Gish

Man könnte sagen: Was auch immer Smashing Pumpkins anfassen, verwandelt sich in Gold oder nimmt zumindest einen Platinschimmer an. So ist es auch bei der Platte Gish, die gleich zum Release auf Platz 195 der US-Charts kletterte; im Mai 2005 blieb der Verkaufszähler dieses Debüts bei 1,1 Millionen verkauften Exemplaren stehen.

Ein paar Monate vor dem Debüt einer anderen Band, die die Neunziger geprägt hat, Nirvanas Platte Bleach, erschien auch das Debüt der Chicagoer Truppe Smashing Pumpkins, Gish. Benannt wurde die Platte nach einem Stummfilmstar, Lillian Gish. Die Aufnahmen begannen im Dezember 1990 und zogen sich in den Smart Studios in Wisconsin bis März 1991 hin. Für die Produktion war auf dem Debüt größtenteils Butch Vig zuständig, Producer und Schlagzeuger von Garbage. Schon während der Aufnahmen war klar, dass man hier keine Nachahmung der Punk-Griffe erwarten durfte, die den Sound der Seattle-Grunger formten und meißelten, denn Billy träumte vom Glanz und Kitsch des Arena-Rocks, in den sich die Gravuren metallischer Riffs und die Epik des Art-Rock einweben ließen, die strukturell dazu da waren, die bekenntnishaften Noten von Billys Beichten zu untermauern. Auch wenn sich die Magie bei genauer Analyse der Texte leicht verflüchtigt: Corgans Schreibstil beruhte auf Mystizismus, fast ätherischen Motiven und einem starken Gefühl von Melancholie. Die Impulse sind so eigenwillig, dass sie die Enge nackter persönlicher Bekenntnisse transzendieren, und zwar so, dass es fast ins Unverständliche kippt, während sich die Pointen der Bilder intuitiv erschließen. Fast so, als würde man den inhaltlichen Fäden von Led Zeppelin folgen, die für den jungen Billy eine der wichtigsten Inspirationsquellen waren. Die Gitarren sind pixiesk verschmiert, haben aber mehr Wucht als die der großen Bannerträger des Neunziger-Sounds, Nirvana und Pearl Jam. Die Musik kann weniger aufdringlich atmen, aber trotzdem mit unübersehbarem Imperativ. Arrangements waren schon immer seine Stärke, was sich bereits beim ersten Hören der Platte zeigt. Man spürt die Fülle von allem – von schweren Gitarren über delikaten Rhythmus bis hin zu Psychedelik und leichtfüßiger Fluidität, die sich zu einem organischen Ganzen aus Minimalismus und Postamentgehabe von neu interpretiertem Pop-Artizismus verbinden.

Das Album eröffnet der Song ‚I Am One‘. Chamberlins Gespür für Rhythmus und die schweren, aber sehr hellen und optimistischen Gitarren erinnern an Sabbath-Treibjagd nach dem Beat. Auf den schaukelnden Rhythmus, der dich in Wellen überflutet, folgt ein sehr typisches Smashing-Solo. Nervös, aber im Wirrwarr des Chaos steckt Ordnung. Auf den harten Unterton des ersten Stücks folgt auch ‚Siva‘, das melancholisch, aber verzerrt verstärkt das Gefühl des zurückgehaltenen Rasens weiterführt, das schon in den ersten paar Takten des Intros aufgerissen wurde. In der zweiten Hälfte legen sich die Leidenschaften, und du hast das Gefühl, Corgans klagender Gesang, der sich mit den Gitarrenharmonien verflicht, wolle dich beruhigen. Die Sinuskurve aus Eruptionen und zarteren Passagen wechselt sich durchdacht und meditativ ab. Die erste Aufweichung dieses schlagkräftigen Diskurses bietet schon der Song ‚Rhinoceros‘. Smashing Pumpkins sind sentimental und zart, und zwischen den Konturen der Weichheit verstecken sich Spitzen und Eruptionen reiner verzerrter Energie. ‚Rhinoceros‘ ist ein klassisches Beispiel für Corgans Gespür für die melancholische Seite des Songwritings und die strukturelle Logik der Stücke. Schwebende Gitarren, ein verstärkter, dicker Bass und fast jazzige Percussion-Akzente, die der süßliche Klang einer warmen, sexy Gitarre seziert. Nervosität und Beruhigung, Wiederholung und Steigerung treiben den inneren Rhythmus an, der in die Sphären des Sinnlichen und Sinnenfrohen gleitet. Liebe und ein Zustand fast schon von Zurückhaltung. Tanz. Zarte Spritzer Herzblut direkt in die Gehörgänge. Es folgt ‚Bury Me‘, das den Rhythmus anzieht. Klingt wie eine Art erwartete Herzrhythmusstörung. Nach dem Feedback eine sehr konkrete Basslinie und synkopierte Gitarren, und wieder geht es nicht ohne gleichzeitige Dialoge des brüchigen Gesangs, der wie zerreißend und sich verlierend die Lücken in den Konturen der honigsüßen und schweren Gitarrenwand füllt. Unter den schöneren und auffälligeren Balladen ist der Song ‚Crash‘, eine akustische, fast R.E.M.-eske Meditation aus gezupften Tonleitern und süßlichem Schmerz oder morgendlicher Verträumtheit, die sich bestens die Hand reichen würde mit dem Song ‚Snail‘, den du dir ohne Probleme auf riesigen Stadionbühnen vorstellen kannst, vor einer vieltausendköpfigen Menge, die den manipulativen Techniken der Corgan’schen Esoterik erliegt. Die Zeppelins haben viel aus den orientalischen Gravuren morgenländischer Melodik geschöpft. ‚Suffer‘ greift diesen Moment fast instinktiv und unbewusst auf. Stell dir eine Wüste vor, eine Kamelherde und die Zelte der Tuareg, die sich auf den Weg durch die Wüste der Erkenntnis machen. „Too late to discover piece of mind… / Too late to recover…“ Doors-artiges Dahingleiten von Bass und Drums und eine minimalistische Gitarre. Der Weg in andere Sphären ist der nächste Song – ‚Snail‘. Das erneute Erwachen feurig roter Untertöne ist wie eine Art Rückkehr ins Leben. Pure Schönheit. Ästhetik am Werk. ‚Tristessa‘ greift zu etwas herberen Schattierungen schwerer Gitarren und herberen Drums. ‚Window Paine‘ bremst das Tempo. Wieder bist du in einer Welt aus Trugbildern und trüben Schatten gelandet. Wieder stehst du vor den Altären der Benebelung, nachdem du im Traum Kaschmir besucht hast. Befreiung. Was auch immer du tust, du hast damit zu spät angefangen. “ Do what you gonna do / And say what you gonna say / You start too late…“. Das schrittweise Hinzufügen zerfetzter Gitarren ist hier elementar für die Steigerung des Mantras. Der akustische Abschluss der Platte ist Balsam für das zerrissene und verwundete Herz. Scheherazade erzählt und spinnt Träume, diesmal aber greift nach Hypnos‘ Flüstern D’Arcy zu und startet ‚Daydream‘. Das Streicherduett, das den Song ergänzt, ist sinnlich und lässt nicht ahnen, dass das ihr erster Ausflug ins Studio ist. Die Jungs und das Mädel wollen beweisen, dass sie dich in ihrer Gewalt haben. Vollständig. Nach einer kurzen Pause von ein paar Sekunden und Stille überrascht dich das Album mit einem versteckten Track, ‚I’m Going Crazy‘. Das ist Corgans Antwort auf D’Arcys Zärtlichkeit. Wahnsinn als Antwort auf Gefühle. Offen bleibt die letzte Zeile. Corgan lässt poetisch Wege für die Fortsetzung der Geschichte offen, und zwar so, dass es dich, wenn du dich bis hierher hast anheizen lassen, in Erwartung und mit Gier nach noch ein bisschen mehr Süße, Obskurität und Schmerz zurücklassen kann. Verwunderung ist ein völlig erwarteter und natürlicher Zustand, der Wunsch nach einer Zugabe lässt sich erst ein paar Jahre später erfüllen, als der große Knall die Weiten des Smashing-Pumpkins-Universums aufwühlt, der Hitmacher-Wurf – das Album Siamese Dream.

Rückblickend betrachtet – Gish war die Ankündigung dessen, was Smashing Pumpkins in dieser ersten Phase zu bieten hatten. Die Platte verspricht weitere Horizonte, die sich laut dem Frontmann der Band völlig geplant und kalkuliert öffneten, und diese Planung und Absicht spürt man nicht als etwas Aufgezwungenes oder Störendes. Der Diskurs war vom ersten Tag an fließend und subtil. Auch dank der erfolgreichen Zusammenarbeit mit dem Produktionsmagier Butch Vig, der die groben Kanten genau richtig abfederte. Das Debüt klingt vielleicht tatsächlich etwas naiv, aber ein guter Beleg für den Erfolg der Formel waren die Scharen von Fans, die die Atmosphäre des Goth-Rock, der ganz unverschämt auch mit Heavy Metal liebäugelt, zu ihrer eigenen machten. Das Ego war zumindest auf den ersten Blick unterdrückt und unwichtig. Wichtig war die Botschaft, die weiter gefasst war und in der der Schlüssel zum Pumpkins-Universum steckte. Die Gestalten auf längst vergessenen Schwarz-Weiß-Bildern begannen zu sprechen, und die Geschichte entwickelte sich evolutionär zu einem Epos, das weitergeht. Das ist das erste Fragment. Das letzte ist noch nicht an der Reihe gewesen.