Autor: Peter Podbrežnik
Künstler: Moody Blues, The
Label: Polydor Records
Erschienen: 1967
Laufzeit: 41:34
Wertung: 5/5
„Days of Future Past“ ist eines jener monumentalen Alben der Sechziger, das in keinem Haushalt fehlen darf. Damit schufen die britischen Legenden des symphonischen Progressive Rock The Moody Blues ein Pionierwerk auf dem Gebiet des frühen Progressive Rock und Symphonic Rock. Dieses bis heute beliebteste und bekannteste Album von ihnen war eines der ersten Beispiele für die Fusion von Rock und klassischer Musik sowie das erste bekannte Beispiel einer Zusammenarbeit zwischen einer Rockband und einem klassischen Orchester – womit sie sich für alle Ewigkeit unter die führenden Pioniere des Progressive Rock und der experimentellen Musik eingeschrieben haben. Gleichzeitig zählt „Days of Future Past“ zu den ersten Konzeptalben in der Geschichte der Rockmusik. Das Konzept ist denkbar simpel: Es handelt vom Verlauf eines einzigen Tages im menschlichen Leben, vom Morgen bis zum Abend.
Wie so oft bei den großen Studio-Meilensteinen der Popmusikgeschichte gelangte „Days of Future Passed“ durch eine Kette glücklicher Zufälle zu seinem revolutionären Status. Bis zur Ankunft des exzellenten Sängers und Gitarristen Justin Hayward und seines ebenso hochbegabten instrumentalen, gesanglichen und kompositorischen Weggefährten, Bassist John Lodge, waren The Moody Blues eine eher durchschnittliche R’n’B-Band, die in der ersten Hälfte der Sechziger zwar einige Hits hatte, aber größtenteils Coverversionen anderer Bands spielte. Nach ihrem äußerst mittelmäßigen Debütalbum „The Magnificent Moodies“ (1966), das eine Sammlung von R’n’B-Coverversionen und eine Handvoll Originaltracks enthielt, schien es, als würden die Moodies nach dem Abflauen der sogenannten British Invasion in der Bedeutungslosigkeit versinken.
Das Eintreffen von Hayward und Lodge erwies sich als Rettungsanker: Mit ihren kompositorischen und instrumentalen Qualitäten trugen die beiden ab diesem Album entscheidend zur Entwicklung des unverwechselbaren symphonischen Sounds der Band bei. Die drei Originalmitglieder hatten sich schon vor den Aufnahmen zum neuen Album einen grundlegenden Stilwechsel gewünscht, mit dem sie einen eigenen, unverkennbaren Sound entwickeln könnten. Keyboarder Mike Pinder entdeckte zu dieser Zeit das Mellotron – ein für damalige Verhältnisse revolutionäres Tasteninstrument, mit dem sich der Klang eines Orchesters auf verschiedene Arten simulieren ließ –, während Ray Thomas das Flötenspiel erlernte und dem neuen symphonischen Sound der Band damit auch eine Prise Folk einhauchte. Mit dieser Klangkombination konnten sie äußerst wirkungsvoll eine Vielzahl romantisch-pastoraler Atmosphären erzeugen.
Eine geradezu entscheidende Rolle bei der Entstehung des Sounds von „Days of Future Passed“ und damit der Erfindung ihrer einzigartigen Fusion aus Symphonik und frühem Psychedelic Rock spielte das Angebot ihres damaligen Labels Deram, das ihnen vorschlug, eine Rockversion von Dvořáks Sinfonie aus der Neuen Welt aufzunehmen, um die Möglichkeiten der neuesten Aufnahmetechnik zu demonstrieren. Die Moodies nahmen das Angebot an, bauten das Album aber – ohne Wissen des Labels – auf völlig originalen Kompositionen auf, für die sie auch eigene Orchesterarrangements schrieben. Für deren Ausführung sorgte das London Festival Orchestra unter der Leitung von Dirigent Peter Knight. Für damalige Verhältnisse war das ein äußerst mutiger, fast schon radikaler Schritt – so manchem Klassikpuristen galt eine Fusion von Klassik und Rock als unvorstellbar, wenn nicht gar blasphemisch.
Im Vergleich zu späteren, weit komplexeren und ambitionierteren Prog-Rock-Meisterwerken wirkt das musikalisch-lyrische Konzept von „Days of Future Past“ heute ziemlich naiv – für seine Zeit war es jedoch mehr als revolutionär. Man muss sich ins Gedächtnis rufen, dass es sich um den ersten Versuch einer Zusammenarbeit zwischen einer Rockband und einem Orchester handelte – und damit um die Erschließung eines völlig neuen Terrains. Trotz zahlreicher logistischer Schwierigkeiten und Misstrauen gelang ihnen ein faszinierendes Werk, das auch heute nichts von seiner klanglichen und konzeptuellen Strahlkraft verloren hat. Sein verträumt-psychedelischer Klangcharakter, verbunden mit grandiosen Orchesterarrangements, zarten pastoralen Melodien und den gesprochenen Worten Mike Pinders, über die in Einleitung und Abschluss die Geschichte eines menschlichen Tages vom morgendlichen Aufstehen bis zum Ins-Bett-fallen zusammengehalten wird, klingt wie eine Filmaufnahme mit ausgesprochen romantischer Atmosphäre. Unter den siebzehn Tracks ragen zwei immergrüne Hit-Singles heraus, die zu den besten und bekanntesten Werken der Band zählen: „Tuesday Afternoon“ und „Nights in White Satin“. Letzterer ist bis heute ihr beliebtester Song – selbst Leute kennen ihn, die ansonsten noch nie von ihrem restlichen Werk gehört haben. Trotz ihrer Exzellenz sind das bei Weitem nicht die einzigen interessanten Tracks des Albums, das man – wie bei den meisten Konzeptalben – am besten in voller Länge hört, wenn man seine romantische Atmosphäre wirklich erleben will, in der man sich mühelos in die psychedelische Farbpalette des Covers fallen lassen kann.
Im orchestralen Auftakt „The Day Begins“ präsentiert sich das London Festival Orchestra unter Dirigent Peter Knight in vollem Glanz. Auf das anfangs pompöse Motiv folgt eine spritzige, fast kindlich-verspielte Melodie, die ankündigt, dass man es hier mit einem Album voller ständig wechselnder Stimmungen zu tun hat. Pinder kündigt mit gesprochenem Text die Geburt des Morgens vor dem Sonnenaufgang an, woraufhin eine Beschreibung des Triumphes der Sonne über die Nacht folgt. Seine dramatischen Worte werden dabei von üppigen romantischen Orchesterarrangements untermalt. Zum Glück übertreiben die Moodies es nicht mit den Rezitationen – die finden sich nur am Anfang und am Ende des Albums. Die Band gesellt sich zum ersten Mal auf dem geheimnisvollen „Dawn is a Feeling“ zum Orchester, wo sie mit melancholischen Mellotron-Arrangements das Morgengrauen eines neuen Tages heraufbeschwören. Hier stellt sich auch erstmals Haywards exzellenter Gesang vor – der meiner Meinung nach mit seiner feinfühligen Vermittlung unglaublicher Melancholie eine der schönsten Stimmen unter den Sängern des Classic Rock und Progressive Rock besitzt.
Die morgendliche Idylle verkörpert „The Morning: Another Morning“ auf eindrücklichste Weise. Das ist ein äußerst angenehmes, leicht schelmisches Stückchen mit einer verspielt-naiven Melodie, dem es weder an psychedelischer Verträumtheit noch an symphonischer Pompösität mangelt – besonders in seinem Schlussteil. Hier glänzt vor allem Flötist Ray Thomas mit witzigen Flötenpassagen – er übernimmt auch den Hauptgesang –, während zarte Motive auf Akustikgitarre und Mellotron eine ausgeprägt pastorale Atmosphäre erzeugen. Die Mittagspause läutet das temperamentvolle „Lunch Break: Peak Hour“ ein, mit äußerst witzigen orchestralen Arrangements in der Einleitung, bevor es sich unverhofft in einen beschwingten Rock’n’Roller mit allerlei psychedelischem Schmuck verwandelt. Hier überzeugt Bassist John Lodge als Hauptsänger, der auch der Autor dieses Tracks ist. Bei den Moodies war es üblich, dass der Komponist eines jeweiligen Tracks auch als dessen Hauptsänger auftrat – wenngleich sich Hayward mit der Zeit (logischerweise) als Hauptsänger der meisten Songs durchsetzte.
Es folgt der Klassiker „The Afternoon: Forever Afternoon“ (besser bekannt als die Single-Version „Tuesday Afternoon“), den Haywards feinfühlige Gesangsdarbietung auszeichnet, unterlegt von der Melodie seiner Akustikgitarre, während im Hintergrund Pinders Mellotron fließt. Als experimenteller Nachklang sorgt Thomas‘ abschließendes Flötensolo für einen gelungenen Leckerbissen. Nach dem orchestralen Übergang ins kontrastreiche „(Evening) Time to Get Away“ macht sich für kurze Zeit eine geheimnisvollere und etwas düsterere Atmosphäre breit, die ankündigt, dass der Tag seinen Höhepunkt bereits überschritten hat und die Nacht langsam näher rückt. In diesem Abschnitt begeistern erneut der vielseitige Gesang (besonders der Refrain) und die hervorragenden akustisch-orchestralen Arrangements. „Evening“ ist in der Folge in zwei ausgesprochen psychedelische Abschnitte unterteilt, die durch zahlreiche orchestrale Arrangements verbunden sind: „The Sunset“, wo langsame Rhythmen und zarte Flötenornamente den allmählichen Sonnenuntergang ankündigen, und das deutlich temperamentvollere „Twilight Time“, wo plötzlich auch Schlagzeuger Graeme Edge ordentlich zu tun bekommt.
Für den grandiosen Abschluss und den Triumph der Nacht sorgt ihr bekanntester Klassiker, das nostalgische „The Night: Nights in White Satin“ – meiner Meinung nach auch das beste Stück des gesamten Albums. Diese grandiose Fusion aus Symphonik, Folk und Psychedelic Rock ist im Kern eines der schönsten Lieder über unerwiderte Liebe – geschrieben haben soll sie Hayward schon mit 19 Jahren. Sein herzzerreißender Gesang verblüfft auch nach mehr als vier Jahrzehnten noch durch seine unglaubliche Melancholie, während Pinders üppige symphonische Mellotron-Arrangements in den folgenden Jahren zahlreiche Maßstäbe für den Einsatz dieses Instruments im Progressive Rock setzten. Heutzutage klingt es geradezu unglaublich, dass einer der bekanntesten Klassiker des Classic Rock und Progressive Rock bei seiner Veröffentlichung wegen seiner Länge keinen Anklang fand – aber 1967 war ein mehr als siebenminütiger Track noch ein echter Exzess. Wahre Anerkennung und Ruhm erlangte er erst fünf Jahre später, als auch längere Stücke im Radio gespielt werden konnten.
„Days of Future Passed“ ist bis heute das beste Werk dieser legendären britischen Pioniere auf dem Gebiet der Fusion von Rock und klassischer Musik, eines der wichtigsten Alben für die Entwicklung des Progressive Rock und eines der besten Alben der zweiten Hälfte der Sechziger. The Moody Blues ebneten durch ihre Zusammenarbeit mit dem Orchester anderen Progressive-Rock-Pionieren den Weg, die begannen, Rock mit symphonischen Arrangements zu verbinden. Gleichzeitig wurde „Days of Future Past“ zum Maßstab und gewissermaßen auch zum Fluch für alle ihre späteren Alben, da keines ihrer abenteuerlichen Ätherität das Wasser reichen konnte. Auch wenn sie in den folgenden Jahren einige bemerkenswerte Beispiele des frühen symphonischen Progressive Rock schufen, blieben alle im Schatten dieses monumentalen Werks. Bei allem unschätzbaren historischen Wert für die Entwicklung neuer Formen der Popularmusik klingt „Days of Future Passed“ auch nach mehr als vier Jahrzehnten noch genauso grandios wie bei seiner Veröffentlichung – was auch Mitglieder einiger weit bekannterer Bands eingestehen, denen es in den folgenden Jahren als wichtige kreative Inspiration diente.
Besetzung
Justin Hayward – Akustik- und E-Gitarre, Klavier, Keyboards, Gesang
John Lodge – Bassgitarre, E-Gitarre, Gesang
Mike Pinder – Keyboards, Mellotron, Klavier, Gesang (auch gesprochene Texte)
Ray Thomas – Flöte, Hörner, Schlagwerk, Keyboards, Gesang
Graeme Edge – Schlagzeug, Schlagwerk
Peter Knight – Dirigent, Orchesterarrangements
The London Festival Orchestra – Orchesterarrangements
Produktion
Tony Clarke
Trackliste
1. The day begins (5:49)
2. Dawn: Dawn is a feeling (3:49)
3. Morning: another Morning (3:40)
4. Lunch break: peak hour (5:16)
5. Tuesday afternoon (forever afternoon) (8:48)
6. Evening: the sun set: twilight time (6:14)
7. Night: nights in white satin (7:38)
8. Late Lament (1:35)
