einer Werbemusik für Ciciban-Kinderschuhe, mit charakteristischem melodischem Bass, wie immer dynamischer Schlagzeugarbeit und vielfältiger Percussion. Im weiteren Verlauf ändert sich der Charakter der Komposition völlig und gerät in deutlich melancholischere und friedlichere Gewässer, in denen sich wunderschöne jazzig gefärbte Gitarrenpassagen und sinfonische Orgelarrangements ineinander verflechten. Jons Gesangsleistung liefert eine äußerst wirkungsvolle Mischung aus romantischem Pathos und sozialem Engagement, das aus seinem Text strahlt. Der erzählt vom ewigen Kreislauf des Lebens und dem unablässigen Kampf ums Überleben in all seinen Formen. Der Refrain ist vollgestopft mit wunderschönen mehrstimmigen Harmonien, die eine unglaubliche ätherische Magie erzeugen. Das Eröffnungsthema kehrt innerhalb der Komposition noch mehrmals wieder. Ein grandioser Albumabschluss, der von allen Stücken darauf den späteren, viel raffinierteren sinfonischen Prog-Rock-Werken noch am nächsten kommt.
Die Neuauflage des Albums von 2003 enthält auch einige Bonustracks. Der erste davon ist die Buffalo-Springfield-Coverversion „Everydays“, die sich hier in all ihrer psychedelischen Größe in der Single-Version findet, während die endgültige Version auf ihrem nächsten Album „Time And A Word“ (1970) erschien. Es ist ein ziemlich verträumtes, psychedelisch gefärbtes Stück mit zahlreichen Instrumentalpausen, größtenteils im mittleren Tempo und mit den typischen Mehrstimmigkeiten im Refrain. Die zentrale Melodie bilden Kayes Hammond-Orgeln und Jons Engelsstimme. Die Version auf „Time And A Word“ gefällt mir wegen der sinfonischen Arrangements besser. Dasselbe gilt auch für die frühe Version von „Dear Father“, die ursprünglich auf der B-Seite der Single „Sweet Dreams“ erschien und andere, rauere Arrangements und eine längere Spieldauer hat. Am interessantesten von den Bonustracks ist „Something’s Coming“, eine Coverversion eines Stücks aus Bernsteins „West Side Story“, in der Yes schön ihre Experimente mit unterschiedlichsten rhythmischen Spielarten demonstrieren. Squire bringt über seinen Bass auch Elemente des Paul-Simon-Klassikers „America“ ein. Auch der landete einige Jahre später auf der Liste ihrer Coverversionen. Alle drei genannten Kompositionen finden sich obendrein auch in ihren frühen Versionen, die nur minimale Unterschiede bei einzelnen Arrangements und der Länge bieten. Die sind vor allem für die leidenschaftlichsten Fans der Band ein Muss.
„Yes“ ist Lichtjahre entfernt von dem, was im weiteren Verlauf ihrer Karriere folgte, als sich die Band von Album zu Album klanglich weiterentwickelte und als eine der innovativsten Bands aller Zeiten den Thron des Progressive Rock eroberte, wobei ihr mit der Zeit auch außergewöhnliche Popularität gelang. Meiner Meinung nach ist so ein Vergleich aber völlig sinnlos, und das Album muss im Kontext der Zeit, in der es entstand, und seiner Rolle als „frischgeborenes Kind“ betrachtet werden. In dieser Hinsicht ist es ein überaus solider Start in eine glorreiche Karriere, ohne den sich kein fruchtbarer, ewig immergrüner Garten für die Aussaat ihrer späteren sinfonischen Prog-Rock-Meisterwerke entwickelt hätte. Obwohl sie bei der Veröffentlichung ziemlich unzufrieden mit dem Endergebnis waren und behaupteten, sie hätten darauf nicht alle Ideen so umsetzen können, wie sie sich das vorgestellt hatten (ihre Ambitionen kannten schon damals keine Grenzen), war dieses Debüt meiner Meinung nach besser, als Chris und Jon heute zuzugeben bereit wären. Anders als die unglaublichen King Crimson, die die Welt des Progressive Rock mit ihrem Debüt, einem der ganz seltenen, fast einzigartigen Fälle in der Geschichte der Rockmusik, im Handumdrehen auf den Kopf stellten, entwickelten sich Yes (ähnlich wie Genesis und Jethro Tull) schrittweise zu progressiven Größen, einen Status, den sie „erst“ mit ihrem berühmten dritten Album erreichten (mehr dazu in einer anderen Review). Für Yes folgten im weiteren Verlauf ihrer Karriere noch viel aufregendere und raffiniertere Sachen, aber das hier war ein überaus schön geformter Grundstein, der der Musikwelt gleich zu Beginn eine weithin erkennbare und entschlossene Band mit einer völlig eigenen Vision vorstellte, die üblichen Formen der Rockmusik zu überschreiten.
Besetzung
Jon Anderson – Gesang
Peter Banks – Gitarre
Chris Squire – Bass, Begleitgesang
Tony Kaye – Keyboards
Bill Bruford – Schlagzeug
Produktion
Paul Clay
Tracklist
1. Beyond and Before (4:50)
2. I See You (6:33)
3. Yesterday and Today (2:37)
4. Looking Around (3:49)
5. Harold Land (5:26)
6. Every Little Thing (5:24)
7. Sweetness (4:19)
8. Survival (6:01)
Bonustracks der Neuauflage (2003):
9. Everydays (single version) (6:23)
10. Dear Father (early version #2) (5:51)
11. Something’s Coming (7:08)
12. Everydays (early version) (5:18)
13. Dear Father (early version #1) (5:31)
14. Something’s Coming (early version) (8:02)
