Autor: Peter Podbrežnik
Künstler: Jethro Tull
Label: EMI Records
Veröffentlichung: 1982
Bewertung: 2.5/5
Obwohl uns vom Albumcover Ian Anderson mit zynischem Grinsen als eine Art geflügelter Elfenkrieger mit Schwert anblickt, während im Hintergrund ein Wikingerdrachenboot über die aufgewühlten Wellen schaukelt, steckt in „The Broadword And The Beast“, dem Album, mit dem Jethro Tull klanglich endgültig in die von synthetischen Sounds durchtränkten 80er einmarschiert sind, verdammt wenig Mystisches und Magisches – weder in der Musik, die ihrer traditionellen keltischen Magie gründlich beraubt wurde, noch in den Texten, die sich auch diesmal größtenteils um alltägliche soziale Themen drehen. Trotz Ians Versuch, die Stimmung des Albums in die sonst immer spannenden Wikinger- bzw. Piratenfarben zu tauchen, ist „The Broadsword And The Beast“ von der Atmosphäre her eher dem Kalten-Krieg-Paranoia-Gefühl verwandt. Der Hauptgrund, warum dem Album chronisch die ursprüngliche Tull-Magie fehlt, ist die synthetische Produktion und der ausgiebige Einsatz elektronischer Sounds, die ihrem traditionellen Folk-Rock-Sound, dessen Hauptträger Ians unverzichtbare Flöte ist, keinen Gefallen tun. Dem Mann sind damals ein paar seltsame Flausen in den Kopf gestiegen, dazu der Drang, immer mehr mit elektronischen Keyboards zu experimentieren, die er vor Beginn der Aufnahmen kurzerhand selbst eingespielt hat, bevor er den neuen, richtigen Keyboarder gefunden hat. Das waren natürlich keine besonders ermutigenden Neuigkeiten für ihren traditionellen Folk-Rock-Sound, und das Ergebnis ist ein ausgesprochen durchschnittliches Album, das oft von synthetischen elektronischen Samples erstickt wird, die die wenigen pastoralen Arrangements regelrecht robotisieren. Na ja, trotzdem ist nicht alles so grau, wie es scheint, und ein paar seltene helle Momente gibt es auf dem Album immer noch, die die Seele jedes Fans ihrer traditionellen keltischen Magie erfreuen.
Von den beiden neuen Mitgliedern, Schlagzeuger Gerry Conway (ex-Steeleye Span, Cat Stevens, Fotheringhay, derzeit bei Fairport Convention) und Keyboarder Peter-John Vettese, würde man als Hörer zu Recht erwarten, dass sie frischen Schwung und Frische reinbringen und mit den alten Hasen wie Ian, Gitarrist Martin Barre und Bassist Dave Pegg gut harmonieren. Obwohl sie neue Richtungen in ihren Sound gebracht haben, fallen diese aber oft als offensichtlicher Schritt zum Schlechteren aus. Conways Drumming ist deutlich weniger dynamisch und mehr im Stil des klassischen Rock als das seiner vom Jazz kommenden Vorgänger, was nicht unbedingt eine Schwäche sein muss, wenn es mit dem richtigen Feuer gespielt wird. Das Problem ist eher, dass seine Drums in der Produktion oft unnatürlich klingen und schon fast an der Grenze zur Drummachine liegen, die seinen eigentlich ausgesprochen druckvollen Ansatz ersticken. Ein anderes Lied ist Vettese, der mit seinen synthetisch-robotischen Keyboard-Sounds oft ziemlich geschmacklose Arrangements einbringt, statt sich eher an traditionelle symphonische Arrangements zu halten, die dem Album eine ganz andere Energie gegeben hätten. Während es seinem Vorgänger Eddie Jobson auf dem vorigen Album hervorragend gelungen war, klangliche Tradition und moderne Technologie unter einen Hut zu bringen, hat sich Vettese entschieden, lieber Professor für Synthetik zu werden. Zum Glück rettet das unzerstörbare und unzertrennliche Duo, Ian und Martin Barre, das Album vor dem totalen Desaster und davor, das Erbe der Band zu diskreditieren. Das gilt besonders für den persönlich stets bescheidenen und stillen Martin, der hier wieder mehr Raum für seinen schlagkräftigen Hardrock-Stil bekommt und mit seinen energischen Passagen dafür sorgt, dass es immer noch ein ausgesprochen potentes Album ist. Ians Zauberei an Flöte und Akustikgitarre gibt es diesmal spürbar weniger, als ich es gewohnt bin, dafür ist sein Gesang hier einer der besten seiner Karriere. Der Großteil der Stücke auf dem Album ist für ihre traditionell hohen Standards ziemlich durchschnittlich bis unterdurchschnittlich, aber die seltenen Momente der Inspiration sind es wert, dass man heute vieles verzeiht (im Gegensatz zum katastrophalen Nachfolger „Under Wraps“, 1984).
Der Opener „Beastie“ ist ein ganz gelungenes Experiment, irgendwo zwischen New Wave und Hardrock, bei dem sich Vetteses elektronische Keyboard-Sounds mit einem massiven Rhythmus, einem ausgesprochen energischen mehrstimmigen Refrain und Martins rohen Gitarrenpassagen vermischen. Trotzdem stört mich das Gefühl, dass sie damit um jeden Preis in einem Atemzug den damals angesagten New-Wave- und Metal-Trends gerecht werden wollten. Ians Flötengeflirre vermisse ich weiterhin auf „Clasp“, einem weiteren seltsamen Versuch, ihren traditionellen Sound und Synthies zu vereinen, der alles verkörpert, was klanglich falsch an diesem Album ist: künstlicher Rhythmus, synthetische Keyboard-Sounds und Ians durch einen Decoder geschickter Gesang (an manchen Stellen), die den ansonsten guten Folk-Rock-Arrangements auf Mandoline, Gitarre und Flöte keine Luft zum Atmen lassen. „Falling On Hard Times“ ist endlich der richtige, energische Folk-Hardrocker mit traditionellen akustischen Tull-Arrangements, in dem es nicht an Ians Flötenspielereien, melodischen Passagen auf Peggs Mandoline und Barres Gitarre sowie großartigen Gesangsharmonien fehlt, die den geschliffenen Gesang des Alten begleiten. „Flying Colours“ beginnt vielversprechend wie eine ihrer keltischen Klagelieder, bis zum ersten Übergang, wo es sich in einen astreinen synthetischen Gruselfilm verwandelt, der eher an eine Kreuzung aus Alan Parsons Project und Ultravox erinnert als an Jethro Tull. Vetteses Elektronik schneidet durch einen Tanzrhythmus, der schon fast im Stil der 80er-Disco daherkommt und sich ständig mit ihren traditionellen Elementen beißt. Die Szene retten diesmal weder Ians Gesang und Flöte noch Martins energische Gitarrenausflüge. „Slow Marching Band“ ist die Sorte sentimentale Ballade, wie ich sie von Ian und seiner Truppe normalerweise nicht gewohnt bin, denn die gönnen sich nur sehr selten irgendeine Form von Liebespathos. Ian wollte offensichtlich eine erschütternde keltische Ballade im Stil irischer Schlagersängerinnen schaffen, aber sein Gesang ist für solche Experimente nun mal nicht gemacht, trotz Martins Hilfe in Form subtiler Gitarrenpassagen. Wenigstens demonstriert Vettese hier zum ersten Mal, dass er doch Klavier spielen und orchestrale Arrangements solide einsetzen kann, wenn er nur will. „Broadsword“ ist die einzige Nummer auf dem Album, die sich textlich auf nordische Seefahrten bezieht. Es ist eines dieser klanglich kontroversen Stücke, das in einem Moment wie ein epistisches Meisterwerk klingt und im nächsten wie ein völliger Reinfall. Diesmal hat Ian versucht, Pomp und Pastorale zu einer epischen Mischung zu verbinden, doch das ist ihm nicht besonders gut gelungen. Die meisten symphonischen Arrangements, vom Rhythmus ganz zu schweigen, klingen unnatürlich und stehen in scharfem Kontrast zu den hervorragenden subtilen Gitarrenpassagen, zwischen die sich auch ein exzellentes Solo und Ians energische Gesangsleistung schleichen. Deutlich erfolgreicher sind sie beim Erzeugen von Epik auf dem dramatischen „Pussy Willow“, Ians mehr als offensichtlichen sexuellen Anspielungen auf weibliche Reize. Gäbe es diesen anzüglichen Text nicht, der überhaupt nicht zu ihrer keltischen Stimmung passt, wäre es sogar das beste Stück auf dem Album und ein Tull-Klassiker, denn es ist vollgepackt mit tollen barocken Orchesterarrangements (einer der seltenen Momente, in denen ich Vettese loben muss) auf Keyboards und Akustikgitarre sowie großartigen Übergängen zwischen Gitarre und Drums, angeführt von Ians dramatischem Gesangsausdruck. Das Sahnehäubchen sind die tollen Begleitvocals im Stil von Uriah Heep, die sich in den abschließenden Refrains fortsetzen, die leider viel zu schnell verebben. Keinen blassen Schimmer habe ich dagegen, was sie mit dem synthetischen Gruselstück „Watching You Watching Me“ sagen wollten, das schon ein stilistischer Vorbote der Schrecken ist, die uns auf ihrem nächsten Album erwarten. Vetesse beweist mit seinen elektronischen Sounds, dass er ein Meister des New-Wave-Synthie-Sounds ist, der aber trotzdem viel besser in irgendeine andere Band gepasst hätte. Ohne Ians Gesang (mit dem fürchterlichen Text), die Flötenpassagen und sogar ein bisschen Gitarre würde ich nicht glauben, dass es dieselbe Band ist, so schrecklich klingt es. „Seal Driver“ ist ein weiteres ziemlich durchschnittliches Experimentieren mit elektronischen Rhythmen, das von exzellenten Hardrock-Gitarrenpassagen ein Stück weit aus dem Dreck gezogen wird, zwischen denen im Mittelteil auch eine tolle Terzett-Melodie aufblüht. Letztere ist der Hauptgrund, warum es nicht das schlechteste Stück auf dem Album ist. Vetesses Ambient-Synthies sind diesmal im besten Fall näher an irgendeinem Space Rock (in diesem Fall zweitklassigem) als an Jethro Tull, denn die richtige Stimmung bekommen sie damit nie hin. Deshalb klingt der abschließende, gut eine Minute lange Klassiker „Cheerio“ wie ein Aufwachen nach schwerem Winterschlaf in einer Roboterrüstung, wenn die Kumpanei im Geiste wieder in die alte Schenke am Waldrand zurückkehrt, in die Aqualung einkehrt, und mit vollen Gläsern schottischen Whiskys anstößt. Mit diesem aufgenommenen „Prosit“ beschließen Tull bis heute ihre Konzerte, was einer der wenigen hellen und erwähnenswerten Momente ist, die dieses Album in ihr Live-Erbe eingebracht hat.
Die Auswahl an Bonusmaterial auf der Neuauflage ist diesmal außergewöhnlich reichhaltig, denn während der Aufnahmen zu diesem Album haben sie eine ganze Reihe von Stücken eingespielt, die dann nicht mehr auf den Tonträger gepasst haben. Ironischerweise sind einige davon besser als die, die ihren Platz auf dem Album gefunden haben. Größtenteils handelt es sich um solide, akustisch ausgerichtete oder hardrockige Nummern ohne größere Mengen unnötiger Synthies. „Jack Frost And A Hooded Crow“ ist ein traditioneller Folk-Rocker mit weihnachtlicher Stimmung (Glöckchen), der mit einem dynamischeren Rhythmus sogar ein Klassiker hätte werden können. Auch das akustisch ausgerichtete „Jack-A-Lynn“, in dem es nicht an energischen Hardrock-Passagen fehlt, wäre eines der besten Stücke gewesen, wenn es auf dem Album erschienen wäre. „Mayhem Maybe“ ist vollgepackt mit traditionellen barocken Folk-Rock-Arrangements auf der zarten Melodie von Ians Flöte und Akustikgitarre und löst als solches Entsetzen darüber aus, dass es nicht aufs Album gekommen ist. „Too Many Too“ ist dagegen ein typischer New-Wave-Langweiler mit jeder Menge synthetischer Sounds und monotonem Rhythmus. „Overhang“ ist ein ganz gelungenes und gut hörbares Experiment zwischen Elektronik, Folk und Hardrock, das sogar den meisten Stücken auf dem Album als Vorbild dienen könnte. Die letzten drei Stücke sind ziemlich durchschnittlich und langweilig. „Rhytm In Gold“ flirtet erfolglos mit Funk, während der hardrockige Durchschnittler „I Am Your Gun“ und das öde „Down At The End Of Your Road“, das mit einem Auge zum Pub-Rock von Dire Straits schielt, alles andere als Kandidaten für die Aufnahme in den regulären Teil des Albums sind.
Immer wenn ich „The Broadsword And The Beast“ höre, überkommen mich gemischte Gefühle, dass dieses Album deutlich besser hätte sein können, wenn es eine ihrer Besetzungen aus den 70ern gespielt und ihm so ihren traditionellen, natürlichen Keyboard-Sound und einen abwechslungsreicheren Rhythmus verpasst hätte. Ians Wikinger-Vorfahren hätten meiner Meinung nach nicht besonders wohlwollend auf den synthetischen Sound geblickt, der die meisten Songs erstickt und die traditionellen pastoralen Arrangements killt. „The Broadsword And The Beast“ ist zweifellos eines ihrer schwächeren Werke, das aber immer noch besser ist als die meisten Alben von Bands, die ihre besten Sachen in den 70ern gemacht haben. Auf ihm sind auch sie in dieselbe Falle getappt wie die meisten ihrer Prog-Zeitgenossen, die um jeden Preis mit neuer Technologie schnell ihren musikalischen Ausdruck „aufpolieren“ und für die damaligen Musiktrends akzeptabel machen wollten. Man spürt deutlich, dass Tull sich nach einer Serie hervorragender Alben ordentlich verausgabt hatten und deshalb ihren Sound schnell an die damals beliebten Musiktrends anpassen wollten. Das werden sie in den folgenden Jahren noch radikaler tun, was auf dem nächsten Album zu einem katastrophalen Ergebnis führen wird, neben dem sogar „The Broadsword And The Beast“ wie ein märchenhaftes Meisterwerk klingt.
Besetzung
Ian Anderson – Gesang, Flöte, Akustikgitarre
Martin Barre – E-Gitarre, Akustikgitarre
Dave Pegg – Bassgitarre, Mandoline, Backing Vocals
Peter-John Vettese – Klavier, Synthesizer
Gerry Conway – Schlagzeug, Percussion
Produktion
Paul Samwell-Smith
Tracklist
1. Beastie (3:58)
2. Clasp (4:18)
3. Fallen On Hard Times (3:13)
4. Flying Colours (4:40)
5. Slow Marching Band (3:40)
6. Broadsword (5:03)
7. Pussy Willow (3:56)
8. Watching Me Watching You (3:41)
9. Seal Driver (5:10)
10. Cheerio (1:10)
Spieldauer des Albums: 38:49
Bonustracks der Neuauflage von 2005:
11. Jack Frost And The Hooded Crow (3:21)
12. Jack-A-Lynn (4:40)
13. Mayhem, Maybe (3:05)
14. Too Many Too (3:27)
15. Overhang (4:27)
16. Rhythm In Gold (3:07)
17. I’m Your Gun (3:18)
18. Down At The End Of Your Road (3:32)
