Autor: Peter Podbrežnik
Interpret: Jethro Tull
Label: EMI Records
Veröffentlichung: 1975
Bewertung: 5/5
Die ungezügelten Troubadoure des Progressive Folk Rock holten sich diesmal ihre kreative Inspiration in der barocken Epoche des elisabethanischen Theaters und der Volksfolklore, was perfekt zum etablierten Image ihres genialen Oberhaupts Ian Anderson passte, dem bis dahin längst der Ruf eines ausgelassenen Troubadours anhaftete, der mit seiner Flöte – wie der Folklore-Flötist aus Hameln – immer wieder alle Fans progressiver Rockspielarten und Musikfeinschmecker überhaupt verzaubert. Trotz der schlechten Erfahrung mit Aufnahmen im Ausland (siehe Rezension zu „A Passion Play“, 1973) ging es diesmal ab nach Monte Carlo, wo sie so etwas wie den logischen Nachfolger des Vorgängeralbums „Warchild“ (1974) einspielten, auf dem sie erstmals in größerem Umfang Orchesterarrangements eingesetzt hatten. „Minstrel In The Gallery“ ist aber – ganz in echter Tull-Tradition – wieder ein völlig anderes Album als sein Vorgänger, denn es zeichnet sich durch einen noch größeren Anteil an Orchesterarrangements unter dem Taktstock von David Palmer aus, die diesmal noch eine Spur raffinierter geworden sind. Auch der Anteil von Ians Akustikgitarre ist deutlich gewachsen, die einzelnen Parts und Sektionen einen keltischen Melos verleiht. Das ist fast schon ein Paradox, denn es ist zugleich ihr akustischstes Album und eines ihrer härtesten bisher, auf dem sie den Großteil des Hardrock-Sounds der frühen Jahre zurückholten, als sie noch zu den härtesten Bands ihrer Zeit zählten. Einen wichtigen Umschwung gegenüber dem vergleichsweise schelmischen und leichtfüßigen Vorgänger bedeutet auch die deutlich ernstere und düsterere Stimmung und Struktur der meisten Stücke, die sich durch einige der ungewöhnlichsten Texte in Ians Karriere auszeichnen, allen voran das grandiose Schlussepos „Baker St. Muse“, mit dem sie für einen Moment wieder zu den langen Prog-Epen zurückkehrten, die für ihre früheren Meisterwerke typisch waren.
Wie schon erwähnt, setzt Ian diesmal deutlich häufiger die Akustikgitarre ein, vergisst aber natürlich nie sein Hauptinstrument, also die Flöte, auf der er wieder einmal demonstriert, wer der beste Flötist unter den Rockern ist – und umgekehrt. Martin Barre ist an der Gitarre erneut hervorragend und wie immer – scheinbar im „zweiten Plan“, aber jederzeit entschlossen, wenn es gilt, den „Motor anzuwerfen“ und erstklassige Hardrock-Passagen und geistreiches, originelles Riffing zu zeigen. John Evans ist an den Keyboards irgendwie Standard, sein großer Moment kommt auf dem Super-Epos zum Schluss, während die Rhythmusgruppe Hammond/Barlow sicher eine der dynamischsten und würzigsten ihrer Zeit ist. Auf dieser Position kam es kurz nach Erscheinen des Albums zu einer wichtigen Veränderung in der klassischen Besetzung, denn der hervorragende Bassist Jeffrey Hammond-Hammond verließ die Band – ein Spaßvogel erster Kategorie, dem auch die Neuauflage des Albums gewidmet ist. Der unvergessliche „Matrose“ (er trug nämlich fast immer ein Matrosenhemd), dem gleich drei Stücke aus ihrem Katalog gewidmet sind, gab nach seinem Abschied das Musizieren komplett auf und widmete sich ganz der Malerei.
Der Opener „Minstrel In The Gallery“ ist ein Klassiker, der bis heute mit seiner epischen und energiegeladenen Struktur voller geistreicher Wendungen begeistert. Nach der einleitenden Einladung zur Vorstellung führt uns Ians stets charismatischer Gesang über Akustikgitarre und Flöte in die epische Stimmung. Es folgen hervorragende Passagen auf Martins Gitarre und massive Schläge von Barries Schlagzeug, die den Hörer mit ihrer Intensität regelrecht durchsieben. Dazwischen wechseln sich ständig schön ruhigere Passagen auf Akustikgitarre und Keyboards ab, die über einen tollen Refrain für Melodik sorgen. Nach den starken Gitarrenpassagen folgt ein Flötensolo und eine Steigerung, die sich bis zum epischen Schluss zieht. Auch wenn es auf dem Album der einzige echte Klassiker ist, ist es bei Weitem nicht das einzige Meisterwerk, denn das Beste kommt erst noch.
„Cold Wind To Valhalla“ ist eine hervorragende Folk-Prog-Rock-Kreation mit wirklich kalter, geradezu eisiger Stimmung. Es beginnt auf der Akustikgitarre, die einen kühlen und melancholischen Klang hervorlockt. Der kommt in Kombination mit der Flöte und den starken Orchesterarrangements, die eine mystische und geheimnisvolle keltische Atmosphäre erzeugen, so richtig zum Leben. Ian geht hier mit seiner Stimme ein paarmal ziemlich hoch, auch wenn er die ganze Zeit genau weiß, wo die Grenzen seines Stimmumfangs liegen, der ohnehin seit jeher dem Charisma und der Saftigkeit untergeordnet ist. Tolle, energische Übergänge, bei denen die geistreiche Rhythmuslinie begeistert, allen voran die fette Linie von Hammonds Bass, dazu Flöte und geschärfte Gitarre, sorgen die ganze Zeit für außergewöhnliche Dynamik dieses sehr guten Stücks. Barres Gitarre klingt hier stellenweise fast wie eine Violine, und das abschließende Gitarrensolo ist ein Leckerbissen für alle seine Fans.
„Black Satin Dancer“ ist ein Stück mit vielen Stimmungen, auch wenn größtenteils eine geheimnisvolle und sogar leicht düstere Atmosphäre vorherrscht. Ians Flötenpassagen und der gelungene Einsatz von Klavier und Orchesterarrangements im Intro erzeugen eine authentisch elisabethanische Stimmung. Das Glockenspiel im Hintergrund sorgt die ganze Zeit für außergewöhnliche Geheimnisvolle. Es folgt ein verträumtes Solo auf Martins Gitarre und eine tolle Steigerung auf der massiv klingenden Rhythmuslinie. Nach Ians meisterhaftem, geistreichem Flötensolo erzeugt im zweiten Teil vor allem das finstere Gitarrenriffing eine leicht schaurige Stimmung, die an den Tanz einer folkloristischen Erscheinung in finsteren Winternächten erinnert. Es ist eines der ungewöhnlicheren Experimente auf dem Album, das einen wirklich erst begeistert, wenn man ihm mehr Chancen gibt.
„Requiem“ ist wieder eine dieser einfachen, ruhigen und akustischen, folk-rockig gefärbten Balladen, die sie schon immer gern gemacht haben und in denen ruhiger Gesang, Akustikgitarre und schöne Orchesterarrangements (vor allem die Geigen) eine verträumte und romantische Stimmung erzeugen. Auch wenn es im Schatten der besseren Stücke des Albums steht, ist es keineswegs ein Lückenfüller.
„One White Duck/O¹º = Nothing At All“ ist eine weitere entzückende, pastoral gefärbte Ballade, die aber einen viel besseren Refrain hat als ihr Vorgänger. Auch diesmal können wir uns an reichlich entzückender Akustikgitarre, einem leidenschaftlichen Gesang und einer hervorragenden Stimmung erfreuen, die im Hintergrund von ausladenden Orchesterarrangements aufgebaut wird. Hier begeistert vor allem die außergewöhnliche Glut des Gesangs, mit der Ian den Song und seinen Hauptrefrain aufbaut, ebenso wie der tolle, leicht schelmische Text, der trotz des ungewöhnlichen Titels nichts mit Kosovels „Konsi“ zu tun hat. Trotz ihrer Schlichtheit gehört sie in die Annalen der gefälligsten Balladen des Progressive Folk Rock. Sicher keines der Highlights des Albums, aber trotzdem ein guter Moment, um Tee zu trinken und sich auf das Beste vorzubereiten.
Es folgt nämlich das fantastische Epos „Baker St. Muse“, eines der großartigsten Stücke ihrer Geschichte und der große Höhepunkt des Albums, mit dem sie wieder bewiesen haben, dass sie nach „Thick As A Brick“ (1972) und „A Passion Play“ (1973) nicht vergessen haben, wie man ein progressives Epos serviert, voller Variationen, ungewöhnlicher und unvorhersehbarer Wendungen und grandioser Instrumentalpassagen. „Baker Street Muse“ ist eine unglaubliche Suite, in vier Abschnitte unterteilt, die sich durch die Brillanz der Gesangs- und Instrumentalparts, unvorhersehbare Verwicklungen und Ians bissigen Humor auszeichnet, der im Text surreale Ereignisse in der berühmten Straße beschreibt (darunter eine Reihe grotesker Gestalten), in der literarisch auch der berühmte Sherlock Holmes wohnte. Selbst die Stimmung beschwört stellenweise den Puls des viktorianischen London herauf, vollgestopft mit falscher Moral und Heuchelei. Nach einem schlichten, aber äußerst subtilen Intro auf der Akustikgitarre folgen ruhiger Gesang und Rhythmus, in die mit der Zeit geschmackvolle Orchesterarrangements einfallen. Es folgt ein toller Übergang und dann ein Refrain, der über Gesang, energische Passagen, vor allem einfallsreiche E-Gitarren-Riffs und einen komplexen Rhythmus eine Stimmung erzeugt, die sich ständig verändert – von dramatisch und düster bis geistreich und gelöst. Die ganze Zeit werden wir auch Zeugen einiger exzellenter Soli auf Flöte und E-Gitarre, denn Martin gönnt sich immer dann eine Verschnaufpause, wenn Ian seine geschmackvollen Akustikgitarrenpassagen beendet, die den Verlauf der gesamten Komposition beruhigen. Ians lyrisches Genie und schwarzer Humor treten vor allem im spöttischen Abschnitt „Pig Me And The Whore“ hervor, der eine Art Metapher für das lebhafte Treiben in den abgelegenen und düsteren Gassen des viktorianischen London ist und eine leicht umgedrehte Form der Wortverbindung „ich bin ein Schwein“. Hier beruhigt sich der Puls der Komposition fast völlig, und dann setzt „Nice Little Tune“ ein, ein weihnachtlich gefärbter und entspannter Instrumentalabschnitt mit Percussion, die den Klang von Schellen erzeugt, und schönen Orchesterarrangements. Dann folgt, mit dem erneuten Einsatz von Ians Gesang (und seiner ungewöhnlichen Veränderung der Stimmfarbe), noch ein ruhiger Abschnitt, „Crash-Barrier Waltzer“, der dank der Orchesterarrangements wirklich zum Walzertanzen verleitet. Darauf folgt das große Finale „Mother England Reverie“, in dem sich Ian ein letztes Mal auf Kosten der verlogenen Moral der englischen Gesellschaft Luft macht. Wieder erleben wir seinen grenzenlosen Zynismus, den sein introspektiver Gesang so gut in die meisten ihrer besten Stücke einbringt. Besonders gefällt mir die Zeile, in der er sich über die damaligen Musikkritiker lustig macht. Dann kommt auch der beste Teil des Epos, denn nach einem tollen Übergang auf der Akustikgitarre und Orchesterarrangements (vor allem die hervorragenden Geigen sind ein Genuss) setzt ein keltischer Abschnitt auf E-Gitarre und Flöte ein, mit einer tollen, poetischen Zeile, die zu meinen liebsten in ihrer Karriere gehört. Der sich steigernde Rhythmus, die aufgepumpten Gitarrenriffs und melancholischen Violinpassagen sind eine glatte Zehn und beschließen auf wunderbare Weise eines der besten Stücke ihrer Geschichte und des Progressive Rock überhaupt. Ian wäre aber nicht Ian, wenn er beim Singen des Refrains am Ende nicht feststellen würde, dass er im Theater eingeschlossen ist.
Das Album beschließt das kürzeste Stück ihrer Geschichte, die wunderschöne akustische Ballade „Grace“, die trotz außergewöhnlicher Schlichtheit ein durchaus passender Abschluss nach einem so epischen Meisterwerk wie „Baker St. Muse“ ist.
Die Bonustracks der Neuauflage bringen nichts Erschütterndes oder Dramatisches, denn trotz geschmackvoller Passagen sind sie äußerst schlicht, stehen aber im guten Einklang mit den meisten Stücken des Albums, und zwei davon hätten auch fester Bestandteil davon sein können. Der erste ist „Summerday Sands“, eine weitere schlichte akustische Ballade auf der Akustikgitarre mit Orchesterarrangements, die auch eine leicht tropische Stimmung und einen untypischen Text enthält, der von einer gescheiterten Sommerromanze erzählt, dabei aber trotzdem nicht mit Zynismus geizt. „March The Mad Scientist“ ist eine weitere kurze, weihnachtlich gefärbte Ballade, die ebenfalls nichts Besonderes ist. „Pan Dance“ ist ein etwas interessanteres Stück, bei dem Ian mit seinen Flötenpassagen sehr gut mit dem Orchester zusammenspielt. Weniger Freude machen die beiden Livemitschnitte, „Minstrel In The Gallery“ und „Cold Wind To Walhalla“, die keiner vermissen würde, denn sie wurden aus mir unbekannten Gründen so gekürzt, dass sie ohne Schluss auskommen müssen. Wer kann schon an abgeschnittenen Versionen Spaß haben, die kaum mehr als zwei Minuten dauern? Trotzdem verdirbt das nicht die Gesamtstimmung des Albums.
„Minstrel In The Gallery“ ist ein weiteres echtes Tull-Meisterwerk, das alles auszeichnet, was die meisten ihrer Fans am meisten schätzen: progressive, unvorhersehbare und geistreiche Wendungen, Hardrock-Passagen und keltisches Folk-Rock-Pathos. Obwohl dieses Album eines ihrer beliebtesten unter den Fans ist, wird es viel zu oft vergessen, wenn es darum geht, ihre besten Alben aufzuzählen. Gleichzeitig ist es eines der ausgewogensten Alben ihrer Geschichte und eine Art Übergangsphase zwischen dem elisabethanisch gefärbten symphonischen Prog und dem Progressive Folk Rock, der auf späteren Alben folgen wird. Die erste Etappe in der ständigen klanglichen Entwicklung von Jethro Tull war mit diesem Album und Jeffreys Abschied beendet, und es begann die nächste, nicht minder aufregende Phase.
Besetzung
Ian Anderson – Gesang, Flöte, Akustikgitarre
Martin Barre – E-Gitarre
Jeffrey Hammond-Hammond – Bass, Kontrabass
Barriemore Barlow – Schlagzeug, Percussion
John Evans – Klavier, Orgel
GASTMUSIKER:
David Palmer – Orchesterarrangements und Dirigent, Mitglieder des Orchesters London Philomusica
Produktion
Ian Anderson
Tracklist
1. Minstrel In The Gallery (8:13)
2. Cold Wind To Valhalla (4:21)
3. Black Satin Dancer (6:53)
4. Requiem (3:45)
5. One White Duck/0^10 = Nothing At All (4:39)
6. Baker St. Muse (16:42)
7. Grace (0:37)
Spielzeit des Albums: 45:10
Bonustracks der Neuauflage (2002):
8. Summerday Sands (3:44)
9. March Of The Mad Scientist (1:40)
10. Pan Dance (3:22)
11. Minstrel In The Gallery (live) (2:11)
12. Cold Wind In Valhalla (live) (1:30)
